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Martin Scorsese (1.942). El director que mejor ha sabido mostrar la relación entre violencia y codicia.

Como no podía ser de otro modo un maestro como Martin Scorsese tenía que tener su lugar en el apartado de cine de este blog. Y hoy ha llegado la hora de hablar de él.

Descubrí el cine de Martin Scorsese a los 15 años viendo Malas calles (1.973). Era una de sus primeras películas y el ambiente de amiguetes ganstercillos de poca monta que transmitía el filme me fascinó desde el primer momento. También me fascinó la interpretación de Harvey Keitel, que desde aquel momento se convirtió en uno de mis actores favoritos. El visionado de Malas calles me dejó traspuesto, noqueado, y sobre todo tremendamente interesado en descubrir  la obra de ese director, que con tan sólo 31 años había conseguido realizar un filme tan impactante y absorbente. Entonces empecé a devorar todas las películas del tandem Scorsese-De Niro. Llegué a obsesionarme con el cine de Scorsese, y a su lado , las películas comerciales de acción o comedias que el gran público disfrutaba me resultaban insulsas y vacías. Después de descubrir a un cineasta así, ya no puedes volver a conformarte con minucias.

Eso no quiere decir que todas las películas del cineasta neoyorkino sean perfectas. Por ejemplo, New York, New York (1.977) me resultó insufrible. Quizás el drama romántico con tono musical era algo para lo que Scorsese no estaba preparado. ¡Jo,que noche¡ (1.985) no pasa de ser una comedia entretenida. Kundun (1.997), bipoic, claramente laudatorio sobre el Dalai Lama no me convenció. Si bien es cierto, que superada la primera y tediosa media hora, la película toma impulso y se hace amena, es sin duda un panfleto que hace apología de un personaje bastante discutible. Además, resulta una obra bastante impersonal donde cuesta reconocer el estilo de su autor.Tampoco me dejó buen sabor de boca Gangs of New York (2.002), película que consideró, utiliza la violencia de un modo abusivo e incluso gratuito. Resulta efectista y sobre todo, es ahistórica. Pretende vendernos como hechos históricos la historia de unas bandas que nunca existieron. Además, el personaje de Bill The Buchter, el villano interpretado por Daniel Day-Lewis no tiene ni pies ni cabeza, no se sabe de donde ha salido ni a donde va,etc. ¿Y qué decir de esa larga y en ocasiones aburrida cinta titulada El aviador (2.004), donde tampoco hallábamos ni rastro del sello personal de su autor, y que no aportaba nada al conjunto de su obra?. Y en cuanto a La invención de Hugo (2.011), si bien no puedo negarle la inmensa imaginación y originalidad del filme y que está muy bien en general, no puedo llegar a considerarla una de sus obras cumbre.

También es cierto que cuando dejó de hacer películas con Robert De Niro, y comenzó a hacerlas con Leonardo Dí Caprio me sentí bastante desconcertado. Incluso me lo tomé un poco a mal, pues entonces Dí Caprio no había alcanzado el prestigio actoral del que disfruta hoy y yo lo veía como uno más de esa lista de guaperas que disfrutan de una serie de buenas oportunidades profesionales que en el fondo no se merecen. Con los años y tras darle una oportunidad a esa nueva etapa profesional de Scorsese, he acabado reconociendo el talento que hay en algunas de las películas del tandem Scorsese-Di Caprio. Hay que reconocer que Infiltrados (2.006) es una obra maestra. Una película inmejorable que está entre las grandes cimas artísticas de Scorsese y una de las mejores películas de la pasada década. Shutter Island (2.010), vista con calma y con mucha concentración es una película con grandes logros y bastante original dentro de la filmografía de su autor. Ahora bien, es indiscutible que en ocasiones es algo efectista y tramposa, en cuanto a las escenas truculentas se refiere. Y El lobo de Wall Street (2.013) sin llegar a estar entre las obras maestras de su autor, es tan amena y divertida, está tan bien llevada todo el tiempo, que a pesar de su larga duración (2 horas 40 minutos) no sólo no se hace larga, sino que no se cansa uno de verla y resulta divertidísima. Lo que me he podido reír con ciertas escenas como la de los ludds y el teléfono que se disputan los personajes de Leonardo Dí Caprio y Jonah Hill.

Es verdad que ha sido muy desconcertante el cambio de rumbo y de estilo de Scorsese al pasar de hacer películas con De Niro del estilo de Taxi Driver (1.976) o Casino (1.995) a hacer películas con Dí Caprio del estilo de El aviador o El lobo de Wall Street. Pero lo cierto es que haciendo un balance global de su obra, este sale tremendamente positivo.

