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Noche en la ciudad (Jules Dassin, 1.950). Una ágil producción que nos muestra los entresijos del lumpen londinense.

Me ha encantado ver Noche en la ciudad, película del siempre interesante y ágil narrador Jules Dassin. Esta película nos muestra un mundo oculto y desconocido: el del lumpen londinense. Una gente que sale a delinquir cuando llega la noche. En él se dan cita toda clase de personajes marginales y de malhechores. Y solamente se puede sobrevivir y triunfar en ese mundo siendo uno de ellos, y actuando como ellos. El personaje principal, Harry Fabian, harto de fracasar en todo lo que emprende y de considerarse a sí mismo un perdedor, intentará salir adelante y enriquecerse dentro de ese mundo, siendo tan arribista, cínico y despreciable como el resto de fauna nocturna con la que se mueve. La arriesgada apuesta, para él, merece la pena, porque está convencido de que triunfará con facilidad. Ese es el punto de partida de este filme a medio camino entre el policíaco y el drama, donde se nos muestra a unos seres tan crueles como patéticos que deambulan por un sórdido universo del que se saben incapaces de escapar. La historia es ágil, nerviosa, dinámica, excitante. La acción y la tensión no decaen en ningún momento, al tiempo que somos testigos de un Londres sucio y corrompido que nunca aparecerá en las guías turísticas.

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La razón por la que la acción transcurre en Londres es que el director de la película, Jules Dassin (1.911-2.008), fue obligado a exiliarse en Europa por la caza de brujas emprendida por el Macartismo contra cualquier personalidad del mundo del cine del que se sospechase tuviese mentalidad liberal o progresista. Cualquier persona con esa orientación política era tachada de comunista, perseguida, encarcelada o se le impedía volver a trabajar en el cine. Pero, Dassin pudo sobreponerse y siguió rodando maravillas en Europa como la que nos ocupa, o como el policíaco Rififi (1.955) o la peculiar comedia Topkapi (1.964).

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En Noche en la ciudad, podemos notar un estilo expresionista, heredero de cineastas como Fritz Lang o Serge Eisenstein. Al tiempo que el filme recibió esas influencias,-muy marcadas en su tramo final-, también influyó en el estilo y ambientación de filmes posteriores, igualmente magistrales. Estoy pensando como ejemplo en Sed de mal (Orson Welles, 1.958).  La película es grandiosa en todos los aspectos y constituye la mejor prueba de que el buen cine, como los buenos vinos, no se estropea con el paso de los años, sino que resiste el paso del tiempo e incluso, mejora.

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Publicado por en abril 28, 2017 en Cine

 

Ha muerto Jonathan Demme, director de entre otras, El silencio de los corderos y Philadelhia. Una breve reseña de sus películas más destacadas.

Me acabó de enterar con gran sorpresa y cierta lástima del fallecimiento ayer del director de cine estadounidense Jonathan Demme (nacido en 1.944), a causa de un cáncer de esófago. Nunca fui un gran seguidor de su obra, pues la verdad es que he visto pocas películas suyas. Pero, al haber realizado obras tan relevantes como El silencio de los corderos, si considero obligado, escribir, aunque sea de manera breve sobre él y algunas de sus películas, las pocas que vi suyas. Creo que una de las cosas buenas de Demme fue que otorgó papeles de importancia a las mujeres en sus películas. Las protagonistas de sus películas son mujeres fuertes, valientes y decididas. Pocas veces he visto un director que ya en los años 80 entregara el peso de una película a una mujer en la forma en que lo hizo él. Hablo de una época, los 80, donde el feminismo no estaba muy de moda, como no lo estaba ninguna clase de igualitarismo, pues en el cine imperaban la comercialidad, los relatos de aventuras,- a menudo protagonizados por adolescentes-, y el patriotismo reaganiano. Cuando hablo de las heroínas de Demme me estoy refiriendo a los personajes principales de Algo salvaje (1.987), Casada con todos (1.988) y El silencio de los corderos (1.991). Son tres obras bastante sólidas y se cuentan entre las mejores interpretaciones de Melanie Griffith, Michelle Phfeiffer y Jodie Foster. Esto demuestra que Demme era también un gran director de actrices.

