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Archivo de la categoría: Cine

A las nueve cada noche (Jack Clayton, 1.967). Una tremenda película sobre la indefensión de la infancia en un mundo cruel.

Acabo de volver a ver una película que hace años me dejó impactado. Se trata de un filme excelente y de temática muy original, pero extremadamente cruel. Aquí se tituló A las nueve cada noche, aunque el título original fuese Our Mother´s House (La casa de nuestra madre). La película trata sobre una numerosa familia de niños, de padre desconocido, que quedan repentinamente huérfanos, al fallecer la madre. Ante esta trágica e irreversible situación, los dos hermanos mayores,-que apenas son adolescentes-, deben tomar las riendas y afrontar un papel de adultos para el que no estaban preparados. Temiendo ser enviados a un orfanato y debido al pánico que esa idea les produce,-pues significaría perder su casa y por tanto el único mundo que han conocido-, deciden ocultar la muerte de su progenitora y seguir con la vida que habían llevado hasta ese momento, como si nada hubiese cambiado. Pero, las cosas resultarán en la práctica mucho más complicadas de lo que sus inocentes mentes habían planeado.

La historia es muy dura, pero esta bien que exista una película que nos muestre la indefensión de los niños ante un mundo hostil y cruel, egoísta y taimado, que ellos ni conocen ni comprenden. Es un relato sobre la supervivencia cotidiana en un mundo y unas situaciones que les sobrepasan. Las interpretaciones de todos los actores niños y adolescentes son estupendas. Nunca he visto unos menores tan bien dirigidos.Son muy diferentes tipos de niños, perfectamente retratados a nivel psicológico. La ambientación de la película que transcurre en gran parte en la casa,-la cual adquiere tanto protagonismo como los niños-, es lúgubre, con predominio de escenas  nocturnas o en oscuridad, metáfora implacable del negro futuro que les espera a estas pobres criaturas. También se nos muestra como ante situaciones difíciles de entender para ellos, estos recurren a estrategias de explicación de la realidad o quizás de negación de esta, como el espiritismo. Porque las explicaciones que valen para los adultos no siempre son comprensibles o asimilables para una mente infantil o preadolescente. Es un filme que me impacta mucho cada vez que lo veo, pero que me satisface por su enorme calidad. También por lo novedoso de su enfoque, pues apenas existen otras obras cinematográficas que se parezcan a esta. Su autor, Jack Clayton, ya me había sorprendido muy gratamente con Suspense (1.961), que para mí es quizás la mejor película de terror de la Historia. Y como en la que nos ocupa, dirigió magistralmente a los niños, consiguiendo hacerles realmente inquietantes. Otro aliciente más de la película es la presencia del siempre extraordinario Dirk Bogarde, actor que solía trabajar en películas de atmósferas enfermizas o enrarecidas como esta. Lo que me demuestra A las nueve cada noche, es que el cine británico es mejor cuanto más sociales y trágicas son sus tramas. Cuando aborda temas como la infancia desestructurada o los problemas a los que se enfrenta la clase obrera resulta mucho más ágil y ameno que cuando habla sobre las clases privilegiadas. Entonces, tiende a la lentitud, la pretenciosidad y el aburrimiento.

Vean esta película y comenten si la escena final no les produce un tremendo desasosiego y les pone los pelos como escarpias.

Imágenes de A las nueve cada noche.

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Publicado por en marzo 26, 2017 en Cine

 

7 Películas que la Iglesia Católica no quiere que veas. 7 Películas que muestran los aspectos más oscuros de esta institución.