El ciclo de películas Scorsese-De Niro mostraba a una parte de la sociedad que se encontraba atrapada entre la insatisfacción, la violencia y la codicia. Y es que creo que nadie ha sabido plasmar en la pantalla  esa relación entre violencia y codicia como Scorsese. Nos mostraba a una parte de Norteamérica que vivía (y vive) en un submundo de violencia, mezquindad y deseos de riqueza sin límites (Uno de los nuestros, Casino). O bien nos mostraba la triste vida-también acompañada de violencia- de marginados o perdedores, seres solitarios que nunca encontrarán la felicidad (Taxi Driver, Toro salvaje). De ese ciclo creo que alcanzaban la categoría de obra maestra Taxi Driver, Toro Salvaje y Casino. Malas calles era muy buena, pero su autor todavía estaba un poco verde, y a la película todavía le faltaba algo para ser perfecta. Uno de los nuestros, parecía que iba  ser perfecta, pero en su parte final se hace un poco pesada. A Malas calles y Uno de los nuestros les pongo 4 estrellas a cada una. Luego está El rey de la comedia (1.983), una comedia negra y cruel, con Robert de Niro empeñado en secuestrar a Jerry Lewis (quién se interpreta a sí mismo). Es tan original  y tan cruelmente divertida que se la recomiendo a todo el mundo. En una categoría algo inferior situo El cabo del miedo (1.991), remake de un thriller de suspense de los 60, y bastante superior a aquél. Tiene una perfecta atmósfera de suspense e incluso de terror y llega a hacértelo pasar realmente mal en algunos momentos. Pero no deja de ser una obra menor dentro de su filmografía, pues no es comparable con otras de las anteriormente citadas. Y por último, la peor con diferencia para mi gusto, es New York New York, que es una aburrida y demasiado larga historia de amor para el lucimiento de la fea y exagerada Liza Minnelli.

Su primer filme Who`s that knocking at my door? (1.969) enlazaba tanto en el tipo de historia como en lo estético con el neorrealismo italiano. Es un filme que se ve con mucho agrado, pues estás asistiendo al debut de Scorsese como director y de Harvey Keitel como actor y la historia está bien contada.

Su segundo filme, El tren de Bertha (1.972), nos contaba las andanzas de dos personajes pícaros y aventureros durante la Gran Depresión con cierta amenidad.

En Alicia ya no vive aquí (1.974) nos mostraba los esfuerzos de una mujer trabajadora para salir adelante y para cuidar de su insufrible hijo y contaba con una magistral interpretación de Ellen Busrtyn. Es un filme muy estimable que conviene volver a ver de vez en cuando.

También tuvo tiempo para en un espectacular giro en su carrera, regalarnos el retrato más sorprendente y humano de Jesucristo que se halla visto en la historia del cine, con La última tentación de Cristo (1.988). Obra mucho más filosófica que religiosa, fue muy incomprendida en su momento, e incluso sufrió ataques y amenazas por parte de los integristas cristianos-sobre todo católicos- y llegó a estar prohibida durante muchos años en países tan conservadores como Chile. No es un filme fácil de ver, pero si te consigues meter del todo en él, resulta fascinante.

En otro giro sorprendente, nos contó una historia de amor en La edad de la inocencia (1.993), un cuidadísimo filme de época que por su estilo y su perfecto acabado en cuanto a ambientación y vestuario, parecía realizado por Luchino Visconti. Es una de sus obras maestras y es una lástima que esta joya siga siendo tan poco conocida por el público en España.

Pero probablemente su obra más original-y arriesgada- sea Al límite (1.999), un auténtico descenso a los infiernos a través de las horrorosas noches que tiene que vivir un camillero interpretado por Nicolas Cage. Es una película imposible de olvidar, impactante y realmente buena. Es posiblemente su película menos conocida, pero es genial.

Y me queda por ver el que de momento es su último filme, Silencio (2.016), sobre unos jesuitas portugueses en el Japón del siglo XVII. Habrá que verla y comentarla.

 

 

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Who`s that knocking at my door (1.969).

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El tren de Bertha (1.972).

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Malas calles (1.973).

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Alicia ya no vive aquí (1.974).

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Taxi Driver (1.976).

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Toro salvaje (1.980).

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El rey de la comedia (1.983).

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La última tentación de Cristo (1.988).

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Uno de los nuestros (1.990).

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La edad de la inocencia (1.993).

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Casino (1.995).

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Al límite (1.999).

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Infiltrados (2.006).

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El lobo de Wall Street (2.013). 

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Martin Scorsese (New York,1.942).

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Publicado por en mayo 6, 2018 en Cine

 

Brian de Palma (1.940). Uno de los directores más atrayentes de los 70 y 80.

Brian de Palma tuvo su momento de gloria en las décadas de 1.970 y 1.980. cuando se convirtió en uno de los directores con trayectoria más interesante de su generación. Desgraciadamente, desde comienzos de los 90, su obra ha perdido interés para mí, y ya no detecto rasgos personales en los filmes que viene realizando desde entonces. No digo que todo lo que haya realizado en los últimos 25 años sea de mala calidad, pero sus guiones y propuestas no me resultan atractivas como entonces, y cuesta reconocer su personalidad en obras fallidas como Snake`s eye (1.998) o Femme Fatale,(2.003) o incluso en la acertada, pero impersonal Misión Imposible (1.996).. El propósito de este post es precisamente reivindicar su mejor etapa, aquella donde hizo sus mejores películas, aquellas por las que los aficionados le recordaremos siempre.