En su obra, incluso en las comedias no falta la violencia. Pero esta no es gratuita, pues siempre esta bien insertada en el guión. Posteriormente a estos tres brillantes títulos, realizó Philadelphia (1.993), filme que obtuvo un gran éxito y que contaba con una buena banda sonora, en la que colaboró el mismísimo Bruce Springteen. Pero que es una obra que no me gusta, pues me parece diseñada exclusivamente para manipular emocionalmente al espectador, cosa que me molesta especialmente. Además, si mal no recuerdo, Philadelphia plagiaba una escena de otra película rodada unos meses antes, Fresa y chocolate , de Tomás Gutiérrez Alea. Una escena en la que el homosexual protagonista llora de emoción al escuchar a María Callas. No niego que en su momento no fuese una película valiente por tocar los temas entonces tabúes de la homosexualidad y el VIH, pero a día de hoy con la evolución experimentada por la sociedad resulta un filme bienpensante e incluso ñoño. Hay que valorar positivamente, eso sí, la muy acertada interpretación de Tom Hanks, que por aquella época empezaba a demostrarnos que valía para algo más que para tontas comedias juveniles. Años después Demme realizó The manchurian candidate, remake de un filme del mismo título de John Frankenheimer, de 1.962. Sin llegar al carácter magistral del original, el filme le salió bastante bien, siendo uno de los pocos remakes dignos que he visto en los últimos años. Demme supo imprimirle a esta nueva versión su sello propio, actualizando el relato al orden actual post-guerra fría y sustituyendo a los comunistas por las multinacionales en el papel de villanos. Además, volvió a sacar muy buenas interpretaciones de sus actores y demostró que todavía se podían rodar thrillers con un guión inteligente y con fundamento, más allá de las escenas de acción espectaculares y los efectos especiales y digitales.

En fin, esta es mi pequeña aportación a lo que he visto de Jonathan Demme, que como veis, a diferencia de otros directores, es bastante limitado. He tratado de ser lo más riguroso posible al acercarme a la obra de un director con trabajos sólidos y de calidad, pero que quizás no tuvo la oportunidad de desarrollar una carrera tan brillante y regular como la de otros de su generación(Scorsese,Spielberg,Stone,etc) no pudiendo adquirir el prestigio y renombre de estos.

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Algo salvaje (1.987). Melanie Griffith y Jeff Daniels.

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Casada con todos (1.988). Mathew Modine y Michelle Phfeiffer.

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El silencio de los corderos (1.991). Jodie Foster y Anthony Hopkins.

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Philadelphia (1.993). Tom Hanks y Denzel Washington.

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The Manchurian Candidate (El mensajero del miedo, 2.004). Meryl Streep y Liev Schreiber.

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Jonathan Demme (1.944-2.017).

 
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Publicado por en abril 27, 2017 en Cine

 

Francis Ford Coppola (1.939). Un director con una filmografía de películas fascinantes y poco conocidas, más allá de la trilogía del Padrino y Apocalipsis Now.

Hace mucho que quería escribir sobre Francis Ford Coppola,(Detroit,1.939) uno de los mejores cineastas de lo que en su día se llamó el Nuevo Ho.llywood Siempre me pareció  uno de los directores más completos y sobresalientes, y creo que he visto todas sus películas. Por eso, creo llegado el momento de hablar de aquellas que más me han gustado o me han parecido tremendamente originales. No están todas sus películas, porque algunas no me convencieron, pero sí la mayoría. Es una lástima que la mayoría de la gente sólo lo conozca por la trilogía de El Padrino y por Apocalipsis Now, porque tiene otras películas, si no tan ambiciosas, si igualmente magistrales. No hablaré ni de la trilogía del Padrino ni de Apocalipsis Now, porque considero que ya son sobradamente conocidas y han sido estudiadas y analizadas de manera exhaustiva en las últimas décadas. Aquí muestro el Coppola más desconocido, pero también el más creativo y sorprendente.

