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30 excelentes películas del Hollywood ochentero.

Si bien la década de los 80 tiene mala fama en cuanto a la calidad de las películas que se hacían en Hollywood, lo cierto es que se debe a que la gente y la crítica sólo se paran a pensar en las películas más conocidas, en los grandes éxitos de taquilla. Estos en ocasiones correspondían a películas infumables, indignas del éxito que tuvieron,- un buen ejemplo sería Top Gun (Tony Scott,1.986)-, pero eso es igual de injusto que asociar el cine español exclusivamente con la saga Torrente y con los engendros perpetrados por el tándem David Menkes/Alfonso Albacete. Asociamos el cine del Hollywood de los 80 con películas excesivamente comerciales, y sobre todo superficiales, sin ninguna profundidad. Esto hay que matizarlo. Es cierto que el tipo de cine que hablaba de temática social, personal y psicológica tan habitual en los 70, y del que sería un magnífico ejemplo Taxi Driver (Martin Scorsese,1.976) apenas se mantuvo más allá de los primeros años de la nueva década (1.980-82), pero a lo largo de esta, si bien con menos inquietudes intelectuales, se continuó haciendo un cine de bastante calidad. También es cierto que esa calidad fue mucho más abundante en la primera mitad de la década que en la segunda, donde junto al declive artístico en la mayoría de los títulos, se va notando un agotamiento en las ideas. Una época de  falta de imaginación y originalidad que alcanzaría su cenit en las dos siguientes décadas con la masiva proliferación de remakes, y de la que en ocasiones, parece que todavía no hemos salido. En los 80 hubo muchos filmes dignos de elogio, lo que ocurre es que de esos una gran cantidad fueron fracasos comerciales o bien, aunque tuvieran cierto éxito en su momento, han ido cayendo en el olvido, y las nuevas generaciones no los conocen.Por ejemplo, casi nadie conoce El aventurero de medianoche, pese a la gran popularidad de su protagonista y director, Clint Eastwood, ni En compañía de lobos, de Neil Jordan, originalísima propuesta de cine fantástico, donde se mezclaban los mitos del hombre lobo y Caperucita roja. Sé que esta lista será forzosamente incompleta, pero por algún sitio había que cortar para que no resultase interminable o cansina. De hecho, me he dejado en el tintero títulos que me encantaron, pero si no es que no acababa. Pensándolo detenidamente la década que fue espantosa a nivel cinematográfico fue la siguiente, la de los 90 y buena parte de la de 2.000,- por lo menos hasta 2.005 ó 2.006,- pues Hollywood parecía haber perdido el rumbo ante la falta de nuevas ideas y veías a grandes y veteranos directores probando a hacer películas que claramente se veía que no eran lo suyo, o a nuevos directores que hacían películas muy comerciales, pero artísticamente lamentables (Roland Emmerich, Michael Bay).

En conclusión, la decada de los 80, en Estados Unidos, produjo muchos y muy estimables títulos, que conviene volver a disfrutar, siendo de momento, la última década digna en cuanto a la calidad general de los filmes que se hacían. Porque desde comienzos de los 90, el balance es bastante desalentador, exceptuando lo que se refiere al cine independiente, lugar que hoy día constituye un valiosísimo refugio para todo cinéfilo que huya de superhéroes, franquicias (Transformes, Fast and furious, Crepúsculo, 50 sombras de Grey,…), bodrios cuyo único objetivo es provocar la carcajada continúa (Agárralo como puedas, Scary movie, Dos colgaos muy fumaos) o estúpidas comedias románticas.

Toro salvaje (Martin Scorsese, 1.980).

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El hombre elefante (David Lynch, 1.980).

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Brubaker (Stuart Rosenberg, 1.980).

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Excalibur (John Boorman, 1.981).

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Fuego en el cuerpo (Lawrence Kasdan,1.981).

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Impacto (Brian de Palma, 1.981).

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En busca del arca perdida (Steven Spielberg, 1.981).

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 El año que vivimos peligrosamente (Peter Weir, 1.982).

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La cosa (John Carpenter, 1.982).

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Blade Runner (Ridley Scott, 1.982).

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El aventurero de medianoche (Clint Eastwood,1.982).

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Missing/Desaparecido (Costa-Gavras,1.982).

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Rebeldes (Francis Ford Coppola, 1.983).

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La ley de la calle (Francis Ford Coppola, 1.983)

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Entre pillos anda el juego (John Landis, 1.983).

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La zona muerta (David Cronenberg,1.983).