Hay siete películas sobre la Iglesia Católica en que esta institución no sale bien parada por diversos motivos. Todas ellas son de una gran calidad y nos hablan de diversos temas: homosexualidad, violaciones de los derechos humanos de las muchachas internas en los conventos, connivencia con el nazismo y complicidad con este régimen en el Holocausto, relaciones sentimentales y sexuales y abortos en miembros de la institución, entramados financieros opacos, tráfico de bebes, complicidad en la represión ejercida por los militares en determinados países hispanoaméricanos, y abusos sexuales a niños. Temas todos ellos que la Iglesia Católica trata de silenciar sistemáticamente y que al abordarse en el cine provocan la ira de la institución así como de los católicos más cerriles e intolerantes. Como aquellos que airados se concentraron frente a los cines que proyectaban La última tentación de Cristo (Martin Scorsese,1.988) y que quieren que se prohíban todas las obras literarias, cinematográficas, etc, que muestran un punto de vista negativo sobre la Iglesia. Es decir, quieren que sólo  sea legal su punto de vista, y que los demás nos tengamos que callar o ir a la cárcel.  Es lo que pasa con los integristas de todas clases. Aquí los que más fuerza tienen son los católicos, pero también están los protestantes, judíos, musulmanes, budistas, etc. Todos los integristas tienen en común el odio hacia el liberalismo cultural, hacia la libertad de creación, publicación y expresión, a la riqueza cultural que traen las sociedades diversas, hacia el pluralismo, vamos. Seguro que hay más películas críticas con la Iglesia Católica, pero estas son las que ahora me vienen a la cabeza y por su valentía y notable calidad, las recomiendo encarecidamente.

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Priest (Antonio Bird,1.994). 

Este filme aborda la historia de un joven sacerdote de ideas conservadoras que vive su homosexualidad como un tremendo conflicto interno que le angustia, hasta que decide dejar de reprimirse y probar a explorar su sexualidad. El tema de la homosexualidad como uno de los asuntos que más heridas abren dentro de la Iglesia cada vez que se aborda está muy bien tratado. Además, también toca el asunto de los abusos sexuales a menores-, aunque esta vez no por parte de miembros del clero-, y el no menos espinoso del secreto de confesión que puede llegar a ser en ocasiones contrario a las leyes por encubrir delitos.

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Las hermanas de la Magdalena (Peter Mullan, 2.002).

La historia de una pobre muchacha, que en encima de que la violan la envían a un convento como castigo donde será sometida a un trato inhumano, a toda clase de humillaciones y vejaciones. Estas muchachas estaban en esos conventos contra su voluntad por ser madres solteras, por haber sido violadas, por ser demasiado coquetas para la estricta moral de entonces, por no someterse a sus progenitores, por ser pobres, etc. Tras los muros de esas instituciones se vivía un auténtico infierno.

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Amén (Costa-Gavras, 2.002).

Aquí se nos muestra a un Pío XII más preocupado por el cuidado de sus periquitos y por el estado de las finanzas vaticanas que por la persecución y exterminio del pueblo judío. Se nos muestra como aquel papa firme partidario de los fascismos y similares, miró hacia otro lado cuando estaba teniendo lugar el Holocausto, por mucho que algún rabino bien untado de dinero, haya escrito un libro diciendo que no, que no Pío XII fue muy bueno y ayudó mucho a los judíos. Si, claro, ya vimos los resultados: 6 millones asesinados, tanto en matanzas como Baby Yar como en los campos de exterminio. El protagonista es un joven y honesto sacerdote que se rebelará contra la indiferencia de la Iglesia ante el genocidio.

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El crimen del padre Amaro (Carlos Carrera,2.002)

Por un lado se nos muestra lo imposible de llevar una vida de sacerdocio completamente célibe, pues el deseo sexual es consustancial al ser humano. Por otro, se tocan el aborto, y aunque sólo sea tangencialmente, el poder corruptor del Narco, y la acción positiva de la Teología de la liberación encarnada en un sacerdote idealista que pretende instaurar el Evangelio entre los campesinos pobres.

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Los banqueros de Dios (Giuseppe Ferrara, 2.002).

Película sobre el turbio entramado financiero del Vaticano. Nos habla sobre la quiebra del Banco Ambrosiano, del que era accionista mayoritario el Instituto para las Obras de Religión (IOR), institución perteneciente a la Iglesia Católica situada en la Ciudad del Vaticano. A lo largo de la película se nos muestran las relaciones del Vaticano con servicios secretos, la Mafia, la logia P-2 y los paraísos fiscales. De hecho, aparecen unas sociedades tapadera llamadas las panameñas. Basada en hechos reales.

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Spotlight (Thomas McCarthy,2.015).

