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Archivo de la categoría: Cine

Libros y series de TV que os recomiendo para este mes de septiembre.

He podido disfrutar este verano de dos lecturas formidables., una novela y un ensayo. La primera es un clásico de la literatura iberoamericana titulado El Señor Presidente. Escrita por Miguel Ángel Asturias en 1946, está considerada una obra maestra y es una de las novelas de referencia en ese subgénero literario iberoamericano llamado novela de dictador. Con esta categoría nombramos a una serie de novelas cuyo contexto nos sitúa en un país americano gobernado por una dictadura-ficticia o real- y de la que hay obras de extraordinaria calidad. El Señor Presidente nos sitúa en la Guatemala de 1.916, en plena dictadura de Manuel Estrada Cabrera, dictador del país centroamericano entre 1.898 y 1.920. Al tiempo que se denuncian las injusticias sociales y se muestran los flagrantes abusos de los poderosos contra el conjunto de la sociedad, la novela destaca por hacer uso en numerosas ocasiones del recurso estilístico y literario al realismo mágico. Sé que el realismo mágico no es para todo el mundo y que en ocasiones puede resultar cargante, pero aquí está muy bien expresado y dosificado. El uso de la prosa en Asturias resulta magistral y desde luego se nota que influyó en la escritura de novelistas posteriores, especialmente, Gabriel García Márquez. Como García Márquez, Miguel Ángel Asturias, también fue Premio Nobel de Literatura. Concretamente, en 1967, el mismo año que Gabo escribía Cien años de soledad, su obra cumbre y para algunos, la mejor novela del siglo XX.

El único inconveniente con el que se puede encontrar el lector es el continuo uso de vocabulario local, de guatemaltequismos. Pero, si no se le da importancia, se puede continuar con la lectura de manera apasionante. Sin llegar a considerarla una obra maestra, creo que es una obra novela muy bien escrita y a la que considero se le debe dar una oportunidad.

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El segundo libro que recomiendo es un ensayo escrito de manera inigualable por el cada vez más prolífico Yuval Noah Harari, profesor de Historia en la Universidad Hebrea de Jerusalén. Su título es Sapiens. De animales a dioses. Ed. Debate. A lo largo de sus páginas, Harari nos va desgranando las tres grandes revoluciones que ha protagonizado el Homo Sapiens, a lo largo de su Historia:

  1. La cognitiva, que tuvo lugar hace unos 70.000 años y supuso que el Homo Sapiens desarrolló una inteligencia muy superior a la de otras especies humanas que convivieron en el tiempo con él, como Homo Erectus y Neandertal, a las que finalmente llevó a la extinción.
  2. La agrícola, hace 12.000 años, que supuso un avance importantísimo en el modo de organizar el mundo “laboral” y el reparto de tareas entre hombres y mujeres, y sobre todo, el avance a la hora de sobrevivir. Supuso además la creación de nuevo tipo de sociedad con nuevos estamentos, cargos y jerarquías.
  3. La científica, que comenzó hace tan sólo unos 500 años, y que ha hecho progresar a la humanidad más que en todos los milenios anteriores. Este último período todavía no ha terminado, y dependiendo como se utilice la ciencia, podemos vivir en el mejor de los mundos posibles o en una aberrante distopía.

El libro está escrito de manera tremendamente amena desde la primera página. Se aprende muchísimo al tiempo que se disfruta. Además, el autor pone innumerables ejemplos a lo largo del libro, de aquellos temas de los que está hablando, lo que facilita mucho su lectura. Harari muestra una enorme erudición en todos los campos que aborda, y es sorprendente la frecuencia con que pone ejemplos relacionados con la geografía, la historia y la cultura de España. En un momento dado, llega incluso a mencionar los tebeos de El Jabato.

En fin, una maravilla de lectura, que recomiendo a todo el mundo.

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Por último, y cambiando de tercio, recomendaré una serie de televisión llamada The Americans. Trata sobre un matrimonio de espías soviéticos residentes en Estados Unidos en 1981, es decir al comienzo de la Era Reagan. Es una serie magistralmente llevada, donde todas las situaciones emocionantes y tensionantes posibles se entrelazan sin dar tregua al espectador. Acabo de terminar la primera temporada y ya he visto los tres primeros capítulos de la segunda. Si advierto, que a partir del último capítulo de la primera, la historia se va haciendo más enrevesada y cuesta más no perderse en determinados momentos. Son 7 temporadas. La serie entera se encuentra en Netflix, y de momento, tan sólo las dos primeras temporadas se encuentran en DVD.

Las interpretaciones de todo el reparto, empezando por la pareja protagonista son estupendas, y a diferencia de la mayoría de los filmes de acción que se ruedan hoy día, The Americans transmite un realismo sobrecogedor. Todo lo que allí ocurre resulta completamente veraz. Además, tanto las tramas de espionaje como las familiares están muy bien combinadas. También es de agradecer la imparcialidad y rigor en el tratamiento de los personajes, pues aquí no hay ni buenos ni malos. Solamente personajes que sirven a cada uno a un Gobierno o a una causa. Lo cierto, es que en un gran número de situaciones, es imposible no identificarse con la pareja interpretada por Keri Russell y Mathew Rhys. Les entendemos y les compadecemos, porque intuimos que no debe ser fácil esquivar al FBI o  lidiar con una hija adolescente.

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Publicado por en septiembre 1, 2018 en Cine, Literatura

 

Lemmy contra Alhaville (Jean Luc Godard,1.965). Una película revolucionaria que rompe con cualquier lógica esperable.