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Erasé una vez en América (Sergio Leone, 1.984).

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Lady Halcón (Richard Donner, 1.984).

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En compañía de lobos (Neil Jordan, 1.984).

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Gremlins (Joe Dante, 1.984).

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Los gritos del silencio (Roland Joffé,1.984).

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Sangre fácil (Joel y Ethan Cohen, 1.985).

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Manhattan Sur (Michael Cimino, 1,985).

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Salvador (Oliver Stone,1.986).

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Terciopelo azul (David Lynch,1.986).

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Los intocables de Eliott Ness (Brian de Palma,1.987).

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Platoon (Oliver Stone,1.987).

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Arde Mississipi (Alan Parker,1.988).

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Rain Man (Barry Levinson,1.988).

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El club de los poetas muertos (Peter Weir,1.989).

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Publicado por en septiembre 17, 2017 en Cine

 

Selfie (Victor García León, 2.017). Una comedia al tiempo divertida y cruel que retrata de manera muy acertada la España de hoy.

Hace 11 años acudí al cine a ver una película titulada Vete de mí. No sé que fue lo que me llamó la atención de ella, para acudir al cine a verla. Pero el caso es que no me decepcionó. Al contrario, tanto lo original de su planteamiento como su desarrollo y final me encantaron. Me quedé con el nombre de su desconocido director, Victor García León, esperando con ganas una nueva película suya. Desgraciadamente, pasaban los años y seguía sin tener noticias de él. Cuando ya le había olvidado, un amigo me habló de una comedia española que le había gustado especialmente. Busqué información sobre ella, y que grata sorpresa fue cuando descubrí que la dirigía Victor García León. Se trata de Selfie (2.017), una película que guarda cierta relación con su anterior obra, puesto que ambas abordan la historia de un joven inmaduro sin medios ni habilidades profesionales para desenvolverse en el competitivo e implacable mundo de hoy. Narra la historia de un pijo que por azares del destino pasa de la noche a la mañana de vivir en una estupendo chalet en La Moraleja a quedarse literalmente en la calle, y sin poder recurrir a la ayuda de su familia y “amigos”, pues los primeros ponen tierra de por medio y los segundos le dan la espalda.

Quizás me he apresurado un poco al calificarla de comedia en el título. Si analizamos un poco, Selfie es en el fondo, un drama con capas de comedia muy bien espaciadas y repartidas. Es una historia cruel a la que no le falta en ningún momento el sentido del humor. Selfie es una obra muy valiosa por varios motivos.

El primero es lo original de su planteamiento, siendo tan rupturista y politicamente incorrecto de poner como víctima a un pijo madrileño en vez de por ejemplo a un trabajador precario o a un inmigrante tercermundista sin papeles.

El segundo, es la hábil combinación que consigue al mezclar el filme convencional  con el falso documental, pues un supuesto cámara está grabando constantemente todo lo que ocurre sin que nunca lleguemos a verle. Este toque documental es un gran acierto, pues contribuye notablemente a aumentar la sensación de realismo y verosimilitud de lo que se muestra al espectador.

El tercero es su valentía por atreverse a mostrar por un lado a unos privilegiados que viven ajenos al sufrimiento del resto de la sociedad, y que sólo se relacionan con los de su misma clase social, y por otro a una sociedad precarizada y con serias incertidumbre sobre su futuro, y a los sectores más vulnerables e indefensos de esta. Y por retratar con tremenda convicción a ambos y contrapuestos segmentos sociales.

El cuarto es la manera tan eficaz de combinarnos situaciones trágicas y cómicas, o de pasar de unas a otras sin que apenas nos demos cuenta.

El quinto es que un personaje aparentemente tan poco empático y atractivo como el que protagoniza la película consiga llevar el peso de esta sin cansar ni aburrir al espectador, y consiguiendo,-por lo menos en mi caso-, acabar sintiendo una mezcla entre compasión y simpatía por él-, a lo que contribuye sin duda la espléndida interpretación del debutante Santi Alverú. Igualmente brillantes se muestran sus dos compañeros de “aventuras”, los igualmente desconocidos Macarena Sanz  y Javier Carramiñana.