A Brian de Palma se le consideró en su momento ni más ni menos que el sucesor natural de Alfred Hitchcok. Lo cierto es que aunque De Palma ha mostrado en una etapa determinada un modo de enfocar las historias de suspense de un modo muy similar a las del genio británico, sus estilos son muy diferentes. Eso se debe a varios factores, entre ellos el generacional-De Palma nació 41 años después que Don Alfredo- y se crió en Estados Unidos, en un contexto muy diferente y conoció realidades muy distintas.  Además, el hecho de que se le considerase su sucesor, se convirtió a veces en un arma de doble filo, pues las expectativas puestas en la calidad de sus filmes eran altísimas. Y lo cierto es que en algunos  filmes como en Hermanas (1.972) o en Fascinación (1.975), el hecho de  homenajear a Hitchcok o el tratar de asemejarse a él en ciertas escenas, se hacía con eficacia y acierto.

En cambio, en otros filmes como Vestida para matar (1.980) (donde De Palma vuelve a tocar el tema de la doble personalidad ya tratado en Hermanas), la aproximación hitchkoniana resulta forzada, exagerada y algo chapucera. Lo mismo cabe decir de la todavía peor Doble cuerpo (1.984). Si en Vestida para matar, su autor pretendía homenajear a Psicosis (1.960), y en algún momento, diría que también a Vértigo, en Doble cuerpo, está clarísima la similitud con La ventana indiscreta (1.954). Pero, el problema de Doble cuerpo  residía en que era una historia mal planteada, desarrollada y resuelta. Esto se debía a que el asesinato no se produce hasta el minuto 60,  y los dos protagonistas descubren la identidad del asesino en el minuto 85, con lo cual no sólo has demorado el hecho esencial de la película una maldita hora, sino que él nudo de la narración sólo se ha mantenido durante 25 minutos, y claro, los 25 minutos restantes, ya se siguen con no demasiado interés. Si a eso le añadimos alguna escena de sexo innecesaria, como la del polvo frustrado- comenzado y luego abortado en un túnel junto a la playa, rodado además a cámara lenta en un estilo próximo al de la saga Emmanuelle- el resultado es bastante frustrante.

Otro caso de filme fallido en su filmografía fue La furia (1.977), thriller sobre un chico con poderes sobrenaturales que es secuestrado por agentes gubernamentales para experimentar con él, y al que trata de rescatar su padre, interpretado por el mítico actor Kirk Douglas.. Las escenas de poderes telequinésicos resultan ridículas, y no digamos ya la escena final, tan sangrienta como efectista.Y como en las otras dos peliculas, De Palma se recreaba en la cámara lenta en ciertos momentos, como en la persecución al personaje femenino principal, resultando de nuevo exasperante. Está claro que La furia, Vestida para matar y Doble cuerpo han envejecido muy mal

Afortunadamente, son más los filmes de De Palma que me han convencido que los que no, y eso justifica que el autor de New Jersey tenga una entrada en este blog. Porque hay que reconocer que cuando evita ciertos efectismos como los de la cámara lenta o introducirse en temáticas poco adecuadas a su estilo, Brian de Palma consigue unos resultado globales muy notables.  Considero que su películas más personales y donde mejor se puede atisbar su propio universo son Hermanas, El fantasma del Paraíso, Fascinación e Impacto.

Hermanas era un sugestivo thriller que se acercaba al tema de la doble personalidad.La historia era muy inquietante y te mantenía en tensión..

El fantasma del Paraíso es una novedosísima aproximación al Fantasma de la Ópera, transcurriendo la historia en el mundo de las discográficas y las discotecas de los 70.

En Fascinación, nos encontramos con una historia similar en ciertos aspectos a Vértigo (Alfred Hitchcok,1.958), pues nos cuenta la historia de un hombre que conoce a una mujer que es el vivo retrato de su fallecida esposa. Película muy original y personal que es probablemente la más compleja de la filmografía de De Palma.

Impacto es un excelente policíaco donde un técnico de sonidos para películas es testigo por casualidad de un accidente, tras el cual descubrirá toda una trama de intrigas.

Desgraciadamente, estas cuatro películas también son las más desconocidas. Animo a todo el que quiera iniciarse en la obra de este director a que comience por esas películas.

También me parece acertada Carrie (1.976), pues dentro de las adaptaciones de novelas de Stephen King, está es de las buenas -recordemos que entre las adaptaciones del escritor de Maine hay bodrios intragables como El misterio de Salem`s Lot , Los chicos del maíz u Ojos de fuego- y su director conseguía crear una atmósfera cruel y claustrófobica.

Consiguió en diez años realizar tres de las mejores películas sobre la Mafia, Scarface/El precio del poder (1.983)-aproximación al mundo de la mafia cubana de Estados Unidos-, Los intocables de Eliott Ness (1.987) y Carlito`s Way (1.993) (aquí titulada Atrapado por su pasado). Son tres películas magistralmente realizadas y con un acabado impecable y unas escenas de acción de una tensión inigualable. La escena de la sierra mecánica en la primera, la del tiroteo en las escaleras de la estación de tren en la segunda y la persecución/huída de nuevo en una estación de tren en la parte final de la tercera, muestran a un maestro en todo su vigor creativo.