Si hay un director que ha roto con cualquier convencionalismo a la hora de plasmar en pantalla sus historias ese ha sido sin duda Jean Luc Godard (París,1.930). Ha dinamitado todos los conductos de expresión o comunicación habituales entre el cine y el espectador. Nadie ha llegado tan lejos. Ni siquiera Jacques Tati (1.908-1.982) , y eso que el desafío al sonoro que suponían sus películas en plenos años 1950 y 1960 reduciendo los diálogos al mínimo y mostrando los avances tecnológicos como una amenaza inmanejable, entre otras genialidades de Tati, ya eran bastante subversivas para la época.  Godard se propuso utilizar todas las posibilidades del cine para ir más allá de lo que nadie había ido contando historias incoherentes o con situaciones absurdas. En ese sentido, Alphaville-aquí titulada Lemmy contra Alphaville– es un excelente ejemplo de como se puede transgredir explotando hasta el límite la transgresión narrativa. La historia es una mezcla de policíaco, ciencia-ficción futurista y distopía. Lemmy Caution (Eddie Constantine) es un agente secreto enviado a Alphaville con dis motivos: localizar a otro agente desaparecido, Henry Dickson (Akim Tamiroff), y asesinar al fundador de esa ciudad, el Profesor Von Braun.

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La película ganó el Oso de Oro a la mejor película en el Festival de Berlín.

El filme llama la atención por estar repleto de situaciones inverosímiles y diálogos extravagantes. Estamos ante uno de los casos más extremos de cine experimental. Visto hoy a la mayoría de la gente puede resultarle enervante. Es sin duda una obra radical ante la cual el espectador se siente constantemente desconcertado, pues no sabe a donde se le está llevando. La película pone patas arriba la lógica y la semántica. El contexto de la Guerra Fría está presente en la narración, pero también guarda paralelismos o similitudes con El proceso (Orson Welles,1.962), adaptación de la novela de Kafka. Y como todo lo que recuerda al universo de Kafka, acaba también recordando al universo de Orwell. Y es que el primero denunció la burocracia, y el segundo el Estado totalitario. Pues en Alphaville, tenemos a ambos, Estado y Burocracia, como elementos destructores de los cuerpos y las almas. Una sociedad cuyos recuerdos han sido borrados desde el poder y donde hay palabras que el poder hace desaparecer porque este las considera peligrosas, como ocurría con  la neolengua en la novela  de Orwell, 1.984.

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Viendo la película nos percatamos de la imaginación tan inmensa de Godard con ocurrencias geniales como la aparición de unos personajes femeninos clasificados profesionalmente como Seductoras de Nivel 3.

En fin, si se atreven, véanla con tiempo y con calma.  Quizás sea necesario que la vean varias veces para poder apreciarla en todos aspectos. A algunos/as les terminará gustando.

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Publicado por en julio 3, 2018 en Cine

 

La jungla humana (Don Siegel,1.968). Un estupendo policíaco que supuso la primera película del ciclo Siegel-Eastwood.

Don Siegel (1.912-1.991) fue uno de los directores que mejor han sabido realizar películas policíacas y de acción. Sus películas siempre son ágiles, dinámicas y amenas, y creo que han marcado un camino a quienes llegaron después. Muy pocos han sabido recoger su testigo y contar con la misma habilidad y maestría historias similares. Aunque su filmografía es bastante larga y con muchos títulos notables, aquellas películas por las que es más recordado son las cinco que forman  un ciclo que protagonizó Clint Eastwood. De hecho, Siegel fue el segundo maestro que tuvo Eastwood- el primero fue Sergio Leone-, de hecho al final de Sin perdón, este dedica la película a ambos. A la película que hoy nos ocupa, La jungla humana (1.968), le siguieron Dos mulas y una mujer (1.969), El seductor (1.970)-la mejor película del ciclo y la obra maestra de Siegel-, Harry el sucio (1.971) y Fuga de Alcatraz (1.979). En todas ellas, Siegel demostró un notable sentido de la narración contando historias donde sabía mantener el interés de la trama en todo momento y sin renunciar a su estilo personal. También a nivel interpretativo supo extraer de Clint Eastwood lo mejor de sí mismo , teniendo en cuenta que cuando ambos comenzaron su colaboración a finales de los 60, Eastwood era todavía muy limitado en sus capacidades como actor. Creo que Eastwood no hubiese sido una estrella de cine tan duradera de no haber sido porque Don Siegel se cruzó en su camino. Y tal vez, Eastwood, de no haber consolidado su carrera como actor con estos títulos, nunca hubiese pudiese sacar adelante sus proyectos como director y hoy no conoceríamos joyas como Licencia para matar (1.975), El fuera de la ley (1.976), Ruta suicida (1.977), El aventurero de medianoche (1.982), Sin perdón (1.992) , Million dolar baby (2.004) o Cartas desde Iwo Jima (2.006). Por eso, y por todos los buenos ratos que nos hizo pasar con las películas que dirigió, los cinéfilos estamos muy en deuda con Don Siegel. Y sobre todo , ¡que gran diferencia entre los policíacos de Siegel y la basura que inundó las pantallas en los 80 y 90 y que protagonizaron “actores” como Chuck Norris, Sylvester Stallone  o Jean Claude Van Damme.