No voy a negar que en ciertas ocasiones Selfie pueda recurrir al tópico o al estereotipo sobre las distintas clases sociales o los diferentes perfiles políticos, pero lo hace de una manera sutil, y no burda y exagerada como hacen el díptico de los Apellidos Vascos-Catalanes o las comedias televisivas del estilo de La que se avecina, Aída, etc. Y es que lejos de la infantilización mental del espectador que buscan esas películas y series, Selfie lo que quiere,- además de hacernos pasar un buen rato-, es hacernos pensar. Pensar sobre cosas como en que clase de sociedad vivimos o en que momento histórico nos encontramos. La película te mantiene en vilo todo el tiempo, pues todo el tiempo se dan situaciones interesantes. Y en ocasiones,tensos. Enervantes. Tanto como su protagonista cuando se pierde con la gramática, al no saber construir correctamente una frase o si quiera acabarla.

La lástima de esta película ha sido su pésima distribución comercial (algo que suele ocurrir con la mayoría de las películas españolas), lo que ha hecho que casi nadie la conozca. Y que haya sido retirada de las salas en un tiempo relativamente corto, no quedando en Madrid más que una que todavía la proyecte. Espero que ocurra como con otras películas que con el tiempo se fueron haciendo conocidas y fueron siendo vistas por un público cada vez más amplio. Selfie lo merece.

Selfie se proyecta en el cine Artistic Metropol, en  Calle Cigarreras,6. M: Acacias, L5.

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Publicado por en septiembre 9, 2017 en Cine

 

Verónica (Paco Plaza, 2.017). Una estupenda película de terror que nos habla de varias cosas de la vida.

Hay que decir que el cine de terror español goza de buena salud. De hecho, es el género por el que más conocidos somos en el extranjero. Y de géneros, es con el policíaco y el drama social, lo que mejor hacemos. Porque de la calidad de la  mayoría de las comedias que se hacen en España, mejor no hablar… Ayer fui con muchísimas ganas a ver Verónica, la última película hasta el momento de Paco Plaza, cineasta adscrito al género del terror y coautor junto con Jaume Balaguero de la exitosa saga REC. Y tengo que decir que la película no ha defraudado mis expectativas. Son varios los motivos por los que merece ver esta película.

El primero es la singularidad del caso que cuenta. El del único poltergeist reconocido y demostrado como tal en España, pues es el único que consta en un informe policial. El filme está basado en el Expediente Vallecas, un terrorífico hecho acaecido en un domicilio de la calle Luis Marín, del barrio de Vallecas en 1.991. Obviamente, tanto en el desarrollo de la película como en los créditos finales explicativos, se dan direcciones falsas, con la intención de proteger la intimidad de los habitantes del inmueble. Este hecho lo conocí viendo Cuarto Milenio.

El segundo es la habilidad con que de forma progresiva y rápida se nos va sumergiendo en un mundo sobrenatural y decididamente aterrador. Con sencillez y sin estridencias, pues la película no cae en ningún momento en la pretenciosidad de querer aparentar más de lo que és: una producción española hecha con un presupuesto limitado. La atmósfera está muy conseguida, y nos consigue transmitir la imagen de la casa como una prisión infernal de la que debemos salir como sea. También, el hecho de ocurrir en un barrio obrero de una ciudad española hace que la historia nos resulte mucho más creíble y cercana, y que por tanto mucha gente pueda identificarse con la protagonista y su familia, cosa que no ocurre si vemos El exorcista, que transcurría en Boston (EE:UU). Se llega a pasar miedo, cosa que ocurre con muy pocas películas de miedo. En algún que otro momento tuve que cerrar los ojos, cosa que me ha ocurrido poquísimas veces con una película.

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El realismo, que ya fuera de la atmósfera sobrenatural, transmite en todo momento la película. Es de un realismo social absoluto. Nos muestra la realidad de las gentes de Vallecas a principios de los 90, con la gente todavía fumando en los bares, mientras toma cañas y ve y disfruta apasionadamente del futbol, con unos mataos con pinta de yonkis bebiendo una litrona de cerveza sentados en la acera desde por la mañana, con hombres de clase obrera mirando con cara de deseo a nuestra joven protagonista cuando pasa por la calle camino del colegio, el ambiente gris y deprimente del colegio donde estudian ella y sus hermanos, etc. Y es que en el cine español, cada vez más, tanto el género del terror como el policíaco van tendiendo a lo social.