Un apasionante filme que atrapa al espectador durante todo su metraje, sobre un grupo de valientes periodistas que con todo en contra, lucharon por destapar numerosos casos de pederastia en la archidiócesis de Boston. Su ejemplo sirvió para que comenzasen a salir a la luz casos de abusos a niños y adolescentes por parte de sacerdotes en todo el mundo (Australia, Kenia, Argentina, Holanda, Irlanda,Filipinas,etc). Se muestra que la pederastia en la Iglesia Católica no es algo aislado, fruto de unas poquísimas manzanas podridas, sino que es algo estructural y sistemático. Algo consustancial a la propia institución.

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El club (Pablo Larraín, 2.015).

Esta película nos muestra a cuatro sacerdotes condenados por la jerarquía católica a vivir en una especie de arresto domiciliario confinados en una remota región costera de Chile. Sus pecados son diversos (abuso sexual de niños, tráfico de bebes y complicidad con los militares en la represión). Viven atendidos por una monja tan cínica y perversa como ellos. La aparición de dos personajes,- un individuo reducido a la indigencia y el alcoholismo por culpa de haber sido abusado de pequeño por uno de los sacerdotes, y un quinto sacerdote enviado por la jerarquía para evaluarles y emitir un informe-, trastocará su gris, pero hasta ese momento segura vida.

 
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Publicado por en marzo 3, 2017 en Cine

 

Barbarroja (Akira Kurosawa, 1.965). Un filme que hace filosofía de las tragedias humanas.

En esta película sobre unos médicos destinados a un hospital para enfermos pobres desahuciados por el Estado y la sociedad, nos encontramos con un ejercicio de auténtica filosofía en torno a los aspectos más desagradables y negativos de la vida. Aunque el tema central en principio es la pobreza, también nos encontramos con el orgullo, la injusticia, el egoísmo, los traumas, el suicidio, la locura, la muerte, el fracaso o la soledad. Se nos van presentando unos oscuros personajes de los que sólo poco a poco se nos irán desgranando sus verdaderas razones para actuar como lo hacen. Y en medio del sórdido mundo del hospital  en donde desarrollan su labor, se van encontrando con difíciles situaciones que los van poniendo a prueba constantemente, al tiempo que van cediendo su protagonismo a otros personajes que nos adentran en sus propias tragedias. El relato va fluyendo mientras los protagonistas de las historias van cambiando, pero la historia sigue atrapándonos, porque es imposible que esa suma de tragedias nos sean indiferentes. En la narración van desfilando las consecuencias de vivir en la pobreza,- “la pobreza mata”, llega a decir el Dr. Barbarroja en una escena, frase que hoy es de tremenda actualidad, por cuestiones tan candentes como la pobreza energética-, las consecuencias del abuso sexual en la infancia y la prostitución infantil,- mostrando lo arraigada que está la pederastia en la sociedad japonesa-, la locura como consecuencia de hechos traumáticos inasumibles, la muerte,- y el miedo y la soledad que esta siempre conlleva-, la tristeza por los amores de juventud truncados por la fatalidad, el sentido de la justicia y del deber frente a un mundo moralmente en ruinas, etc. En fin, pura filosofía sobre todo lo peor que hay en este mundo. Un filme para ir captando detalles y reflexionando a medida que lo disfrutamos, un relato naturalista y una magnífica descripción de las relaciones entre clases sociales en el Japón del siglo XIX.

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Akira Kurosawa (1.910-1.998), ha sido junto con Kenzo Mizoguchi (1.898-1.956) y Jasujiro Ozu (1.903-1.963), uno de los tres maestros del cine clásico japonés. No he visto demasiadas películas de él, y no puedo decir que todas me entusiasmen. Rashomon (1.950), que fue la película que le dio a conocer a nivel mundial y que supuso una auténtica revolución tanto en narrativa como en perspectiva al contar la misma historia desde tres ángulos diferentes -, técnica que luego emplearían otros, sobre todo Quentin Tarantino-, a mi resultó insufrible por su inmensa teatralidad más cercana al teatro de máscaras y marionetas que al cine sonoro. La narración no me resultó amena en ningún momento. Ran (1.985) la soporté apenas 40 minutos por los mismos motivos. En cambio, Yojimbo (1.961),-película en la que se basaría Por un puñado de dólares (Sergio Leone,1.964)-, me resulto aceptable y entretenida. El infierno del odio (1.963) fue para mí un trabajo sólido, que contaba además con un sorprendente epílogo que te cambiaba completamente los esquemas, y Vivir (1.952), es de ponerle sobresaliente, pues es una película inigualable. Pese a lo que me han decepcionado algunas de sus películas, seguiré viendo parte de la filmografía de Kurosawa, porque mejores o peores, a sus obras hay que reconocerles originalidad y se aprende de la cultura japonesa viéndolas. Eso sí, como el cine oriental en su conjunto, el de Kurosawa es un cine lento y descriptivo, poblado a menudo por historias tristes y personajes trágicos. Si sus  películas, las ve alguien demasiado joven, seguramente le resultarán aburridas o absurdas. Si las ve alguien con treinta y muchos o cuarenta años,- que ya se ha llevado unos cuantos palos en la vida, y ha conocido los aspectos más duros e injustos de esta-, y ese alguien tiene un poco de sensibilidad y buen gusto y cierto entrenamiento cinéfilo, entonces lo más normal es que Barbarroja le guste, y bastante. Es decir, este filme no es un plato para todos los estómagos, sino para aquellos que de cultivarse durante lustros, ya sólo gustan de digerir platos exquisitos o por lo menos cocinados con profesionalidad y buen gusto.