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Dementia 13. (1.963).

Su primer largometraje fue esta deliciosa película de terror donde se notaba lo que el joven Coppola había aprendido de las narraciones góticas y del cine de terror clásico, sobre todo de la entonces reciente Psicosis (Alfred Hitchkcok,1.960).

 

El valle del arcoiris (1.968).

Un musical con una estupenda puesta en escena, sobre todo en las secuencias nocturnas, que resultan perfectas. A pesar de su tono cursi e ingenuo, tan típico del género, esconde una fuerte carga social, pues es un alegato antiracista, rodado precisamente en plena lucha del movimiento por los derechos civiles y el mismo año del Mayo francés, y de los asesinatos de Robert Kennedy y Martin Luther King. Es una de las películas más originales y sorprendentes que he visto.

 

La conversación (1.974).

Un filme rodado en un estilo que parece muchísimo más europeo que estadounidense, que nos aborda el tema de lo que fácil que les resulta a los poderosos tenernos vigilados por medio de los avances tecnológicos. Además, el atormentado personaje principal,- interpretado por un Gene Hackman que nunca ha estado mejor-, tiene una un interesante discurso existencial. Como anécdota, comentar que ese año (1.974), Coppola compitió en los Oscars contra sí mismo, pues dos de las cinco nominadas eran suyas ,La conversación vs El padrino II.

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Corazonada (1.980).

Un musical original como ninguno. Una obra maestra del ingenio, del uso de las luces y los colores y con números insuperables. Pero, el público no la entendió, y fue uno de los mayores fracasos comerciales de la Historia del Cine. Hasta tal punto que llevó a la quiebra a la productora de Coppola, Zoetrope.

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Rebeldes (1.983).

Adaptación de una novela de S.E.Hinton, sobre bandas juveniles con ribetes de lucha de clases, donde se toma claro partido por los pobres y marginales, frente a unos pijos demasiado odiosos para que el espectador pueda sentir ninguna empatía por ellos. Junto con La ley de la calle, constituye un díptico de altísima calidad sobre la marginación y la violencia. La escena de la pelea nocturna entre bandas bajo la lluvia es de lo mejor que se ha rodado en muchos lustros. Igual que en el caso de Los siete magníficos,(John Sturges,1.960) está película reunió a siete actores,-entonces desconocidos-, que poco después se convertirían en estrellas de cine de los 80, si bien la mayoría han ido cayendo en el olvido. Hoy sólo se mantienen Tom Cruise y Matt Dillon. En la imagen, de izquierda a derecha, Tom Cruise, Rob Lowe, C.Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Emilio Estevez y Patrick Swayze (que falleció de cancér de páncreas en 2.009).

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La ley de la calle (1.983).

Otra adaptación de S.E. Hinton, rodada inmediatamente después que Rebeldes, nos introduce también en un universo marginal, pero en esta ocasión también atemporal y hasta cierto punto, surrealista. El blanco y negro y la imprecisión del lugar donde transcurre la acción, acentúan la sensación de claustrofobia en que se mueven unos personajes cuyas vidas se mueven sin dirección concreta.

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Cotton Club (1.984).

Uno de los mejores relatos de gangsters que se hallan rodado. Todo funciona a la perfección. Hasta el habitualmente muy limitado Richard Gere resulta convincente. La recreación del Nueva York de los años 30 es inmejorable. Pero, no se sabe porqué fue un tremendo fracaso comercial. En fin, al público, hay veces que es difícil entenderlo.

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Drácula de Bram Stoker (1.992).