El  como nos muestra algunos de los aspectos más duros e injustos de la vida. El hecho de que una adolescente tenga que verse , por circunstancias trágicas e imprevistas de la vida, haciendo un papel de madre con sus hermanos pequeños,que no le corresponde, porque el trabajo de la madre la absorbe totalmente. La dureza en sí de la adolescencia, como inevitable y dolorosa transición de niña a mujer, y los cambios físicos, hormonales y psicológicos que conlleva. Los enormes esfuerzos y sacrificios que tiene que llevar a cabo la clase obrera, simplemente para conseguir un nivel de subsistencia. El miedo a no encajar y ser marginado y quedarte sólo, dado entre otras cosas lo volátiles y endebles que son las amistades en esa edad, como se ve muy bien con el comportamiento de las compañeras de colegio de ella. La “envidia” que sentimos al ver a otros disfrutar de una vida feliz y despreocupada que nos ha sido negada a nosotros( situación que se produce cuando ella observa a su feliz vecina de enfrente).

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Los efectos especiales, maravillosos. Demuestra lo muchísimo que ha mejorado nuestro país en esta materia. Todavía recuerdo las sonrojantes chapuzas  que hacían Jacinto Molina/Paul Naschy o Juan Piquer Simón, en películas como La marca del hombre lobo o Misterio en la isla de los monstruos, con sangre que se notaba que era pintura y monstruos de goma. Aquello daba vergüenza ajena. A mí, me ha sorprendido gratamente.

Las interpretaciones tanto de la joven debutante Sandra Escacena como de sus hermanos, que para ser niños, lo hacen estupendamente. Creo que a Sandra Escacena, si la interminable crisis no se lo impide, y no mete la pata con elecciones profesionales equivocadas, le espera un buen futuro como actriz. En todo momento, ella consigue ganarse la empatía del espectador. La entendemos perfectamente y sufrimos con ella.

La “nostalgia” que produce volver a esos primeros años noventa,-para los que eramos adolescentes entonces-, con cosas como quedar por el fijo, porque no existían todavía los móviles, determinados anuncios de televisión tan simples como infantiles en el modo en que estaban realizados, juegos de mesa como el Imperio Cobra o la omnipresente presencia de cierto grupo musical.

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Está claro que a partir de El día de la bestia (Alex de la Iglesia,1.995), el cine fantástico y de terror español,- y diría que también el policíaco-, han sabido adoptar el código narrativo hollywoodiense, sin renunciar a nuestras esencias y folclorismo, lo que hace a nuestras películas, doblemente atractivas. Y hay está la clave de que el cine de terror español sea tan apreciado y cotizado fuera de nuestras fronteras, y de que películas como El orfanato (Juan Antonio Bayona, 2.007) o la saga REC hayan sido éxitos en países como Estados Unidos.

Por todo esto, Verónica es una película que merece mucho la pena ver. Es una película de la que Paco Plaza puede sentirse muy orgulloso. Y sobre todo, es una película muy española, muy nuestra por todo el retrato que hace de la cotidianidad de la gente común.

 
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Publicado por en septiembre 2, 2017 en Cine

 

3 Películas recientes sobre la II.Guerra Mundial muy duras, pero altamente recomendables.

He visto en los últimos tiempos tres películas sobre la II.Guerra Mundial realmente impactantes. Impactantes por lo duras que resultan, pues no escatiman en mostrarnos injusticias, maldades y atrocidades, cosa que no suele ocurrir  en las producciones de Hollywood. Aquí se nos muestra la Guerra tal cual es, un mundo infernal y cruel, y en ocasiones caótico y absurdo. Además, son películas con unos efectos especiales y un despliegue de medios nada desdeñable.  Estas películas son :

  • Ciudad de vida y muerte (Lu Chuan, 2.009). Nacionalidad: China.
  • Warsaw 44 (Jan Kamasa, 2.014). Nacionalidad: Polonia.
  • 1.944 (Elmo Nüganen, 2.015). Nacionalidad: Estonia.

La primera de ellas aborda la conquista de la ciudad china de Nankin por las tropas japonesas en diciembre de 1.937, (antes de que comenzase oficialmente la II. Guerra Mundial) y el posterior genocidio cometido por estas allí. Hubo 330.000 ejecuciones (igual que el número de muertos en la Guerra Civil Española) y 20.000 violaciones.

La segunda nos muestra el Levantamiento de Varsovia llevado a acabo por la Resistencia Polaca en 1.944 contra la ocupación alemana.

La tercera nos muestra la situación trágica del pueblo estonio en la Guerra, pues se vieron obligados a participar en una Guerra Civil, en muchos casos contra su voluntad, pues muchos estonios fueron enrolados a la fuerza , unos en el Ejército Rojo, y otros en la Wehrmacht y en las Waffen SS.

Todas ellas constituyen un testimonio inigualable sobre el horror sin límites de la Guerra y la maldad de los totalitarismos (japonés, soviético o alemán).