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Películas más destacadas de Akira Kurosawa:

La leyenda del gran judo (1.943).

No añoro mi juventud (1.946).

El ángel ebrio (1.948).

El perro rabioso (1.949).

Rashomon (1.950).

Vivir (1.952).

Los siete samurais (1.954).

Trono de sangre (1.957).

Yojimbo (1.961).

El infierno del odio (1.963).

Barbarroja (1.965).

Dersu Uzala (1.975).

Kagemusha, la sombra del guerrero (1.980).

Ran (1.985).

Sueños (1.990).

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Akira Kurosawa.

 
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Publicado por en febrero 19, 2017 en Cine

 

Ha muerto John Hurt, uno de los grandes actores del cine británico, inolvidable intérprete en películas como El expreso de medianoche, Alien, El hombre elefante, V de Vendetta o Los crímenes de Oxford.

Acabo de recibir la noticia del fallecimiento del maravilloso actor John Hurt a consecuencia de un cáncer de páncreas que él creía haber superado. El mismo tipo de cáncer que en 2.009 se llevó a Patrick Swayze. John Hurt  (1.940-2.017) era un actor al que me habitué a ver desde niño en muy diferentes clases de películas. Aunque estaba demasiado encasillado en papales de pobre desgraciado, siempre que pudo ocupo otros registros, llegando a interpretar a villanos en filmes como Clave:Omega o V de Vendetta en el cine o el emperador Calígula en la serie Yo,Claudio. Trabajó con Alex de la Iglesia en Los crímenes de Oxford, decepcionante producción, que bebía descaradamente de la entonces reciente y muy exitosa El Código Da Vinci, y donde él era lo mejor. Fue un preso un tanto inquietante en El expreso de medianoche, el primero de los pasajeros espaciales en ser asesinado por el Alien, en la película homónima de Ridley Scott, el monstruoso y desgraciado John Merrick, bajo la batuta de David Lynch, un policía homosexual plumífero en la comedia Algo más que colegas, un padre de familia que planeaba huir en globo de la RDA en Fuga de noche (de la Disney), el ex-agente de la CIA cruel y vengativo de Clave:Omega,- la obra póstuma de Sam Peckimpah-, el pobre Winston Smith de 1.984, un inocente falsamente acusado de asesinato en El estrangulador de Rellington Place, un alto funcionario del espionaje británico caído en desgracia en El topo, un villano totalitario en V de Vendetta, uno de los magos-profesores de Harry Potter, etc. Su muerte me ha sorprendido, pues habrá leído recientemente una entrevista en la que decía encontrarse perfectamente, tras creer haber superado el cáncer, y me ha apenado profundamente. Se va uno de los grandes actores británicos, del cine, de la escena y de la televisión. Los cinéfilos le vamos a echar mucho de menos.

A continuación muestro imágenes suyas y de películas en las que participó.

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Como el taimado y traicionero Rich en Un hombre para la eternidad (Fred Zinneman, 1.966), excelente filme sobre Tomás Moro.

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Junto a Richard Attemborough en El estrangulador de Rellington Place (Richard Fleischer,1.971).