Incluso en una obra tan comercial y poco personal como Misión imposible-pues se trató de un encargo- De Palma volvió a mostrar un gran talento y sentido de la tensión para las escenas de acción. Y lo cierto es que se trata de un filme muy bien planteado y desarrollado, y sobre todo muy bien resuelto. Es cierto que hay que prestar muchísima atención, porque la trama es muy liosa, pero sin duda es un thriller con una calidad muy superior a la media en esta clase de productos. Destacar por último el magnífico reparto de Misión imposible, donde debemos señalar que De Palma consiguió resucitar la carrera de Jon Voight, que estaba claramente mortecina desde principios de los 80, y lo cierto es que gracias a la primera entrega de esta franquicia, Voight lleva más de dos décadas siendo uno de los secundarios más solicitados de Hollywood.

Un caso aparte es La hoguera de las vanidades (1.990), adaptación de la famosa novela de Tom Wolffe. Es una película correcta y entretenida, de esas que no restan, pero tampoco suman. Entretenida sin más. Destaca su estupendo reparto: Tom Hanks, Melanie Griffith, Bruce Willis, y en un pequeño papel (y calvo, por cierto), Morgan Freeman.

Espero que este post os haya sido de utilidad a quienes tengáis interés en la obra de este director tan irregular como fascinante.

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Hermanas (1.972).

 

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El fantasma del Paraíso (1.974).

 

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Fascinación (1.975).

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Carrie (1.976).

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Impacto (1.981).

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Scarface/El precio del poder (1.983).

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Los intocables de Eliot Ness (1.987).

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Carlito`s Way/Atrapado por su pasado (1.993).

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Misión imposible (1.996).

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Brian de Palma.

 
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Publicado por en abril 27, 2018 en Cine

 

Roger Corman (1.926). El rey de los bajos presupuestos, y un creador con una enorme imaginación que ha influido de manera notable en futuros importantes directores.

Roger Corman (Detroit, Michigan, 5 de abril de 1.926) es uno de los directores más imaginativos y geniales que ha habido. Y también uno de los más importantes en cuanto que su forma de hacer cine ha influido a directores que posteriormente han sido importantes. Al dar sus primeras oportunidades a directores como Francis Ford Coppola, Peter Bodganovich, Martin Scorsese, Jonathan Demme, Ron Howard, Joe Dante o James Cameron y actores como Jack Nicholson, Bruce Dern, Peter Fonda, Dennis Hopper y Robert de Niro, está claro que la importancia de Corman se mide no sólo por la magnitud y calidad de su obra (que en sí es notable) sino también porque ha permitido que otros a quién ya él vislumbró talento se consolidasen y pasasen a formar parte del panorama cinematográfico.

A mí, personalmente siempre me ha encantado. De hecho, durante años fue mi director favorito. Aunque todas las películas suyas que he visto me han gustado, tengo especial predilección por el ciclo de adaptaciones de obras de Edgar Allan Poe. Son adaptaciones- bastante libres, por cierto-, de los relatos recogidos por Poe en Historias extraordinarias. Me encantan por lo conseguido de su atmósfera malsana, su ambientación gótica estupendamente cuidada y sus llamativos y acertados  tonos cromáticos. Estas historias están protagonizadas por el gran Vincent Price (1.911-1.993), uno de los más importantes y representativos actores que ha dado el género del terror.

Sin salir del género de terror, Corman dirigió en 1.963 El terror,  adaptación de una novela corta de otro autor clásico del terror, Arthur Machen (1863-1947), y en la que por primera vez, Jack Nicholson conseguía un papel protagonista, aquí compartido con un anciano Boris Karloff. Tampoco debemos olvidar sus dos colaboraciones con el actor británico Ray Milland (1.907-1986) : La obsesión (1961), enfermizo relato sobre un hombre obsesionado con la idea de ser enterrado vivo, y El hombre con rayos x en los ojos (1.963), una de las mejores y más originales películas de ciencia-ficción o cine fantástico que se hayan realizado, absolutamente brillante en planteamiento, desarrollo y desenlace (su final es uno de los mejores de la historia del cine).

Incluso en sus primeros títulos ya daba muestras de una genialidad y un vitalismo infrecuentes en una época (los años 50) donde el cine solía ceñirse a pautas muy marcadas. Y en esa época nos deleito con dos deliciosas comedias negras, Un cubo de sangre (1959), protagonizada por Dick Miller (1.928), quién luego se convertiría en secundario habitual de las películas de Joe Dante (1946), uno de los más aventajados discípulos de Corman, y La pequeña tienda de los horrores (1.960), divertida y surrealista historia que supuso el debut de Jack Nicholson en el cine interpretando a un peculiar paciente del dentista. En esas dos joyas ya se intuía el talento que Corman derrocharía en su obra posterior.