Ciudad de vida y muerte. Imágenes.

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Warsaw 44. Imágenes.

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1944. Imágenes.

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Publicado por en julio 28, 2017 en Cine, II. Guerra Mundial.

 

Robert Aldrich (1.918-1.983). Las mejores películas de un cineasta sensacional.

Si había un director del Hollywood clásico de mis favoritos, del que todavía tenía pendiente escribir ese era Robert Aldrich (1.918-1.983), uno de los cineastas más audaces, creativos y con más personalidad que ha habido en la industria del cine estadounidense. Es verdad, que habría que matizar la adscripción de  Aldrich al período clásico, porque él fue uno de esos directores,al que por edad le tocó trabajar en los últimos lustros o décadas del cine clásico y en las primeras del cine moderno o contemporáneo. Y lo cierto es que se movió con una gran soltura y brillantez en ambos períodos del cine norteamericano.  Lo que demuestra que tenía una gran capacidad de adaptación al medio y a los nuevos tiempos. Fue una de sus muchas virtudes. Virtudes que no siempre fueron apreciadas por unos mandamases de la industria egoístas, cortoplacistas y obtusos. Mandamases que le terminarían marginando y soterradamente expulsando de la industria.

A lo largo de sus alrededor de treinta años de carrera como director (1.953-1.981), trabajó los más variados géneros,- western, suspense, aventuras, drama psicológico, bélico, policíaco, comedia y peplum. Siempre adoptó su sello personal en todos los proyectos en que intervino, incluso cuando los grandes estudios pretendían atarle corto, supervisando en todo momento su trabajo. A continuación muestro una selección de títulos de Robert Aldrich, aquellos que he ido viendo a lo largo de muchos años. No he conseguido de momento ver toda su filmografía, pero si los suficientes títulos como para hacerme una idea general de su obra y de su figura.

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Apache (1.953), fue un western valiente al tomar claro partido por los indios y sus derechos, cosa que era practicámente inexistente  en Hollywood, si exceptuamos el caso de la exitosa Flecha rota (Delmer Daves, 1.950). Es un inteligente alegato antirracista que denuncia la situación de marginación, aislamiento y apartheid en que vivían los nativos norteamericanos en su propio país tras la conquista y expoliación de sus tierras por el hombre blanco anglosajón protestante. Desgraciadamente, a pesar del éxito de Apache, la visión de los indios como los malos de la función, siguió siendo la tónica general hasta finales de los 60, cuando los cambios sociales y culturales producidos en todo el mundo occidental trajeron nuevas visiones de los mismos hechos. Con esta película, Aldrich ya comenzaba a mostrarse como un cineasta innovador y con personalidad propia, capaz de combinar con eficacia el alegato con el mejor cine del Oeste y el relato de aventuras. Tampoco podemos olvidar que a la solidez de la historia, se une la vigorosa interpretación de Burt Lancaster, un actor siempre comprometido con proyectos cinematográficos de denuncia o de  corte progresista.

Veracruz (1.954), fue una película sencillamente sensacional, pues combinó como ninguna otra ha hecho los géneros del western y de aventuras. Las correrías de dos aventureros en el México ocupado por Francia dan lugar a una brillantísima historia cuyo interés no decae en ningún momento y nos retrata con convicción dos estereotipos masculinos muy diferentes entre sí. Además, nos otorga el placer de disfutar del duelo interpretativo de dos titanes del cine clásico: Gary Cooper y Burt Lancaster. Ambos reforzados por un espléndido elenco de secundarios, entre los que se cuenta nuestra Sarita Montiel, en la que fue la primera de sus tres películas en Hollywood.

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Kiss me deadly (1.955), es una de los mejores filmes de cine negro de la Historia. Aún así, es muy poco conocida, siéndolo tan sólo por los cinéfilos que la consideran, y con razón como una obra de culto. Es una adaptación de una novela de Mickey Spillane, de la saga protagonizada por el detective Mike Hammer. Resulta bastante original  en muchos aspectos, y cuenta con un comienzo sorprendente y un final de lo más inesperado. Muy buena elección para el papel protagonista de Ralph Meeker. Por cierto, en el único papel protagonista de toda su vida.