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En El expreso de medianoche (Alan Parker, 1.978)

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Asesinado desde dentro en Alien (Ridley Scott,1.979).

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Como el deforme y malogrado John Merrick en El hombre elefante (David Lynch,1.980).

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Intentando escapar de la RDA con su familia en Fuga de noche (Delbert Mann,1.982).

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Como el vengativo e implacable Lawrence Fasset en Clave:Omega (Sam Peckimpah,1.983).

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Junto a Ryan O´Neal en Algo más que colegas (James Burrows, 1.984).

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En 1.984 (Michael Radford,1.984).

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Como Bird O´Connell en El prado (Jim Sheridan,1.990).

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En Dead Man (Jim Jarmusch,1.995), en la que trabajó junto a Johnny Depp.

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Como el gobernante totalitario y manipulador de V de Vendetta (James McTeigue ,2.006).

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Como Mr. Ollivander en Harry Potter y la piedra filosofal (Chris Columbus, 2.001).

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En Hellboy (Guillermo del Toro, 2.004).

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Junto a Alex de la Iglesia, Leonor Watling y Elijah Wood en la promoción de Los crímenes de Oxford (2.008).

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Melancolía (Lars Von Triers,2.011).

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Junto a Gary Oldman en El topo (Thomas Alfredson,2.011).

 
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Publicado por en enero 28, 2017 en Cine

 

El fantasma del Paraíso (Brian de Palma,1.974). Una genial reinvención del Fantasma de la Ópera y un implacable alegato contra el poder omnímodo de las discográficas.

Anoche disfruté de una de las películas más originales, extrañas y geniales que me he encontrado en toda mi vida. Se trata de El fantasma del Paraíso, película dirigida por un Brian de Palma, que en aquella época se encontraba todavía en estado de gracia y era capaz de lograr filmes notables dotados de una gran imaginación y claramente rupturistas con lo que había entonces en Hollywood. El fantasma del Paraíso es una obra difícil de catalogar en cuanto al género, pues navega entre la tragedia, la ópera-rock, el cine fantástico y de terror y la denuncia contra la todapoderosa industria discográfica.  Uno de los méritos de la película es que no se limita a ser un remake de anteriores adaptaciones cinematográficas de la famosa novela de Gaston Leroux, El fantasma de la Ópera, sino que reinventa notablemente la historia para adaptarla al contexto histórico en que fue filmada: el de la música pop y rock de la década de 1.970 y de los sellos discográficos que imponían su ley en la industria musical de ese momento.

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Es la historia de un absoluto perdedor (un ser bueno, pero sin los requisitos necesarios para triunfar en una sociedad de mercado) y un completo triunfador (un ser abyecto y moralmente repugnante, pero que ha sabido tocar las teclas necesarias para llegar a lo más alto). Es decir, nos muestra como se puede ser bueno y tener razón y que nadie te escuche y te hundas en la ciénaga de la miseria en todos los sentidos y como puedes ser un malnacido y convertirte en millonario y que encima la sociedad te adore sin que hayas hecho nada realmente positivo por ella, También y enlazando con esto último, vemos a una sociedad necia, mucho más obediente a impulsos irracionales que a razonamientos lógicos. Una sociedad edonista, egoísta, consumista y superficial, carente de cualquier tipo de valor moral más allá de los estético y lo comercial. Una sociedad y sobre todo, una juventud, que como bien se muestra en las escenas de los conciertos no se entera de nada de lo que está sucediendo realmente y confunde espectáculo y realidad.  Las discográficas representadas aquí en el todopoderoso demiurgo Swam, son mostradas como un negocio destinado a fabricar continuamente cantantes y grupos de usar y tirar. Un tipo de música que está destinada a ser olvidada tan rápido como es consumida y unos grupos musicales y cantantes de efímera fama y existencia que son sólo marionetas en manos de un ser que acabará con sus carreras en cuanto se canse de ellos. Esta película, rodada pocos años antes de que comenzasen el neoliberalismo y las privatizaciones en el mundo anglosajón, es profética en lo que nos cuenta, pues el todopoderoso Swam aquí hace negocio incluso con la privatización de las prisiones, algo que terminaría sucediendo años después.