En 1.964 Corman realizó una brillante incursión en el género bélico con Secreta invasión, un filme que en muchos aspectos puede considerarse un precedente de la mítica Doce del patíbulo (Robert Aldrich,1.967). Rodada con su ya típicos presupuestos austeros, la película resultaba muy convincente y sobre todo muy dinámica, y nos contaba una historia de aventuras protagonizada por un comando de cinco delincuentes reclutados por un alto mando militar perteneciente al servicio secreto británico que deben realizar una misión suicida en la ciudad croata de Dubroknik en la II Guerra Mundial. Contó además con un gran reparto encabezado por Stewart Granger, Raf Vallone y Mickey Rooney.

Además, se atrevió a rodar una película sobre la cultura de las drogas, El viaje (1967), protagonizada por Dennis Hopper y Peter Fonda, quienes no por causalidad volverían a trabajar juntos dos años después protagonizando la mítica Easy Rider (1969), dirigida por el primero de ellos. El viaje fue la primera película que abordó el tema del LSD.

Por último, señalar en su filmografía una de las más emblemáticas películas de gansters de la historia del cine, La matanza del día de San Valentín (1.967), un estupendo filme basado en hechos reales, con el siempre inmejorable Jason Robards como Al Capone.

Desde 1.971 se dedica únicamente a la producción. Sólo volvió a dirigir en una ocasión; en 1.990 con La resurrección de Frankenstein, con John Hurt, Raúl Julía y Bridget Fonda. Esta película fue un completo fracaso comercial. De hecho, no la conocen, ni los frikis.

En 2.009, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar honorífico en reconocimiento a toda su carrera.

Como actor, Roger Corman aparece haciendo un cameo en El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1.991) interpretando al director del FBI, Hayden Burke.

 

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Un cubo de sangre (1.959).

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La pequeña tienda de los horrores (1.960).

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La caída de la casa Usher (1.960).

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El péndulo de la muerte (1.961).

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La obsesión (1.961)

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Historias de terror (1.962).

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El cuervo (1.963).

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El terror (1.963).

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El hombre con rayos x en los ojos (1.963).

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El palacio de los espíritus (1.963).

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La máscara de la muerte roja (1.964).

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La tumba de Ligeia (1.964).

Secreta invasión (1.964).

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El viaje (1.967).

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La matanza del día de San Valentín (1.967).

Otros títulos de Roger Corman:

La mujer del pantano/Swamp woman (1.955)

Yo fuí un cavernícola adolescente  (1958)

El intruso (1.962)

Los ángeles del infierno (1.966)

Mamá sangrienta (1.970).

El barón rojo (1.971).

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Roger Corman durante el rodaje de una de sus películas.

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Roger Corman fotografiado hace unos años.

 

 

 
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Publicado por en abril 26, 2018 en Cine

 

Los hombres libres de Jones (Gary Ross, 2.016) y Colonia (Florian Gallenberger, 2.015). Dos emocionantes películas en DVD/Bluray que no os podéis perder.

He podido disfrutar de dos magníficas películas,-ambas basadas en hechos reales-, que voy a recomendar a continuación.

La primera es Los hombres libres de Jones (Gary Ross, 2.016) y es por decirlo de alguna manera, un western social. Se basa en la historia de Newton Knight, un granjero,desertor del Ejército Confederado durante la Guerra Civil Norteamericana, que progresivamente fue formando y ampliando un ejército compuesto por desertores y esclavos huidos. Es una historia muy interesante que habla de un tema tan sistemáticamente ocultado en el cine de Hollywood como la lucha de clases. Vemos a una serie de personajes que huyendo de una situación que ellos no han escogido (ser reclutado para combatir en un guerra, en un caso, ser esclavo en otra), deciden escapar y refugiarse en los bosques y pantanos como un desesperado acto de dignidad, y conviviendo con otros que se encuentran en similar situación. El hecho de estar basada en hechos reales y dar protagonismo a personas que hasta ese momento habían sido parias o esclavos la emparenta con otras grandes películas de cariz histórico y tendentes hacia lo social, como Espartaco (Stanley Kubrick,1.960) o Novecento (Bernardo Bertolucci,1.975).

El filme está muy bien construido tanto en lo referente al guión,-con una historia que atrapa al espectador desde el primer minuto y que en ningún momento se hace pesada, a pesar de sus 140 minutos de duración-, como a su recreación histórica, a la que ayuda sin dudas una excelente fotografía e iluminación. Los hombres libres de Jones no se queda en un western más sino que como buen panfleto reivindicativo nos azuza para que reflexionemos sobre cuestiones como la dignidad humana, la injusticia de las leyes o como la victoria de un ejército sobre otro no cambia nada si la legislación contra la que  presuntamente se combatió sigue en pie o como que de nada te sirve tener la razón si el Estado y el Derecho vigentes te dan la espalda. También observamos la gran cantidad de partidarios que en el mundo tienen las doctrinas y leyes reaccionarias, y como estos -, aquí personificados por el KKK-, acuden prestos a socavar los menores signos de cambio social, para si es posible enterrarlos para siempre. En un mundo cada vez más sometido a capitalismos depredadores encarnados en mercados y empresas transnacionales, Knight y sus hombres cobran una relevancia notable y se nos hacen particularmente entrañables. Sabemos que en el fondo,a pesar de la diferencia de época, hay mucho de nosotros en ellos.