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La jungla humana es un filme policíaco que funciona muy bien por diversas razones. Una de ellas es que es una historia de permanentes contrastes. El primero de ellos es mostrarnos a la Norteamérica rural y profunda encarnada por Coogan, el protagonista, enfrentada a la Norteamèrica urbana y en continua transformación encarnada por Nueva York y sus habitantes. Esto se plasmará en los constantes choques que experimentará el protagonista con las autoridades policiales, con la chica – una asistente social de personas conflictivas- y con todas las personas que se van cruzando en su camino. En ese sentido, Coogan encarna a un tipo de personaje heroico cuyos valores y comportamientos están desapareciendo tan rápido como la Norteamérica a la que representan, engullidos por una modernidad urbana aquí encarnada lo mismo por jefes de policía y funcionarios hostiles a los métodos de nuestro protagonista que por los hippies y demás personajes de la contracultura tan en voga en el momento de realizarse el filme. De hecho, Coogan será objeto de burlas, desprecios e incompresiones por parte de unos y otros, a través de toda su aventura por la gran ciudad, sin importarle, pues representa a un rebelde orgulloso que no dará su brazo a torcer hasta haber conseguido su propósito. La segunda es la acertada enumeración y descripción de personajes-sobre todo marginales-que van apareciendo a lo largo del filme-en la comisaria, en el hospital penitenciario, en la inmensa discoteca de ambiente hippie- mostrando el amplisímo collage de diversidad cultural y social que cabe en una megalópolis como Nueva York en contraste con la simpleza y homogeneidad del pueblo de Arizona del que procede Coogan. Es esa variedad y relativismo de la gran ciudad lo que hará que Coogan se muestre torpe o sobrepasado por los acontecimientos en más de una ocasión, pues se ve nadando en aguas desconocidas con las que no contaba encontrarse. La tercera es la dinámica partitura del famoso y prolífico Lalo Schifrin que no puede ser más adecuada al relato y al protagonista. La cuarta es la agilidad con que se desarrolla el relato sabiendo alternar con eficacia los momentos de diálogo o de seducción con los de acción y tensión.

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Es cierto que al haber transcurrido 50 años desde su realización, eso se nota en cuanto a las actitudes del protagonista, que hoy serían vistas como anacrónicas o políticamente incorrectas. Y es que nuestro protagonista es una de las  mejores personificaciones del macho-alfa que se han visto en el cine lo que se plasma en numerosas situaciones. Desde lo fogoso que es en el plano sexual hasta su sangre fría a la hora de enfrentarse a maleantes de todo pelaje, pasando por el detalle de que después de comer con una mujer, la cuenta la paga él (una regla imprescindible del macho alfa en cualquier lugar del mundo). También podría alegarse que la película tiene una perspectiva reaccionaria en lo social al mostrar a los colectivos hippies o contraculturales como una panda de delincuentes y degenerados. Pero lo cierto es que ese enfoque contribuye a afianzar el climax malsano y de tensión de la película, consiguiendo un resultado final más sólido.

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Y fijándose un poco más en los detalles, me he percatado que en esta película, Siegel marca mucho el camino a las futuras películas y series de televisión policíacas de los 70 y 80 en unos cuantos detalles. Por ejemplo, en el enfrentamiento verbal constante entre el heroico protagonista y un jefe de policía antipático y desagradable que le echa broncas por su heterodoxa manera de proceder. O en la variada fauna de delincuentes, prostitutas y homosexuales que aparecen en la escena en que Coogan entra por primera vez en comisaría, y que luego veríamos por ejemplo en la serie Canción triste de Hill Street. O esos policías que llegan siempre cuando todo- es decir, la escena de acción- acaba de terminar. Resulta increíble la cantidad de veces que hemos visto casos de esos tres ejemplos, en películas y series setenteras y ochenteras.

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En definitiva, una película de lo más recomendable, y si este post ha servido para que les entren ganas de ver las cinco películas del ciclo Siegel-Eastwood, me doy por más que satisfecho.

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Don Siegel (1.912-1.991).

Otras películas de Don Siegel:

La invasión de los ladrones de cuerpos (1.956).

Código del hampa (1.964).

Brigada homicida (1.968).

La gran estafa (1.973)

Teléfono (1.977)

Golpe audaz (1.980).

 
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Publicado por en junio 10, 2018 en Cine

 

Jurassic World. El reino caído. (J.A.Bayona, 2.018). Una nueva entrega con argumentos renovados y una trama más adulta y trascendental.