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Es una obra en la que la enorme imaginación del guión se combina estupendamente con la crítica social, narrando una historia llena de angustia y suspense, que al tiempo que reinterpreta  el fantástico y el terror, nos muestra lo zafio de nuestra sociedad de consumo (o de mercado), enseñándonos una selección de grupos musicales a cual más ridículo y unas aspirantes a cantantes dispuestas a prostituirse literalmente para conseguir su minuto de gloria. En esto último, destaca la protagonista femenina, quién cuando ve lejos la posibilidad del triunfo, mantiene una postura digna, firme y enérgica, pero en cuanto ha disfrutado del aplauso del público tan sólo unos segundos y ve la fama y el dinero a sólo un palmo de distancia, tirará por la borda toda su dignidad para entregarse (literalmente) a un hombre que incluso le desagrada físicamente con tal de disfrutar de una vida de fama y riqueza.

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Por todo esto, y debido a ser una obra de una creatividad extraordinaria y tener una crítica feroz a la industria y a la sociedad, la recomiendo al 100% a todos aquellos que quieran disfrutar de algo diferente y genial.

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Publicado por en enero 15, 2017 en Cine

 

El beso del vampiro (Don Sharp, 1.963). Una entrañable película de la Hammer con elementos muy originales para la época.

Siempre me gustaron las películas de terror de la Hammer por varias razones. Su fotografía y tonos cromáticos, su clasicismo, su ambientación y su acertada puesta al día de los mitos clásicos que la Universal había llevado ya a la gran pantalla en los años 30 y 40. El cine de la Hammer, -al igual que las adaptaciones que de los relatos de Poe hizo Roger Corman, que también me encantan-, me parece que es el que mejor retrata el género de terror, pues son las películas de la productora británica, las que con más acierto plasman el espíritu del relato gótico clásico. Hoy día, eso se ha perdido y lo que hay en el subgénero vampírico es una aberración tras otra, desnaturalizando la esencia del vampiro en filmes como Blade, hasta dejarlo completamente irreconocible. El saber que ese tipo de cine ya no volverá  a hacerse nunca más, le da a este otro punto más en su favor. La película que nos ocupa, El beso del vampiro (Don Sharp, 1.963), ha sido una experiencia muy gratificante en cuanto a poder reencontrarme con ese cine. Desde niño, estuve intentando encontrarla infructuosamente, y ahora, 30 años después, lo he conseguido.Y debo decir que el resultado global,- salvo por algunos aspectos técnicos excesivamente rudimentarios, especialmente evidentes en la escena final-, es bastante satisfactorio.

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La película es valiosa, porque al tiempo que sigue la línea argumental tradicional de este tipo de historias, introduce elementos muy originales y que por entonces (1.963), no habían sido apenas tratados. Uno de ellos es el mostrar a los vampiros como una sociedad secreta, que mientras que funciona al margen del resto de la sociedad, pretende dominar a esta, en lo que podríamos establecer un paralelismo con organizaciones a las que siempre se ha acusado de mover los hilos del mundo entre bastidores, como los rosacruces, la masonería o los iluminati. Otro es el trasladar la acción de las ya habituales Transilvania y Londres a Alemania, concretamente a Baviera, estado que debido a sus numerosos y célebres castillos, resulta perfecto para la ubicación de la trama. Un tercer elemento original es el baile de máscaras (los hombres) y antifaces (las mujeres), que sin duda tuvo que inspirar a Roman Polanski para realizar la insuperable El baile de los vampiros, cuatro años más tarde, pues la parodia que realizó el cineasta franco-polaco, mostraba que este conocía bastante bien los códigos estéticos y narrativos de la Hammer.

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La escena inicial, previa a los títulos de crédito es magistral, hasta el punto de considerar que hay pocas películas que empiecen tan bien. Los personajes, sobre todo la pareja protagonista, resultan algo pueriles o inocentes, más de cincuenta años después, pero hay que tener en cuenta que la sociedad de aquel momento también era mucho más pueril e inocente. La película nos sabe mostrar el choque entre dos mundos, uno de ingenuidad e inocencia,-remarcable por lo confiada que resulta la pareja protagonista-, y otro de maldad y actitudes frías y calculadas. Con tan sólo dos escenarios (posada y castillo), el director Don Sharp consiguió crear un relato que durante los ochenta y tantos minutos que dura el filme se sigue con interés en todo momento. Habrá quién reproche las deficiencias técnicas, pero hay que darse cuenta que es un filme de principios de los 60, de una productora que trabajaba con presupuestos ajustados y que en aquellos tiempos, incluso las películas de ciencia-ficción estadounidenses (la mayor potencia en efectos especiales) eran algo cutres.