He aquí una obra maestra incontestable. Una película perfecta en todos los aspectos,- fotografía, uso del color, ambientación, guión, interpretaciones-, que en mi opinión es la mejor adaptación de la novela de  Bram Stoker y la más fiel a esta. Desde luego, la perspectiva desde la que está contada la historia es muy diferente de todas las anteriores películas sobre Drácula.

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El hombre sin edad (2.007).

Después de muchos años sin dirigir y cuando ya le creíamos definitivamente retirado, Coppola nos dio la alegría de volver y con este peliculón que habla de un modo científico y realista sobre la reencarnación. Fabulosa adaptación de una novela de Mircea Elíade. Me gustó tanto que le dedique un post .https://elblogdemiguelfernandez.wordpress.com/wp-admin/post.php?post=8520&action=edit

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Twixt (2.011).

Una película de fantasmas totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados, y donde incluso con encontramos con un famoso escritor…Me resulto un filme bastante gratificante. La lástima es que sea una obra tan poco conocida.

 
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Publicado por en abril 26, 2017 en Cine

 

A las nueve cada noche (Jack Clayton, 1.967). Una tremenda película sobre la indefensión de la infancia en un mundo cruel.

Acabo de volver a ver una película que hace años me dejó impactado. Se trata de un filme excelente y de temática muy original, pero extremadamente cruel. Aquí se tituló A las nueve cada noche, aunque el título original fuese Our Mother´s House (La casa de nuestra madre). La película trata sobre una numerosa familia de niños, de padre desconocido, que quedan repentinamente huérfanos, al fallecer la madre. Ante esta trágica e irreversible situación, los dos hermanos mayores,-que apenas son adolescentes-, deben tomar las riendas y afrontar un papel de adultos para el que no estaban preparados. Temiendo ser enviados a un orfanato y debido al pánico que esa idea les produce,-pues significaría perder su casa y por tanto el único mundo que han conocido-, deciden ocultar la muerte de su progenitora y seguir con la vida que habían llevado hasta ese momento, como si nada hubiese cambiado. Pero, las cosas resultarán en la práctica mucho más complicadas de lo que sus inocentes mentes habían planeado.

La historia es muy dura, pero esta bien que exista una película que nos muestre la indefensión de los niños ante un mundo hostil y cruel, egoísta y taimado, que ellos ni conocen ni comprenden. Es un relato sobre la supervivencia cotidiana en un mundo y unas situaciones que les sobrepasan. Las interpretaciones de todos los actores niños y adolescentes son estupendas. Nunca he visto unos menores tan bien dirigidos.Son muy diferentes tipos de niños, perfectamente retratados a nivel psicológico. La ambientación de la película que transcurre en gran parte en la casa,-la cual adquiere tanto protagonismo como los niños-, es lúgubre, con predominio de escenas  nocturnas o en oscuridad, metáfora implacable del negro futuro que les espera a estas pobres criaturas. También se nos muestra como ante situaciones difíciles de entender para ellos, estos recurren a estrategias de explicación de la realidad o quizás de negación de esta, como el espiritismo. Porque las explicaciones que valen para los adultos no siempre son comprensibles o asimilables para una mente infantil o preadolescente. Es un filme que me impacta mucho cada vez que lo veo, pero que me satisface por su enorme calidad. También por lo novedoso de su enfoque, pues apenas existen otras obras cinematográficas que se parezcan a esta. Su autor, Jack Clayton, ya me había sorprendido muy gratamente con Suspense (1.961), que para mí es quizás la mejor película de terror de la Historia. Y como en la que nos ocupa, dirigió magistralmente a los niños, consiguiendo hacerles realmente inquietantes. Otro aliciente más de la película es la presencia del siempre extraordinario Dirk Bogarde, actor que solía trabajar en películas de atmósferas enfermizas o enrarecidas como esta. Lo que me demuestra A las nueve cada noche, es que el cine británico es mejor cuanto más sociales y trágicas son sus tramas. Cuando aborda temas como la infancia desestructurada o los problemas a los que se enfrenta la clase obrera resulta mucho más ágil y ameno que cuando habla sobre las clases privilegiadas. Entonces, tiende a la lentitud, la pretenciosidad y el aburrimiento.