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¿Qué fue de Baby Jane? (1.962). En esta película, Aldrich abordó por primera vez el tema de la crueldad entre mujeres, donde una atormenta y humilla a otra, o trata de volverla loca. Volvería a este tema en Canción de cuna para un cadáver (1.964) y El asesinato de la hermana George (1.968). Sin duda, estamos ante una de las películas más enervantes y crueles que se hayan realizado, pero también ante una de las obras cumbres de su autor, que supo mezclar a la perfección el drama femenino psicológico con el suspense, aproximándose en algún momento al terror. La historia, la ambientación/estética, y su desarrollo recuerdan a Hitchcok y especialmente a Psicosis (1.960). Fue uno de los mayores éxitos de taquilla de Aldrich, quién lo necesitaba, después de una serie de filmes que habían fracasado entre el público.Este filme supuso el comienzo de la colaboración entre Robert Aldrich y el guionista Lukas Heller, que se prolongaría durante cinco películas más. ¿Qué fue de Baby Jane está basada en una novela de Henry Farrell, autor cuyo mundo impactó tanto a Aldrich, que volvió a adaptarle en Canción de cuna para un cadáver.

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4 Tíos de Texas (1.963), fue un western en clave de comedia, entretenido, pero nada más. No aportó nada a la filmografía de Aldrich y ciertamente parece más un trabajo de encargo, que un proyecto creado por él. Con todo, resulta simpática y se disfruta su excelente elenco de actores famosos.

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Canción de cuna para un cadáver (1.964).  De nuevo una historia sobre una relación femenina víctima/verduga, y de nuevo, Bette Davis, aunque aquí cambia de registro, pues pasa a ser la víctima. La diferencia fundamental con ¿Qué fue de Baby Jane?, es que aquí, los elementos dramáticos han sido completamente borrados en beneficio de un predominio absoluto del suspense. Además, los elementos terroríficos, que en aquella, sólo se insinuaban aquí están mucho más desarrollados por la vía de lo fantasmagórico. Lo cierto, es que a más de cincuenta años de su realización, esta película sigue resultando bastante inquietante y hay escenas que siguen dando miedo. Lo cual tiene mérito, después de tantos años.

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El vuelo del Fénix (1.965). Inteligente película de aventuras, subgénero supervivencia en la que un grupo de hombres quedan aislados en medio del desierto al estrellarse el avión en que viajaban. En este contexto, el ingenio y las habilidades técnicas y manuales resultarán mucho más útiles que el valor y la fuerza bruta, lo que distingue a este filme de los relatos de aventuras clásicos. Eficaz retrato de las más variadas personalidades/psicologías  masculinas  y excelente reparto que hace subir varios enteros a la historia. Buena, sobre todo por lo original (en aquella época) de su planteamiento, así como por su desarrollo. Ahora bien, las dos horas y media que dura, a veces se antojan algo excesivas.

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Doce del patíbulo (1.967). Una de las mejores películas bélicas de todos los tiempos. Tiene la original idea de poner en el lugar de los héroes a un grupo de criminales y delincuentes de la peor calaña que tendrán una última oportunidad de salvarse de la pena de muerte si llevan a cabo una arriesgadísima misión que es clave para el avance alíado. Esta historia, además,  aborda temas muy diversos desde la discriminación racial hasta el hecho de como nacer en un ambiente desfavorable puede condicionar el resto de tu vida, sin olvidar el fanatismo religioso. Vista hoy día, la película resulta muy atrevida, sino políticamente incorrecta. La parte final es de las que no se olvidan, pues te mantiene pegado al sillón sin poderte mover, de lo emocionante que resulta. Una de esas películas que uno nunca se cansa de ver. Fue uno de los mayores éxitos de taquilla de Aldrich.

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El asesinato de la hermana George (1.968). Segunda película que abordó el tema de la homosexualidad femenina (la primera había sido La calumnia, dirigida por William Wyler en 1.961) y la primera que mostraba claramente una relación de pareja entre dos mujeres. En esta historia, Aldrich volvía a su recurrente tema de una mujer sometiendo o maltratando a otra. Y es que como en Baby Jane, estamos ante un drama femenino psicológico. Aunque la historia llega en determinados momentos a ser bastante desagradable, es imposible dejar de verla, por lo bien narrada que esta la historia que cuenta. El trabajo de las actrices es formidable. Es un filme valiente por atreverse a contar lo que contaba en una época en la que todo lo relacionado con el aspecto sexual era tema tabú, y más lo referente a la homosexualidad. El único reproche que cabe hacerle a la película es la imagen estereotipada de las lesbianas en la escena del club semiclandestino, pues parecen todas chicos. Y habrá lesbianas femeninas, digo yo. Pero, teniendo en cuanta la época y la poca información disponible entonces sobre el tema, se le perdona.