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La segunda película de la que me ocupo es Colonia (Florian Gallenberger,2.015), una producción alemana, muy valiente que nos muestra los horrores sucedidos en la Colonia Dignidad, una secta que funcionaba como un campo de concentración en Chile y que estaba dirigida por un antiguo miembro de las Juventudes Hitlerianas, Paul Schäfer (1.921-2.010). En el filme no sólo se aborda la complicidad del régimen militar chileno con la secta, sino también (y esto hace a la cinta muy valiente), la de la embajada de la República Federal Alemana con esta. Un caso más de los muchos de complicidad de Gobiernos democráticos con dictaduras de derechas y sectas totalitarias y aniquiladoras de la personalidad. La película mantiene en tensión al espectador hasta prácticamente el último minuto de la proyección. Es imposible no verse afectado por los terribles acontecimientos en que se ven involucrados los protagonistas y en todo momento deseas que las cosas acaben bien, aunque no tienes muy claro hasta que punto esto puede suceder. El elenco es un gran acierto, ya que el peso del filme corre a cargo de Daniel Brühl (Good bye Lenin, Salvador Puig Antich,Los edukadores), Emma Watson (la niña de Harry Potter, a quién recientemente vimos en Regresión, la última y sin duda, peor película de Amenabar) y el desgraciadamente recientemente fallecido  Michael Nyqvist (protagonista masculino de la trilogía Milennium y de películas como el Clavel negro).

En Colonia somos testigos de como se puede llegar a poner en juego la libertad y la propia vida por amor, hecho representado en la peligrosísima misión que emprende por su cuenta y riesgo nuestra protagonista femenina. También observamos como nuestro idealismo y lucha por lo que creemos justo puede hacer que acabemos torturados o asesinados de la manera más inhumana, con lo que aprendemos que la lucha por un mundo más humano siempre acarrea un precio altísmo que sólo una exigua minoría parece dispuesta a pagar. Y nos percatamos una vez más de como los poderosos del mundo se valdrán siempre de todos los instrumentos a su alcance,- sectas y dictaduras incluidas-, para torpedear y aniquilar los mínimos avances sociales que el pueblo consiga.

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Publicado por en marzo 24, 2018 en Cine

 

Diez años sin dos grandes del cine: Richard Widmark y Rafael Azcona. Una selección de las mejores películas de cada uno.

Hoy, 24 de marzo de 2.018 se cumplen diez años del fallecimiento de dos figuras imprescindibles de la Historia del Cine: el actor estadounidense Richard Widmark, a los 93 años, y el guionista español Rafael Azcona, a los 81. En este post hago una selección de las más destacadas películas de ambos, nombrándolas por orden cronológico.

Richard Widmark.

Fue sin duda una de las grandes estrellas del Hollywood clásico y también uno de los mejores actores de la Historia del Cine. Fue uno de los pocos actores de su generación que mostró una gran versatilidad en cuanto a los papeles que interpretó a lo largo de su carrera. De hecho, trabajó en películas muy diferentes entre sí, predominando los westerns y los policíacos. Resultaba tan imponente y convincente de bueno como de malo, algo que muy pocos actores han conseguido después (uno de ellos sería Ed Harris, al que algunos no por causalidad ven como su sucesor). Lo único que le faltó en su filmografía fueron comedias, pero teniendo en cuenta el encasillamiento por géneros tan brutal que siempre hubo en Hollywood y más en aquella época, esto puede considerarse normal. Sus interpretaciones muestran un trabajo actoral grandioso, y sobre todo llama la atención la facilidad con que cambiaba de un estado facial a otro, la gran cantidad de expresiones que podía llegar a mostrar a lo largo de una película. Y todo ello sin caer en el histrionismo o la teatralidad. Siempre con la mayor naturalidad y resultando enormemente convincente en todo momento. A pocos actores les he cogido tanto cariño con los años como a él.

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El beso de la muerte (Henry Hataway,1.947).

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Noche en la ciudad (Juless Dassin, 1.950).

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Pickpocket on south park/Manos peligrosas (Samuel Fuller,1.954).

Lanza rota (Edward Dimitryk,1.954).

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La tela de araña (Vincent Minnelli,1.955).

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The last wagon/La ley del talión(Delmer Daves,1.956). Conocida popularmente como Comanche Todd.

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Warlock/El hombre de las pistolas de oro (Edward Dimitryk,1.959).

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El Álamo (John Wayne.1.960).

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¿Vencedores o vencidos? (Stanley Kramer,1.961).

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Dos cabalgan juntos (John Ford,1.961).

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The Cheyenne Autumn/El gran combate (John Ford,1.964).

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The Bedford Incident/Estado de alarma (James B. Harris,1.965).

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Brigada homicida (Don Siegel,1.968).