Vean esta película y comenten si la escena final no les produce un tremendo desasosiego y les pone los pelos como escarpias.

Imágenes de A las nueve cada noche.

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Publicado por en marzo 26, 2017 en Cine

 

7 Películas que la Iglesia Católica no quiere que veas. 7 Películas que muestran los aspectos más oscuros de esta institución.

Hay siete películas sobre la Iglesia Católica en que esta institución no sale bien parada por diversos motivos. Todas ellas son de una gran calidad y nos hablan de diversos temas: homosexualidad, violaciones de los derechos humanos de las muchachas internas en los conventos, connivencia con el nazismo y complicidad con este régimen en el Holocausto, relaciones sentimentales y sexuales y abortos en miembros de la institución, entramados financieros opacos, tráfico de bebes, complicidad en la represión ejercida por los militares en determinados países hispanoaméricanos, y abusos sexuales a niños. Temas todos ellos que la Iglesia Católica trata de silenciar sistemáticamente y que al abordarse en el cine provocan la ira de la institución así como de los católicos más cerriles e intolerantes. Como aquellos que airados se concentraron frente a los cines que proyectaban La última tentación de Cristo (Martin Scorsese,1.988) y que quieren que se prohíban todas las obras literarias, cinematográficas, etc, que muestran un punto de vista negativo sobre la Iglesia. Es decir, quieren que sólo  sea legal su punto de vista, y que los demás nos tengamos que callar o ir a la cárcel.  Es lo que pasa con los integristas de todas clases. Aquí los que más fuerza tienen son los católicos, pero también están los protestantes, judíos, musulmanes, budistas, etc. Todos los integristas tienen en común el odio hacia el liberalismo cultural, hacia la libertad de creación, publicación y expresión, a la riqueza cultural que traen las sociedades diversas, hacia el pluralismo, vamos. Seguro que hay más películas críticas con la Iglesia Católica, pero estas son las que ahora me vienen a la cabeza y por su valentía y notable calidad, las recomiendo encarecidamente.

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Priest (Antonio Bird,1.994). 

Este filme aborda la historia de un joven sacerdote de ideas conservadoras que vive su homosexualidad como un tremendo conflicto interno que le angustia, hasta que decide dejar de reprimirse y probar a explorar su sexualidad. El tema de la homosexualidad como uno de los asuntos que más heridas abren dentro de la Iglesia cada vez que se aborda está muy bien tratado. Además, también toca el asunto de los abusos sexuales a menores-, aunque esta vez no por parte de miembros del clero-, y el no menos espinoso del secreto de confesión que puede llegar a ser en ocasiones contrario a las leyes por encubrir delitos.

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Las hermanas de la Magdalena (Peter Mullan, 2.002).

La historia de una pobre muchacha, que en encima de que la violan la envían a un convento como castigo donde será sometida a un trato inhumano, a toda clase de humillaciones y vejaciones. Estas muchachas estaban en esos conventos contra su voluntad por ser madres solteras, por haber sido violadas, por ser demasiado coquetas para la estricta moral de entonces, por no someterse a sus progenitores, por ser pobres, etc. Tras los muros de esas instituciones se vivía un auténtico infierno.

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Amén (Costa-Gavras, 2.002).