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La banda de los Grissom (1.971) está inspirada en el Clan Barker, una familia de gansters psicópatas de principios de los años 30. La historia, tremendamente violenta, muestra la infinita amoralidad del ser humano al tiempo que nos precipita por un guión vertiginoso que recoge las mejores enseñanzas del cine negro. La película tiene partes y secuencias de una dureza extrema, que siguen impactando a pesar del tiempo transcurrido desde que se rodó. Es de agradecer que Aldrich no descuidase el mostrar con eficacia los retratos psicológicos, pues contribuyen de manera notable a dar mayor coherencia y fuerza al relato. El filme, narrativamente funciona a la perfección, pues no sobra nada de lo que se cuenta. Sin embargo, el público de la época no estaba preparado todavía para una obra de estas características, y la película fracasó en taquilla. Como dato curioso, señalar que el año anterior había sido realizada otra película sobre el Clan Barker: Mama sangrienta (1.970), de Roger Corman.

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En El emperador del Norte (1.973), un argumento en teoría tan endeble como el enfrentamiento entre un vagabundo sin ley y un conductor de tren, se convierte en un formidable guión en el que la acción no decae en ningún momento y nos engancha desde el principio. De nuevo, un enfrentamiento entre psicologías contrapuestas, un ritmo endiablado y un gran aprovechamiento de los espacios naturales. La escena del combate  final a muerte entre los dos protagonistas es de antología, pues está rodada de manera soberbia.

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Robert Aldrich.

Para una apropiada y exhaustiva información sobre este director:

Jaime Iglesias Gamboa. Robert Aldrich. Ed. Cátedra. Signo e Imagen/Cineastas. Nº 76 de la colección.

 
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Publicado por en julio 9, 2017 en Cine

 

Recomendaciones cinematográficas de esta semana: Cautiva (Brillante Mendoza, 2.012) y Comanchería (David McKenzie, 2.016).

He disfrutado este fin de semana de dos películas con bastante tensión y acción. Dos películas muy bien hilvanadas de principio a fin, que demuestran que se pueden combinar perfectamente los buenos diálogos, escenas de acción bien realizadas y situaciones tensas e incluso angustiosas. Se trata de Cautiva, del director filipino Brillante Mendoza, y Comanchería, del escocés afincado en Estados Unidos, David McKenzie.

En Cautiva, coproducción entre Filipinas, Francia, Reino Unido y Alemania, nos cuentan un dramático hecho real acaecido a comienzos de los 2.000. Un grupo de habitantes locales, trabajadores sociales de ONG y turistas fueron secuestrados por el grupo guerrillero y terrorista filipino Abu Sayaf. Esta organización es de carácter separatista e islamista. Pretende conseguir la independencia de la isla de Mindanao, para instaurar allí una dictadura islamista. Lleva ya unos cuantos años enfrentándose al Estado filipino. La película nos muestra la angustia y desazón de los rehenes, cuyas vidas dejan de ser lo que habían sido hasta el momento. Lo pierden todo: sus trabajos, sus familias, sus amistades, sus propiedades. Una vez que estas en manos de otros-, y en el caso de los turistas, en un lejano país-, todo lo que ha sido tu vida anterior deja de tener sentido. Ya no tienes ni libertad de movimientos, y tu prioridad absoluta es terminar cada día con vida. A los abusos perpetrados por los captores se unen la deshidratación, las enfermedades, las alimañas de la selva y las duras condiciones de esta. Por si eso no fuera poco, se verán envueltos en el fuego cruzado de la guerrilla que les tiene presos y el ejército filipino.

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La película es muy emocionante, las secuencias de acción están perfectamente filmadas, la violencia nunca resulta gratuita y las relaciones humanas que se muestran a lo largo de la cinta son didácticas y profundas. La sensación que se transmite al espectador es de un absoluto realismo. Casi como si estuviésemos viendo un documental. No hay trampas ni artificios por ningún lado. Mendoza maneja muy bien los tiempos, y las dos horas y dos minutos que dura el filme no se hacen cansinas en ningún momento. Además, nos premia con el protagonismo de esa insuperable actriz, prolífica donde las haya que es Isabelle Huppert, cuya película más recordada es La pianista, de Michael Haneke. Ella sola se come la pantalla, aunque también es de justicia reconocer que el resto del desconocido reparto, tampoco actúa nada mal. En definitiva, unos hechos históricos muy bien contados y que nos llegan muy hondo a los espectadores, por el dramatismo e intensidad que tienen.