Puedo decir que Jurassic World. El reino caído (2.018), última película hasta el momento de la franquicia iniciada por Steven Spielberg en 1.993,-adaptando la novela de Michael Crichton– y resucitada por Colin Trevorrow en 2.015, me ha dejado razonablemente satisfecho. Es cierto que no me ha entusiasmado al nivel de su predecesora-Jurassic World (Colin Trevorrow,2.015). Pero siendo justo e imparcial, quizás sea esta mejor película que aquella. Es cierto que al estreno de Jurassic World acudí con mucha ilusión y expectativas, pues se trataba de la resurrección de una franquicia que yo creía definitivamente muerta y enterrada, tras la muy aceptable Parque Jurásico III (Joe Johnston, 2.001). No es que yo sintiese mucha lástima por el fin de la trilogía, pues consideraba que esa saga no daba más de sí, y además El mundo perdido (Steven Spielberg, 1.997) me había parecido horrorosa. Pero, cuando después de tantos años, volvían la isla de Nublar y sus prehistóricos habitantes, me adentré de nuevo en ese mundo con mucha ilusión. Con una gran predisposición a que la película me gustase. Y me pareció formidable. Salvo por algunos pequeños detalles, la película rozaba la perfección. de hecho, le doy 4  estrellas y media sobre 5. Con esta nueva entrega no he llegado a experimentar esa sensación. Incluso creo que estaría mejor con doce minutos menos. Pero siendo justo, esta entrega es mejor, por dos razones. Introduce un argumento completamente nuevo-la erupción de un volcán- y desarrolla de un modo más amplia las cuestiones de la bioética. Es decir, aquellas que tienen que ver con hasta que punto tenemos derecho a crear y a destruir nueva vida.  En ese sentido, Jurassic World. El Reino caído es una obra más adulta y madura que sus predecesoras, pues no se conforma con entretener al público durante dos horas y deleitarle con estupendos efectos especiales, sino que pone a la especie humana frente al espejo y trata de hacerle cuestionar sus decisiones comerciales y científicas desde el punto de vista no sólo de la ética y la moral, sino  también, desde la responsabilidad. De esta manera, Bayona sabe por un lado otorgar a la franquicia una nueva narrativa que contar, -cosa que esta necesitaba como agua de mayo- y por otro, por medio de sus reflexiones, la dota de un sello muy personal. Y eso se nota en que mientras en su predecesora, el malvado monstruo mutante era el centro de atención, aquí ocupa un lugar muy secundario en la trama, para priorizar otro tipo de cuestiones, lo cual se agradece, pues no hubiera tenido sentido repetir una y otra vez la misma historia. También se agradece que el personaje infantil de esta película no nos haga chirriar como en anteriores entregas y sólo llore cuando es estrictamente necesario. Los nuevos escenarios en que se desarrolla el filme y el final abierto que plantea, sin duda constituirán un desafío para quienes continúen la franquicia, pues está claro que esta historia no termina aquí. Y tengo que admitir que Bayona deja a esta saga en un punto muy interesante y de mucho suspense y expectativas. No creo que otro director hubiese sido capaz de sacar adelante este material con su talento y dejar la historia tan continuable, pero de un modo tan distinto a lo visto hasta ahora.

También se agradecen las nuevas incorporaciones de dinosaurios en esta entrega: Carnotaurus, Pachycephalosaurus, Allosaurus y Styracosaurus. En cuanto a los actores, todos cumplen bastante bien y afortunadamente, no hay ningún personaje que sobreactúe con riesgo de fastidiar la historia. En ese sentido, todo ha sido muy bien medido para que nada desentone o eche a perder una producción con presupuesto millonario. Desde luego, esta nueva entrega merece que se le dé una oportunidad y su visionado no constituye en modo alguno tiempo perdido, pues sales planteándote cosas que tienen que ver con el mundo en que vivimos y sobre la capacidad y responsabilidad que tenemos cada uno para cambiarlo o mejorarlo. Estas reflexiones era absolutamente necesario introducirlas en una saga que sabemos que irán a ver millones de personas en todo el mundo.

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Publicado por en junio 8, 2018 en Cine

 

Lo mejor y lo peor de Joseph L. Mankiewicz (1.909-1.993). Uno de los referentes indiscutibles del Hollywood clásico.

Joseph Leo Mankiewicz (Wilkes-Barre, Pensilvania,11 de febrero, 1.909- Bedford, Nueva York, 5 de febrero de 1.993) fue uno de los directores imprescindibles del cine de Hollywood  de la época clásica. Sin duda ha sido un cineasta sobre el que se ha escrito mucho, como prueba la amplía bibliografía que hay sobre él y su obra. Sin haber conseguido ver todas sus películas, si que considero que he visto de él las suficientes como para aventurarme a hacer una pequeña reseña de todas ellas, y calificarlas como mejores y peores, porque tengo muy claro que la calidad de su filmografía es muy desigual, igual que ocurre con otros cineastas de la misma época como John Ford, Anthony Mann o Elia Kazan, autores todos ellos muy sobrevalorados, al igual que el propio Mankiewicz. Y es que los cineastas del Hollywood clásico parecen dioses para la crítica. Nunca se pueden valorar negativamente películas suyas como si eso supusiese un anatema.

En fin, Mankiewicz fue un autor muy variado, sin un estilo claramente propio que abordó con mayor o menor fortuna muy diversos géneros en películas muy diferentes entre sí. Eso hace que quizás sea más difícil abordar el significado de la obra de Mankiewicz que la de otros directores contemporáneos suyos.  Entre las películas seleccionadas hay un poco de todo, pero predominan los dramas. El problema de Mankiewicz es que no siempre conseguía imprimir un ritmo ágil a la narración en sus películas y eso hace que algunas de ellas resulten muy pesadas. Tampoco estaba dotado para abordar cualquier género y cuando dirigió por primera y única vez un western- El día de los tramposos (1.970)– lo hizo añadiéndole un toque de comedia que no quedaba nada bien, y le salió un filme aburrido y ridículo que hoy día no se sostiene por ningún lado. Aunque sin duda, el mayor despropósito de su carrera fue la superproducción Cleopatra (1.963), insufrible mamotreto de 4 horas en las que no ocurre nada interesante y que resultan un auténtico martirio para el espectador. Aunque para ser justos también hay que decir que el hecho de que la película fuese uno de los mayores fracasos comerciales de la historia del cine se debió sobre todo a la actitud de su irresponsable pareja protagonista(el matrimonio Elizabeth TaylorRichard Burton) que con su actitud egoísta y alcohólica, retrasaron innumerables veces el rodaje, haciendo que en consecuencia el presupuesto del filme se fuese incrementando cada vez más, hasta acabar costando la película unas seis o siete veces más de lo inicialmente acordado.Eso hizo que aunque la película tuvo una recaudación más que aceptable, no cubrió ni de lejos lo muchísimo que esta había costado. Por eso hablamos de fracaso comercial, aunque más bien deberíamos hablar de fracaso coste-beneficio.