Aquí se nos muestra a un Pío XII más preocupado por el cuidado de sus periquitos y por el estado de las finanzas vaticanas que por la persecución y exterminio del pueblo judío. Se nos muestra como aquel papa firme partidario de los fascismos y similares, miró hacia otro lado cuando estaba teniendo lugar el Holocausto, por mucho que algún rabino bien untado de dinero, haya escrito un libro diciendo que no, que no Pío XII fue muy bueno y ayudó mucho a los judíos. Si, claro, ya vimos los resultados: 6 millones asesinados, tanto en matanzas como Baby Yar como en los campos de exterminio. El protagonista es un joven y honesto sacerdote que se rebelará contra la indiferencia de la Iglesia ante el genocidio.

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El crimen del padre Amaro (Carlos Carrera,2.002)

Por un lado se nos muestra lo imposible de llevar una vida de sacerdocio completamente célibe, pues el deseo sexual es consustancial al ser humano. Por otro, se tocan el aborto, y aunque sólo sea tangencialmente, el poder corruptor del Narco, y la acción positiva de la Teología de la liberación encarnada en un sacerdote idealista que pretende instaurar el Evangelio entre los campesinos pobres.

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Los banqueros de Dios (Giuseppe Ferrara, 2.002).

Película sobre el turbio entramado financiero del Vaticano. Nos habla sobre la quiebra del Banco Ambrosiano, del que era accionista mayoritario el Instituto para las Obras de Religión (IOR), institución perteneciente a la Iglesia Católica situada en la Ciudad del Vaticano. A lo largo de la película se nos muestran las relaciones del Vaticano con servicios secretos, la Mafia, la logia P-2 y los paraísos fiscales. De hecho, aparecen unas sociedades tapadera llamadas las panameñas. Basada en hechos reales.

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Spotlight (Thomas McCarthy,2.015).

Un apasionante filme que atrapa al espectador durante todo su metraje, sobre un grupo de valientes periodistas que con todo en contra, lucharon por destapar numerosos casos de pederastia en la archidiócesis de Boston. Su ejemplo sirvió para que comenzasen a salir a la luz casos de abusos a niños y adolescentes por parte de sacerdotes en todo el mundo (Australia, Kenia, Argentina, Holanda, Irlanda,Filipinas,etc). Se muestra que la pederastia en la Iglesia Católica no es algo aislado, fruto de unas poquísimas manzanas podridas, sino que es algo estructural y sistemático. Algo consustancial a la propia institución.

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El club (Pablo Larraín, 2.015).

Esta película nos muestra a cuatro sacerdotes condenados por la jerarquía católica a vivir en una especie de arresto domiciliario confinados en una remota región costera de Chile. Sus pecados son diversos (abuso sexual de niños, tráfico de bebes y complicidad con los militares en la represión). Viven atendidos por una monja tan cínica y perversa como ellos. La aparición de dos personajes,- un individuo reducido a la indigencia y el alcoholismo por culpa de haber sido abusado de pequeño por uno de los sacerdotes, y un quinto sacerdote enviado por la jerarquía para evaluarles y emitir un informe-, trastocará su gris, pero hasta ese momento segura vida.

 
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Publicado por en marzo 3, 2017 en Cine

 

Barbarroja (Akira Kurosawa, 1.965). Un filme que hace filosofía de las tragedias humanas.