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Asesinato en el Orient-Express (Sidney Lumet,1974).

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Coma (Michael Crichton,1.977).

En cuanto al genial guionista Rafael Azcona, he de decir que el cine español no sería lo que es, sin él. Supo dar humor, energía y genialidad a una cinematografía hasta entonces caracterizada por la mediocridad, la tontuna y la falta de variedad. Gran parte de las mejores películas de la historia del cine español fueron escritas por él. Su llegada al cine fue una bocanada de aire fresco, pues supo plasmar en sus historias aquella España de la escasez,las envidias y los cotilleos de una marea inigualable. Viendo las películas que escribió para Berlanga, Saura, Cuerda o Trueba, tiene uno la impresión de que a Azcona no se les escapaba ningún detalle de la realidad social española. Su cine supura momentos geniales por doquier y no recuerdo a nadie que le haya dado tantas pinceladas de humor acertado a los dramas de la vida cotidiana como Rafael Azcona.

Estas son sus mejores películas.

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El pisito (Marco Ferreri, 1.958).

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El cochecito (Marco Ferreri, 1.960).

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Plácido (Luis García Berlanga,1.961).

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El verdugo (Luis García Berlanga,1.963).

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Pepermint Frappé (Carlos Saura,1.967).

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El jardín de las delicias (Carlos Saura,1.970).

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Pim,pam,pum…¡fuego¡ (Pedro Olea,1.975).

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La escopeta nacional (Luis García Berlanga,1.977).

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La vaquilla (Luis García Berlanga,1.984).

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El año de las luces (Fernando Trueba,1.986)

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El bosque animado (José Luis Cuerda,1.987)

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¡Ay, Carmela¡ (Carlos Saura,1.990).

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Belle Epoque (Fernando Trueba,1.993).

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La lengua de las mariposas (José Luis Cuerda,1.999).

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Son de mar (Bigas Luna,2.001).

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Los girasoles ciegos (José Luis Cuerda,2.008).

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El guionista Rafael Azcona (1.926-2.008).

 
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Publicado por en marzo 24, 2018 en Cine

 

Most Beautiful Island (Ana Asensio,2.017). Una original y perturbadora historia que supone una de las rarezas más interesantes de los últimos tiempos.

Sin duda una de las más cintas más extrañas de los últimos tiempos es Most beautiful island, producción estadounidense de cine independiente dirigida y protagonizada por nuestra compatriota Ana Asensio. Es una historia profundamente desasosegadora, perturbadora,angustiosa,enervante, pues nos introduce a partir de un momento concreto en una atmósfera de pesadilla que tiene mucho de real, pues intuimos a poco que conozcamos como funciona el mundo, que situaciones como la que nos muestran existen en nuestro planeta. Conseguir verla entera sin crisparse los nervios es todo un reto, y en eso se demuestra la maestría de Ana Asensio, que no sólo demuestra ser una actriz de lo más convincente, sino que se revela como una conocedora de primer orden de los recursos del terror psicológico y de la tensión en el espectador.

Para ser una ópera prima, todo ello está conseguidísimo. De hecho, no parece la obra de una cineasta novel, sino de alguien con una amplia carrera a sus espaldas en la dirección o en la escritura de guiones. No revelaré el porque la historia es perturbadora o nos lo hace pasar mal, pues no quiero hacer spoiler. Quiero que la gente entre inmaculada al visionado del filme, para que así su experiencia sea más completa. Además, la cinta de Asensio no sólo es valiosa por su sentido de la tensión o por lo original de su planteamiento, sino también por abordar con valentía la historia diaria y cruel de aquellos que se encuentran en una situación social de extrema vulnerabilidad, oscilando entre la precariedad laboral y la exclusión social. Una realidad cruel donde vales más o menos en función de lo que cubra tu seguro médico. Eso suponiendo que puedas contratar alguno. Si no, directamente pasas a ser invisible. Se nos muestra como los numerosos integrantes del precariado o los económicamente  vulnerables tendrán siempre que limpiar la porquería de otros y cuidar a los niños de esos otros, soportando sus caprichos, rabietas  e imprudencias y arriesgándose a sufrir por si esto fuese poco, las iras de sus progenitores.Y servirán de cobayas para que los ricos puedan disfrutar de sus sádicos y morbosos entretenimientos, aunque se arriesguen la vida en ello. Porque si la pierden, nada habrá cambiado y será un hecho intrascendente. Y tienen que sufrir ese estrés diario y esa humillación consustancial a su situación socio-laboral, porque no están en posición de elegir nada.

Es decir, al mismo tiempo que se nos conduce a una historia  inquietante, se saben ajustar cuentas eficazmente con una realidad social que no lo es menos que el intrigante relato que nos ofrecen.

Most beautiful island obtuvo el Premio a la Mejor Película en el Festival SXSW , festival que se celebra en Austin (capital del Estado de Texas) y que es el tercer festival de cine  en importancia de Estados Unidos.