En mi opinión, lo que mejor se le dio a Mankiewicz fueron los dramas en los que jugaba un importante papel el componente psicológico. Y es en ese tipo de filmes donde el cineasta se siente como pez en el agua y consigue sin ninguna dificultad, desplegar todo su talento. Quizás, si no se hubiese arriesgado tanto a la hora de escoger proyectos, su filmografía hubiese sido más uniforme, pero también proporcionalmente. de mayor calidad. Entre las virtudes de Mankiewicz, destacaría su habilidad para la descripción y retrato de los personajes que protagonizan sus películas, pues estos están muy bien retratados y definidos(Eva al desnudo, La huella) y la creación de ambientes y atmósferas (la inquietante mansión de El castillo de Dragonwick o la insuperable puesta en escena de Julio César). Aunque también es cierto, que en ocasiones, los personajes estaban demasiado estereotipados (Un rayo de luz). También, la perfecta dirección de actrices y actores y el conseguir sacar de estos/as soberbias interpretaciones. Y la profundidad psicológica de los personajes, porque justo es decir que Mankiewicz exploró como pocos directores la mente humana y su tristezas y tormentos (La condesa descalza, De repente, el último verano). Y entre sus defectos, yo diría que el no saber combinar géneros adecuadamente, como le ocurrió en El fantasma y la señora Muir, que empieza como una comedia y termina siendo una historia bastante triste o en la mencionada El día de los tramposos, que pretende ser un western cómico o una comedia-western, y sobre todo, la poca habilidad narrativa que demostró en proyectos para lo que estaba claro que él no era el cineasta más idóneo.

Aunque el sueño de Mankiewicz fue siempre dirigir, le costó mucho poder empezar a hacerlo porque Louis B.Mayer (uno de los dos jefazos de la Metro Goldwyn-Mayer) no quería que ejerciese esa función, pues consideraba que era algo para lo que no estaba preparado. De esta manera tuvo que conformarse con ser guionista primero (El enemigo público número uno, 1.934, Vivo mi vida, 1.935) y productor después (Furia, 1.936, Historias de Philadelphia, 1.940). El verse incapaz de cumplir su sueño profesional, fue lo que motivo que rompiera con la Metro y se pusiese a trabajar con 20 Century Fox. Y fue con esta productora, cuando por fin pudo dirigir su primera película, El castillo de Dragonwick (1.946), un filme de lo más original y aceptable, para ser una ópera prima, y en las que ya se vislumbraban las cualidades de Mankiewicz como director.

 

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El castillo de Dragonwick (1.946).

Un relato muy bien ambientado sobre la lucha entre la bondad y la maldad, esta última encarnada en un cruel y despótico terrateniente. Un filme que se ve con agrado y resulta muy apropiado para iniciarse en la filmografía del autor.

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El fantasma y la señora Muir (1.947).

Una presunta comedia se convierte rápidamente en una historia triste, y además torpe y pesada.  Estaba claro que Mankiewicz no era el director adecuado para una historia que en manos de por ejemplo, Billy Wilder o Howard Hawks, hubiese sido ágil y divertida, Este filme, lo único que consigue es aburrir y deprimir al espectador.

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Un rayo de luz (1.950).

Un drama de ambiente médico con el asunto de los prejuicios raciales como telón de fondo. No está mal, pero la trama en ocasiones resulta algo confusa, y los personajes resultan demasiado estereotipados. Además, el final parece parece hecho deprisa y corriendo, y parece tener un tono moralizante algo innecesario. Esta película no es mala,pero tampoco llega a ser buena.

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Eva al desnudo (ídem)

Una fascinante película que nos muestra los entresijos de quienes pertenecen al mundo del teatro. La ambición sin límites, el usar a los demás para ascender profesionalmente, el cinismo y lo peor del ser humano aparecen magistralmente retratados en este filme que sin duda es una de las obras más conseguidas de su autor y una obra maestra del cine.

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Julio César (1.953)

La mejor película de Mankiewicz, y también la mejor adaptación al cine que jamás se haya hecho de una obra de William Shakespeare. Una película rodada en verso- como la propia obra en que se basa- pero sin resultar cargante ni ridícula en ningún momento. Todo lo contrario. Los diálogos son soberbios, la puesta en escena, magistral y la película en sí, resulta un auténtico festín visual de la primera escena a la última.

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La condesa descalza (1.954).

Así como en Eva al desnudo, su autor nos mostraba las mezquindades que se escondían en el mundo del teatro, aquí ajustaba cuentas con la industria del cine y el mundo de los magnates. Una amarga reflexión sobre la fama, la soledad y la insatisfacción. Una estupenda obra con brillantes diálogos provistos de intenso dramatismo. Es cierto que el desenlace final no resulta demasiado creíble, pero salvo por eso, la película funciona a la perfección, siendo una de las mejores  obras de su autor.La historia diserta sobre la insatisfacción, mostrándonos lo extremadamente difícil que es alcanzar la felicidad, a pesar de la fama y la riqueza. Cuando terminas de ver la película, te das cuenta que ninguna otra actriz podía haber interpretado el papel de María Vargas de un modo tan sublime como Ava Gardner. Ese papel estaba hecho para ella.

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De repente, el último verano (1.959).

Un drama psicológico que se desarrolla en un ambiente enfermizo y desgarrador. Una historia que resulta desasosegadora, contada de modo muy eficaz y con uno de los finales más malrollistas de la historia del cine. Está sin duda, entre las mejores películas de Mankiewicz. La parte final, por cierto, se rodó en la costa brava.