En esta película sobre unos médicos destinados a un hospital para enfermos pobres desahuciados por el Estado y la sociedad, nos encontramos con un ejercicio de auténtica filosofía en torno a los aspectos más desagradables y negativos de la vida. Aunque el tema central en principio es la pobreza, también nos encontramos con el orgullo, la injusticia, el egoísmo, los traumas, el suicidio, la locura, la muerte, el fracaso o la soledad. Se nos van presentando unos oscuros personajes de los que sólo poco a poco se nos irán desgranando sus verdaderas razones para actuar como lo hacen. Y en medio del sórdido mundo del hospital  en donde desarrollan su labor, se van encontrando con difíciles situaciones que los van poniendo a prueba constantemente, al tiempo que van cediendo su protagonismo a otros personajes que nos adentran en sus propias tragedias. El relato va fluyendo mientras los protagonistas de las historias van cambiando, pero la historia sigue atrapándonos, porque es imposible que esa suma de tragedias nos sean indiferentes. En la narración van desfilando las consecuencias de vivir en la pobreza,- “la pobreza mata”, llega a decir el Dr. Barbarroja en una escena, frase que hoy es de tremenda actualidad, por cuestiones tan candentes como la pobreza energética-, las consecuencias del abuso sexual en la infancia y la prostitución infantil,- mostrando lo arraigada que está la pederastia en la sociedad japonesa-, la locura como consecuencia de hechos traumáticos inasumibles, la muerte,- y el miedo y la soledad que esta siempre conlleva-, la tristeza por los amores de juventud truncados por la fatalidad, el sentido de la justicia y del deber frente a un mundo moralmente en ruinas, etc. En fin, pura filosofía sobre todo lo peor que hay en este mundo. Un filme para ir captando detalles y reflexionando a medida que lo disfrutamos, un relato naturalista y una magnífica descripción de las relaciones entre clases sociales en el Japón del siglo XIX.

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Akira Kurosawa (1.910-1.998), ha sido junto con Kenzo Mizoguchi (1.898-1.956) y Jasujiro Ozu (1.903-1.963), uno de los tres maestros del cine clásico japonés. No he visto demasiadas películas de él, y no puedo decir que todas me entusiasmen. Rashomon (1.950), que fue la película que le dio a conocer a nivel mundial y que supuso una auténtica revolución tanto en narrativa como en perspectiva al contar la misma historia desde tres ángulos diferentes -, técnica que luego emplearían otros, sobre todo Quentin Tarantino-, a mi resultó insufrible por su inmensa teatralidad más cercana al teatro de máscaras y marionetas que al cine sonoro. La narración no me resultó amena en ningún momento. Ran (1.985) la soporté apenas 40 minutos por los mismos motivos. En cambio, Yojimbo (1.961),-película en la que se basaría Por un puñado de dólares (Sergio Leone,1.964)-, me resulto aceptable y entretenida. El infierno del odio (1.963) fue para mí un trabajo sólido, que contaba además con un sorprendente epílogo que te cambiaba completamente los esquemas, y Vivir (1.952), es de ponerle sobresaliente, pues es una película inigualable. Pese a lo que me han decepcionado algunas de sus películas, seguiré viendo parte de la filmografía de Kurosawa, porque mejores o peores, a sus obras hay que reconocerles originalidad y se aprende de la cultura japonesa viéndolas. Eso sí, como el cine oriental en su conjunto, el de Kurosawa es un cine lento y descriptivo, poblado a menudo por historias tristes y personajes trágicos. Si sus  películas, las ve alguien demasiado joven, seguramente le resultarán aburridas o absurdas. Si las ve alguien con treinta y muchos o cuarenta años,- que ya se ha llevado unos cuantos palos en la vida, y ha conocido los aspectos más duros e injustos de esta-, y ese alguien tiene un poco de sensibilidad y buen gusto y cierto entrenamiento cinéfilo, entonces lo más normal es que Barbarroja le guste, y bastante. Es decir, este filme no es un plato para todos los estómagos, sino para aquellos que de cultivarse durante lustros, ya sólo gustan de digerir platos exquisitos o por lo menos cocinados con profesionalidad y buen gusto.

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Películas más destacadas de Akira Kurosawa:

La leyenda del gran judo (1.943).

No añoro mi juventud (1.946).

El ángel ebrio (1.948).

El perro rabioso (1.949).

Rashomon (1.950).

Vivir (1.952).

Los siete samurais (1.954).

Trono de sangre (1.957).

Yojimbo (1.961).

El infierno del odio (1.963).

Barbarroja (1.965).

Dersu Uzala (1.975).

Kagemusha, la sombra del guerrero (1.980).

Ran (1.985).

Sueños (1.990).

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Akira Kurosawa.