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En cuanto a Comanchería, como bien había leído anteriormente en alguna reseña es un filme policíaco muy en la línea de los de los Coen, especialmente Fargo,- que me pareció muy lograda-, y No es país para viejos,- cuyo desarrollo era notable, pero cuyo final me decepcionó enormemente-, y como aquellas retrata a la perfección el ambiente de la Norteamérica profunda y nos muestra a un sheriff enfrentado a psicópatas. Comanchería recupera lo mejor del relato policíaco y sus escenarios tradicionales: pueblos de mala muerte del interior de Estados Unidos, moteles de carretera, casinos, y cafeterías donde se pueden escuchar planes delictivos o conversaciones absurdas y delirantes. Tiene un sabor viejo que la hace agradable, pero al mismo tiempo la cinta demuestra que ha sabido adaptarse a la renovación del género. Quizás esa aparente contradicción se deba a que retrata lugares y personajes que nunca cambian. Tiene bastante de ambigüedad moral, porque aunque unos personajes sean los defensores de la ley, y otros, sus quebrantadores, todos están retratados de una manera que nos resulten antipáticos, lo cual impide que podamos tomar un claro partido por unos u otros. Todos los personajes parecen estar a la deriva, mientras tratan de conseguir cada uno su objetivo (la jubilación, pagar la deuda al banco, huir de todo,…) Comanchería nos muestra un mundo sin héroes, un mundo crepuscular, donde quizás el mayor botín que puedan conseguir los personajes en su vida sea el bienestar personal. Que no es poco. Desde el primer momento, la historia te atrapa y no puedes dejar de verla. Y eso demuestra que tras el desconocido David McKenzie hay un maestro. Siga así, Sr. McKenzie.

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Publicado por en julio 4, 2017 en Cine

 

Canino (Yorgos Lanthimos, 2.009). Una originalísima reflexión sobre la idiotización de las mentes.

Si hay una película que podemos calificar al mismo tiempo de radicalmente original, extraña y muy entretenida,-tres adjetivos dificiles de hacer coincidir en lo que a cine se refiere-, esa es Canino, del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Esta cinta nos muestra la absurda cotideanidad de una familia regida por un déspota que obliga a sus hijos,- y en menor medida a su esposa-, a vivir una existencia absurda y alejada del mundo real. La tergiversación de los significados de las palabras de la que somos testigos desde la primera escena, los juegos arbitrarios y sin lógica aparente que impone el cabeza de familia, la falta de referencias básicas como la distinción entre el bien y el mal, o el significado del sexo en los hijos, o la incapacidad de tener un código de comunicación natural y espontáneo, en lugar de  mecánico y deshumanizado, nos muestran un universo totalitario y surrealista, cruel y absurdo.  Que estemos hablando de un filme tremendamente original ( y genial), no impide que haya referencias a importantes cineastas europeos ya clásicos, desde el Buñuel del Ángel exterminador al Pasolini de Sálo o los 120 días de Sodoma, sin olvidar la trilogía de la incomunicación de Antonioni. El gran logro de Lanthimos es que consigue hacer que nos interesemos por la historia desde la primera escena hasta la última. Porque realmente queremos saber todo el tiempo el origen de esa absurda e injusta situación que condena a unos jóvenes hermanos a la idiotización y la animalización. Unos seres convertidos en autómatas aislados de un mundo que ni conocen ni comprenden y del que tienen una visión totalmente distorsionada. Puede que haya gente a la que se le haga difícil de ver, porque desde luego no es un blockbuster hollywoodiense, pero no es ningún momento aburrida. Lo que si es, es rayante. Una paranoia mental convertida en imágenes, pero llevada en todo momento con muchísima habilidad. Además, los intérpretes resultan creíbles en todo momento, especialmente la malograda Mary Tsoni, quién desafortunadamente fue encontrada muerta en su apartamento el pasado mes de mayo, al parecer de una sobredosis de barbitúricos.  En fin, que viendo esta película, uno se da cuenta, de que cuando hay imaginación y originalidad, siempre hay lugar para el talento y la genialidad. Por último, comentar que esta película obtuvo cinco premios, entre ellos el del Festival de Sitges, el de Sección Oficial de Largometrajes a Concurso y el de Cannes , el Premio Una Mirada Incierta. También estuvo nominada a los Oscar como Mejor Película de Habla No Inglesa.

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Publicado por en junio 30, 2017 en Cine