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En definitiva, una película de vampiros como Dios manda. Con vampiros que son como tienen que ser y no como los de las últimas décadas, que parecen ejecutivos de alguna multinacional (Blade), pandilleros moteros (Jóvenes ocultos), etc. Se la recomiendo a todos aquellos que buscan poder volver a refugiarse en el calor de lo clásico y hoy desaparecido. En obras que como esta, tanto por sus aciertos, como por sus evidentes limitaciones, resultan entrañables.

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Publicado por en enero 12, 2017 en Cine

 

El hombre sin edad (Francis Ford Coppola, 2.007). Una película sobre la reencarnación diferente a todo lo visto hasta ahora.

Esta es una de las películas más originales que jamás he visto. En conjunto no se parece a ninguna otra que conozco. A lo sumo puedo englobarla dentro del cine filosófico y existencialista junto a otros filmes de indudable calidad como El séptimo sello (Ingmar Bergman,1.957), Primavera, verano, otoño, invierno…y primavera (Kim Ki Duk, 2.003) o Verbo (Eduardo Chapero-Jackson, 2.011). Se trata de El hombre sin edad, una de las últimas películas de un director a quién muchos creíamos retirado desde hacía veinte años, y a quién echábamos mucho de menos: Francis Ford Coppola. Lo cierto es que desconocía la existencia de sus últimas películas, pues ni siquiera se estrenaron en España.

Estamos ante un filme filosófico con lo que eso conlleva  de dificultad para distribuirlo comercialmente. Esta obra nos habla del tiempo, del ser, del miedo a envejecer solo, de la necesidad de compartir nuestra vida con alguien a quien amar, y que este amor sea recíproco. El amor romántico como paliativo contra una existencia  angustiosa, deprimente o frustrante. Nos habla también de la transmigración de las almas, -es decir de la reencarnación-, de la hipermnesia (exaltación anormal e incontrolable de la memoria), la filosofía magmática, el orientalismo,.. No en vano, el filme está basado en una novela del historiador de las religiones y místico orientalista Mircea Elíade (1.907-1.986). En este aspecto, estamos ante una obra  intelectualmente muy ambiciosa, y muy enfocada (aparentemente) a minorías de entendidos. Pero si conseguimos superar el primer tercio,- que es la parte más irregular, y a veces confusa-, y nos metemos bien en la historia, esta al abordar temas tan inherentes a la condición humana, se sigue con gran interés. El asunto de la transmigración de las almas o reencarnación esta tratado de una manera que resulta fascinante.  También nos habla de la extrema dificultad para alcanzar la felicidad que tienen dos seres diferenciados del resto por ser ambos portadores de una condición extraordinaria.

En este filme, como en otros de su autor, hay alusiones al paso del tiempo y a las edades del hombre. También se pueden apreciar autohomenajes, concretamente a la igualmente magistral Drácula de Bram Stoker (1.992) en hechos como la escena del estudio del cuerpo de un especímen humano (en este caso, vivo) en un acto médico internacional o la imposibilidad de disfrutar  de manera prolongada del amor y la convivencia con el ser amado. Por estas cuestiones, quizás el filme que más se le parezca sea El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2.008).

Es cierto que el tono dramático y existencialista del filme, unido a cierta ambivalencia entre lo onírico y lo real en su primer tercio, pueden echar para atrás a más de uno, pero el consejo que doy es verla sabiendo que es un ejercicio de reflexión, lo que motivará que la gente interesada la vea en un momento en que esté anímica y psicológicamente preparada para ello. Hay que verla así, y sin prisas, parándola de vez en cuando un minuto para meditar sobre lo que nos están contando. Y después de finalizado el visionado del filme, reflexionar acerca de lo que hemos visto y extraer correctamente las enseñanzas aprendidas.

He de decir que me alegro mucho de que exista esta película. Su existencia es una gran contribución a la Filosofía y a la parte de la Humanidad que Piensa.

Imágenes de El hombre sin edad.

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Publicado por en enero 11, 2017 en Cine