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Cleopatra (1.963)

Una catástrofe en todos los sentidos. No sólo porque sus 3 horas y 54 minutos sean insufribles, sino porque los problemas que trajo el rodaje de la película-que se eternizó- y su fracaso en taquilla, hicieron que su autor cayese en desgracia, al dejar de confiar los grandes productores en él. De hecho, después de Cleopatra, sólo pudo dirigir tres películas más. Es decir, este filme, destruyó la carrera de Mankiewicz.

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El día de los tramposos (1.970).

Entre finales de los 60 y la primera mitad de los 70, existió la efímera moda del western cómico o la comedia-western. Lo cierto, que salvando esa obra maestra que es La balada de Cable Hogue (Sam Peckimpah,1.970), el resto de películas que se adentraron en ese subgénero, solieron hacerlo con resultados desoladores. Una buena prueba de ello, es este filme, que pretende ser divertido, y resulta ser un tostón. Aguanté una hora exacta, y después, la quité. Sé que un buen cinéfilo debe aguantar hasta el final, pero el sacrificio humano tiene un límite y yo, ya no podía más.

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La huella (1.972).

Un espectacular desafío, como es adaptar una obra de teatro con tan sólo dos actores, y conseguir una gran película. Y Mankiewicz salió más que airoso, logrando un magnífico filme, que se encuentra entre lo mejor de su obra. Diálogos formidables y una penetración psicológica de primera. Desgraciadamente, la industria ya no confiaba en él, y ese mismo año, tuvo que abandonar el cine antes de que le echasen, a los 63 años, edad muy temprana para jubilarse, teniendo en cuenta que la mayoría de los directores siguen trabajando hasta que se mueren o hasta edad muy avanzada.

Otras películas de Joseph L.Mankiewicz:

  • Carta a tres esposas (1.949)
  • Operación Cicerón  (1.952)
  • Ellos y ellas (1.955)
  • El americano impasible (1.958)
  • Mujeres en Venecia (1.966)

 

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Joseph L. Mankiewicz.

 
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Publicado por en junio 3, 2018 en Cine

 

3 Películas que recomiendo a cualquier buen cinéfilo. Una mujer bajo la influencia (John Cassavetes,1.974), Depredador (John McTiernan,1.987) y Detroit (Kathryn Bigelow,2.017).

De entre todas las películas que veo a lo largo de una temporada, siempre hay algunas que considero más interesantes que otras. Y sobre todo, más dignas de recomendar a la gente. He escogido tres películas que me han parecido valiosas por distintos motivos.

La primera es Una mujer bajo la influencia, dirigida por John Cassavetes en 1.974 y que aborda el tema de la enfermedad mental. Este es un asunto interesante que no ha sido demasiado tratado en el cine. La enfermedad mental supone un estigma social muy grave en la sociedad occidental y es una rémora para la persona que la padece así como para los familiares y amigos de esta. Los seres queridos no sólo se ven obligados a bregar con una enfermedad que mina progresivamente a quién la padece, sino que sus propias vidas se resienten o deterioran por los inmensos sacrificios que esto implica. Por si esto fuera poco, también se ven enfrentados a la incomprensión social de la gente. Pues la sociedad suele ser bastante ignorante con respecto a las enfermedades mentales, y además en sus comentarios acerca de estas suelen demostrar ignorancia y prejuicios. Todo esto es todavía más grave, cuando la persona que sufre la enfermedad mental es alguien de mediana edad, casada y con hijos pequeños a su cargo. De todo esto habla esta película. Como pueden suponer por el argumento, la película es bastante dura. De hecho, hay momentos muy enervantes, como la escena en que el marido y padre de familia invita a comer a todos sus compañeros de trabajo en casa, y en compañía de su desequilibrada esposa. No es desde luego, un filme fácil de ver, pero es un filme necesario, porque temas como la enfermedad mental han de ser tocados. La película es en todo momento real como la vida misma. Las interpretaciones de la pareja protagonista-Gena Rowlands y Peter Falk– son insuperables. Y podemos contemplar todos los conflictos que se desatan en el interior del hogar. Un hogar por el que vemos desfilar a un montón de personajes, en general desagradables y cantidad de situaciones tensas que en nuestra vida real desearíamos evitar. Vemos como los padres pueden ser tan inmaduros o irresponsables como los niños bajo su cuidado y nos percatamos de que ni la familia ni mucho menos la sociedad son un lugar seguro donde refugiarse cuando arrecian los problemas.

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La segunda película es Depredador, dirigida por el tan eficaz como infravalorado John McTiernan. Fue un gran éxito en su momento y tengo que decir que de las películas de acción de los 80 es de las que mejor ha envejecido. No resulta rancia ni patriotera ni casposa.  De hecho, Depredador supone una muy acertada combinación de géneros-ciencia-ficción, acción-aventuras, suspense- sin llegar a establecerse claramente en ninguno de ellos. En cierto modo, es como si asistiésemos a tres películas sucesivas en una. Primero, una película de acción donde el equipo protagonista va a cumplir una misión. Segundo, el enfrentamiento entre los protagonistas y el alienígena. Tercero, la parte final. En esta última, que es para mí, la más conseguida del filme y la que hace subir mucho la nota global al filme, hay por un lado , ecos muy evidentes de Apocalipsis Now, y por otro, un toque de western, si bien transplantado a la ciencia-ficción.