Hay que lamentar que su estreno en España se haya parecido tanto a un sabotaje, pues apenas se proyectó en un par de cines y ni siquiera durante dos semanas.  El resultado es que ha pasado totalmente desapercibida y nadie la conoce. Ahora mismo que yo sepa, sólo se puede ver en Movistar Plus.

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Publicado por en marzo 11, 2018 en Cine

 

Colossal (Nacho Vigalondo,2.016). Un prodigio de imaginación y genialidad de nuestro cineasta más controvertido.

Cuando hace ya más de una década acudí al cine a ver Los cronocrímenes (2.007), primer largometraje del cántabro Nacho Vigalondo, enseguida me dí cuenta de que estaba ante un genio, al que si le otorgaban medios y facilidades tendría un gran porvenir por delante. Desgraciadamente, en nuestro país, si tienes talento, es decir si eres imaginativo y te apartas de lo establecido, te marginan, sabotean y hunden. Mientras disfrutaba anonadado de la ópera prima de Vigalondo, pensaba no sólo en lo imaginativa que era, sino también en que resultaba muy adelantada en cuanto a estructura narrativa y en el hecho de aventurarse en un terreno tan poco abonado por el cine español como la ciencia-ficción. Desafortunadamente, mis peores temores se confirmaron y la película sólo fue estrenada en un cine de Madrid capital(el pequeño y ya desaparecido Azul, donde se enviaban las películas peligrosas o molestas para los grandes poderes, por ejemplo, Amén, de Costa-Gavras o Camino, de Fesser, ambas muy embarazosas para la Iglesia Católica y el Opus Dei, respectivamente) y duró apenas dos semanas en cartel. Eso sigue pasando hoy día. De hecho me ha pasado hace un par de semanas con Most Beatiful Island, producción estadounidense dirigida y protagonizada por la española Ana Asensio, que por ese mismo motivo, me he quedado sin ver.

Y pasaron los años, y Vigalondo siguió estrenando cortos y películas con más pena que gloria,-quizás porque aquí se castiga al que sobresale por su genialidad y brillantez- y yo, ya lejanos los días en que visione y me fascine con Los cronocrímenes, no me tomé la molestia de ver sus siguientes largometrajes: Extraterrestre (2.011) y Open windows (2014). Hasta que recientemente me enteré de que había rodado una película ni más ni menos que con Anne Hathaway, una de las más potentes estrellas femeninas del Hollywood actual y que trataba sobre un monstruo tipo Godzilla que asolaba una capital oriental. Entonces, me volvió a picar la curiosidad por el cine de Nacho Vigalondo.

Este sábado he podido disfrutar de nuevo de la imaginación desbocada del transgresor cántabro con Colossal (2016) y puedo afirmar que sale más que airoso del enorme reto que se había planteado a sí mismo: coger un guión tan absurdo argumentalmente como arriesgado a nivel de vendérselo a algún productor, y hacer una magnífica película y además, que la actriz a la que se lo ofrece, no sólo acepte entusiasmada protagonizarla, sino que sin pensárselo dos veces, se apunte a producirla. No sé que tal habrá funcionado en la taquilla estadounidense , pero seguro que ha sido un paso importantísimo en el currículum de su director.

Vigalondo nos mezcla la desastrosa vida de una treintañera desempleada  e incapaz de salir de la espiral del alcohol y su retorno a la pequeña localidad donde se crió, con una historia de un monstruo colosal como el propio título indica que sin duda suena a homenaje a las películas de monstruos japonesas de los 50 y 60, especialmente las de Godzilla. Estas dos líneas argumentales, aparentemente incompatibles, se conjugan a la perfección, y el resultado es una subyugante historia que atrapa al espectador desde el minuto uno,-sobre todo durante su primera hora-, y donde lo personal y social se entremezclan con lo fantástico y apocalíptico. Y de manera gradual,-con diversos flasbacks deliveradamente cortados e intercalados de manera muy espaciada a lo largo del filme-, se nos irá enseñando en  tres escenas, la causa de que tan disparatada historia se haya producido, acudiendo a un pasado situado hace varias décadas.

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Y al mismo tiempo que vemos gigantescos monstruos sembrando el terror entre millones de personas, asistimos a la radical transformación con tan sólo unas gotas de alcohol de una persona a la que creíamos insegura y tontorrona en un ser despótico, sádico y malnacido como pocos en uno de los giros de guión más rápidos y extremos que se hayan visto. Es decir, Vigalondo nos hace un recordatorio de como la maldad humana puede ser a su manera tan destructiva como el más gigantesco de los monstruos. Y  como el alcohol arruina las vidas de algunos personajes tanto como los monstruos colosales las calles por donde pisan. Es decir, pesadillas del mundo fantástico y del mundo real ,combinadas con una maestría sin igual.

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No se la pierdan, y recuerden mientras la disfrutan que ese campeonato de genialidad e imaginación es obra de un compatriota.Y mientras tanto ha renacido mi interés por Vigalondo así que en pocos días devoraré sus anteriores Extraterrestre y Open windows.

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Nacho Vigalondo (Cabezón de la Sal, 1.977).

 
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Publicado por en febrero 26, 2018 en Cine