 
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Publicado por en febrero 19, 2017 en Cine

 

Ha muerto John Hurt, uno de los grandes actores del cine británico, inolvidable intérprete en películas como El expreso de medianoche, Alien, El hombre elefante, V de Vendetta o Los crímenes de Oxford.

Acabo de recibir la noticia del fallecimiento del maravilloso actor John Hurt a consecuencia de un cáncer de páncreas que él creía haber superado. El mismo tipo de cáncer que en 2.009 se llevó a Patrick Swayze. John Hurt  (1.940-2.017) era un actor al que me habitué a ver desde niño en muy diferentes clases de películas. Aunque estaba demasiado encasillado en papales de pobre desgraciado, siempre que pudo ocupo otros registros, llegando a interpretar a villanos en filmes como Clave:Omega o V de Vendetta en el cine o el emperador Calígula en la serie Yo,Claudio. Trabajó con Alex de la Iglesia en Los crímenes de Oxford, decepcionante producción, que bebía descaradamente de la entonces reciente y muy exitosa El Código Da Vinci, y donde él era lo mejor. Fue un preso un tanto inquietante en El expreso de medianoche, el primero de los pasajeros espaciales en ser asesinado por el Alien, en la película homónima de Ridley Scott, el monstruoso y desgraciado John Merrick, bajo la batuta de David Lynch, un policía homosexual plumífero en la comedia Algo más que colegas, un padre de familia que planeaba huir en globo de la RDA en Fuga de noche (de la Disney), el ex-agente de la CIA cruel y vengativo de Clave:Omega,- la obra póstuma de Sam Peckimpah-, el pobre Winston Smith de 1.984, un inocente falsamente acusado de asesinato en El estrangulador de Rellington Place, un alto funcionario del espionaje británico caído en desgracia en El topo, un villano totalitario en V de Vendetta, uno de los magos-profesores de Harry Potter, etc. Su muerte me ha sorprendido, pues habrá leído recientemente una entrevista en la que decía encontrarse perfectamente, tras creer haber superado el cáncer, y me ha apenado profundamente. Se va uno de los grandes actores británicos, del cine, de la escena y de la televisión. Los cinéfilos le vamos a echar mucho de menos.

A continuación muestro imágenes suyas y de películas en las que participó.

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Como el taimado y traicionero Rich en Un hombre para la eternidad (Fred Zinneman, 1.966), excelente filme sobre Tomás Moro.

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Junto a Richard Attemborough en El estrangulador de Rellington Place (Richard Fleischer,1.971).

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En El expreso de medianoche (Alan Parker, 1.978)

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Asesinado desde dentro en Alien (Ridley Scott,1.979).

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Como el deforme y malogrado John Merrick en El hombre elefante (David Lynch,1.980).

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Intentando escapar de la RDA con su familia en Fuga de noche (Delbert Mann,1.982).

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Como el vengativo e implacable Lawrence Fasset en Clave:Omega (Sam Peckimpah,1.983).

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Junto a Ryan O´Neal en Algo más que colegas (James Burrows, 1.984).

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En 1.984 (Michael Radford,1.984).

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Como Bird O´Connell en El prado (Jim Sheridan,1.990).

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En Dead Man (Jim Jarmusch,1.995), en la que trabajó junto a Johnny Depp.

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Como el gobernante totalitario y manipulador de V de Vendetta (James McTeigue ,2.006).

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Como Mr. Ollivander en Harry Potter y la piedra filosofal (Chris Columbus, 2.001).

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En Hellboy (Guillermo del Toro, 2.004).

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Junto a Alex de la Iglesia, Leonor Watling y Elijah Wood en la promoción de Los crímenes de Oxford (2.008).

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Melancolía (Lars Von Triers,2.011).

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Junto a Gary Oldman en El topo (Thomas Alfredson,2.011).

 
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Publicado por en enero 28, 2017 en Cine