La película está muy bien llevada, pues el ritmo es estupendo, y salvando algún heroico comportamiento que no resulta muy creíble, todo funciona muy bien. Incluso,después de terminado el visionado del filme, a uno le queda cierta inquietud, preguntándose si un enemigo tan poderoso e inteligente como el Predator podría llegar a existir., y si existiera, los humanos estaríamos en condiciones de hacerle frente con éxito. Si uno lo piensa bien, Alien (Ridley Scott,1.979), La cosa (John Carpenter,1.982) y la que nos ocupa, son en el fondo, la misma película. Tratan de lo mismo, de como podemos ser aniquilados por una fuerza superior de la que no conocíamos su existencia, y de nuestro pavor a ella, por ese motivo. En resumen, una pesadilla hecha realidad para los humanos.

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La tercera es Detroit, una de las películas más polémicas del pasado año. Es un contundente retrato de los disturbios raciales ocurridos en el verano de 1.967 en la ciudad estadounidense. Ciudad que a partir de entonces iniciaría un imparable declive que la ha llevado a día de hoy a ser una ciudad fantasma. La película es muy tensa y muestra por un lado la irresponsabilidad de ciertos sujetos de la comunidad afroamericana y por otro el odio supremacista de un amplio número de los integrantes de la policía.Y como esa situación deriva en un climax de abuso de poder, crueldad y homicidios. Es una película valiente porque va de cara. Habla de un modo muy crudo sobre algunas de las cuestiones más incómodas de la historia reciente estadounidense y muestra taras sociales que todavía existen-situación de exclusión socio-laboral de los negros, policía racista y abusona, jóvenes negros inmaduros, temerarios y violentos, ignorancia del resto de la sociedad acerca de estos problemas- taras que siguen enquistadas a día de hoy. Su directora, la poco prolífica y algo irregular Kathryn Bigelow, ha acertado de pleno en esta ocasión. Uno de los mayores aciertos del filme ha sido contar con actores completamente desconocidos para dotar de mayor verosimilitud al relato, pues hablamos de una cinta basada en hechos reales. Si hubiese contado con caras famosas, el filme habría parecido más descafeinado. Los que no la vieran el año pasado, que no se la pierdan ahora en DVD o Bluray. Les aseguro que como a mí, a ellos también les mantendrá en vilo.

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Publicado por en junio 2, 2018 en Cine

 

Martin Scorsese (1.942). El director que mejor ha sabido mostrar la relación entre violencia y codicia.

Como no podía ser de otro modo un maestro como Martin Scorsese tenía que tener su lugar en el apartado de cine de este blog. Y hoy ha llegado la hora de hablar de él.

Descubrí el cine de Martin Scorsese a los 15 años viendo Malas calles (1.973). Era una de sus primeras películas y el ambiente de amiguetes ganstercillos de poca monta que transmitía el filme me fascinó desde el primer momento. También me fascinó la interpretación de Harvey Keitel, que desde aquel momento se convirtió en uno de mis actores favoritos. El visionado de Malas calles me dejó traspuesto, noqueado, y sobre todo tremendamente interesado en descubrir  la obra de ese director, que con tan sólo 31 años había conseguido realizar un filme tan impactante y absorbente. Entonces empecé a devorar todas las películas del tandem Scorsese-De Niro. Llegué a obsesionarme con el cine de Scorsese, y a su lado , las películas comerciales de acción o comedias que el gran público disfrutaba me resultaban insulsas y vacías. Después de descubrir a un cineasta así, ya no puedes volver a conformarte con minucias.

Eso no quiere decir que todas las películas del cineasta neoyorkino sean perfectas. Por ejemplo, New York, New York (1.977) me resultó insufrible. Quizás el drama romántico con tono musical era algo para lo que Scorsese no estaba preparado. ¡Jo,que noche¡ (1.985) no pasa de ser una comedia entretenida. Kundun (1.997), bipoic, claramente laudatorio sobre el Dalai Lama no me convenció. Si bien es cierto, que superada la primera y tediosa media hora, la película toma impulso y se hace amena, es sin duda un panfleto que hace apología de un personaje bastante discutible. Además, resulta una obra bastante impersonal donde cuesta reconocer el estilo de su autor.Tampoco me dejó buen sabor de boca Gangs of New York (2.002), película que consideró, utiliza la violencia de un modo abusivo e incluso gratuito. Resulta efectista y sobre todo, es ahistórica. Pretende vendernos como hechos históricos la historia de unas bandas que nunca existieron. Además, el personaje de Bill The Buchter, el villano interpretado por Daniel Day-Lewis no tiene ni pies ni cabeza, no se sabe de donde ha salido ni a donde va,etc. ¿Y qué decir de esa larga y en ocasiones aburrida cinta titulada El aviador (2.004), donde tampoco hallábamos ni rastro del sello personal de su autor, y que no aportaba nada al conjunto de su obra?. Y en cuanto a La invención de Hugo (2.011), si bien no puedo negarle la inmensa imaginación y originalidad del filme y que está muy bien en general, no puedo llegar a considerarla una de sus obras cumbre.

También es cierto que cuando dejó de hacer películas con Robert De Niro, y comenzó a hacerlas con Leonardo Dí Caprio me sentí bastante desconcertado. Incluso me lo tomé un poco a mal, pues entonces Dí Caprio no había alcanzado el prestigio actoral del que disfruta hoy y yo lo veía como uno más de esa lista de guaperas que disfrutan de una serie de buenas oportunidades profesionales que en el fondo no se merecen. Con los años y tras darle una oportunidad a esa nueva etapa profesional de Scorsese, he acabado reconociendo el talento que hay en algunas de las películas del tandem Scorsese-Di Caprio. Hay que reconocer que Infiltrados (2.006) es una obra maestra. Una película inmejorable que está entre las grandes cimas artísticas de Scorsese y una de las mejores películas de la pasada década. Shutter Island (2.010), vista con calma y con mucha concentración es una película con grandes logros y bastante original dentro de la filmografía de su autor. Ahora bien, es indiscutible que en ocasiones es algo efectista y tramposa, en cuanto a las escenas truculentas se refiere. Y El lobo de Wall Street (2.013) sin llegar a estar entre las obras maestras de su autor, es tan amena y divertida, está tan bien llevada todo el tiempo, que a pesar de su larga duración (2 horas 40 minutos) no sólo no se hace larga, sino que no se cansa uno de verla y resulta divertidísima. Lo que me he podido reír con ciertas escenas como la de los ludds y el teléfono que se disputan los personajes de Leonardo Dí Caprio y Jonah Hill.

Es verdad que ha sido muy desconcertante el cambio de rumbo y de estilo de Scorsese al pasar de hacer películas con De Niro del estilo de Taxi Driver (1.976) o Casino (1.995) a hacer películas con Dí Caprio del estilo de El aviador o El lobo de Wall Street. Pero lo cierto es que haciendo un balance global de su obra, este sale tremendamente positivo.

El ciclo de películas Scorsese-De Niro mostraba a una parte de la sociedad que se encontraba atrapada entre la insatisfacción, la violencia y la codicia. Y es que creo que nadie ha sabido plasmar en la pantalla  esa relación entre violencia y codicia como Scorsese. Nos mostraba a una parte de Norteamérica que vivía (y vive) en un submundo de violencia, mezquindad y deseos de riqueza sin límites (Uno de los nuestros, Casino). O bien nos mostraba la triste vida-también acompañada de violencia- de marginados o perdedores, seres solitarios que nunca encontrarán la felicidad (Taxi Driver, Toro salvaje). De ese ciclo creo que alcanzaban la categoría de obra maestra Taxi Driver, Toro Salvaje y Casino. Malas calles era muy buena, pero su autor todavía estaba un poco verde, y a la película todavía le faltaba algo para ser perfecta. Uno de los nuestros, parecía que iba  ser perfecta, pero en su parte final se hace un poco pesada. A Malas calles y Uno de los nuestros les pongo 4 estrellas a cada una. Luego está El rey de la comedia (1.983), una comedia negra y cruel, con Robert de Niro empeñado en secuestrar a Jerry Lewis (quién se interpreta a sí mismo). Es tan original  y tan cruelmente divertida que se la recomiendo a todo el mundo. En una categoría algo inferior situo El cabo del miedo (1.991), remake de un thriller de suspense de los 60, y bastante superior a aquél. Tiene una perfecta atmósfera de suspense e incluso de terror y llega a hacértelo pasar realmente mal en algunos momentos. Pero no deja de ser una obra menor dentro de su filmografía, pues no es comparable con otras de las anteriormente citadas. Y por último, la peor con diferencia para mi gusto, es New York New York, que es una aburrida y demasiado larga historia de amor para el lucimiento de la fea y exagerada Liza Minnelli.

Su primer filme Who`s that knocking at my door? (1.969) enlazaba tanto en el tipo de historia como en lo estético con el neorrealismo italiano. Es un filme que se ve con mucho agrado, pues estás asistiendo al debut de Scorsese como director y de Harvey Keitel como actor y la historia está bien contada.

Su segundo filme, El tren de Bertha (1.972), nos contaba las andanzas de dos personajes pícaros y aventureros durante la Gran Depresión con cierta amenidad.

En Alicia ya no vive aquí (1.974) nos mostraba los esfuerzos de una mujer trabajadora para salir adelante y para cuidar de su insufrible hijo y contaba con una magistral interpretación de Ellen Busrtyn. Es un filme muy estimable que conviene volver a ver de vez en cuando.

También tuvo tiempo para en un espectacular giro en su carrera, regalarnos el retrato más sorprendente y humano de Jesucristo que se halla visto en la historia del cine, con La última tentación de Cristo (1.988). Obra mucho más filosófica que religiosa, fue muy incomprendida en su momento, e incluso sufrió ataques y amenazas por parte de los integristas cristianos-sobre todo católicos- y llegó a estar prohibida durante muchos años en países tan conservadores como Chile. No es un filme fácil de ver, pero si te consigues meter del todo en él, resulta fascinante.

En otro giro sorprendente, nos contó una historia de amor en La edad de la inocencia (1.993), un cuidadísimo filme de época que por su estilo y su perfecto acabado en cuanto a ambientación y vestuario, parecía realizado por Luchino Visconti. Es una de sus obras maestras y es una lástima que esta joya siga siendo tan poco conocida por el público en España.

Pero probablemente su obra más original-y arriesgada- sea Al límite (1.999), un auténtico descenso a los infiernos a través de las horrorosas noches que tiene que vivir un camillero interpretado por Nicolas Cage. Es una película imposible de olvidar, impactante y realmente buena. Es posiblemente su película menos conocida, pero es genial.

Y me queda por ver el que de momento es su último filme, Silencio (2.016), sobre unos jesuitas portugueses en el Japón del siglo XVII. Habrá que verla y comentarla.

 

 

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Who`s that knocking at my door (1.969).

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El tren de Bertha (1.972).

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Malas calles (1.973).

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Alicia ya no vive aquí (1.974).

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Taxi Driver (1.976).

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Toro salvaje (1.980).

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El rey de la comedia (1.983).

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La última tentación de Cristo (1.988).

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Uno de los nuestros (1.990).

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La edad de la inocencia (1.993).

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Casino (1.995).

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Al límite (1.999).

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Infiltrados (2.006).

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El lobo de Wall Street (2.013). 

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Martin Scorsese (New York,1.942).

 
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Publicado por en mayo 6, 2018 en Cine