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Arthur Penn (1.922-2.010). Un cineasta poco prolífico, pero muy interesante.

Después de sus estudios secundarios, Arthur Penn tiene un primer contacto real con el espectáculo en el Teatro del Ejército, donde trabaja de 1.943 a 1.946. Reanuda sus estudios literarios tras la guerra, entra en la televisión en 1.951 como regidor, y debuta como realizador al año siguiente. El teatro le atrae tanto como la cámara así que escribe tres obras dramáticas para televisión antes de poner en escena numrosos éxitos de Broadway. Toma partido por el cine en 1.957 con El zurdo. Desde entonces, Arthur Penn compagina su carrera teatral y cinematográfica, sin prostituir su talento: 13 películas en 32 años.

Cineasta de una importancia considerable en el cine americano, fue el primero en consumar la ruptura con el Hollywood de entonces, imponiéndose como un intelectual maduro de cultura clásica e influido por el cine europeo. De todas maneras, si Penn rompe con un cierto estilo hollywoodiense, que imponía una psicología fácil, una dirección de actores codificada y una conducta narrativa detalladamente regularizada, no cambia la tradición. Al contrario, siempre se ha referido a las  estructuras de los géneros existentes, por diferenciarse  en la manera de tratarlos y de renovarlos desde el interior.

En el marco del western (El zurdo, Pequeño gran hombre y Missouri) y del policíaco (Bonnie & Clyde, La noche se mueve), impone una alternancia de lirismo e ironía que se neutralizan  pero se realzan entre sí. Dentro de un contexto tradicionalmente viril y monolítico, Penn introduce el desgarro interior, la duda y el caos como constantes. Despoja la violencia del código que Hollywood  le ha impuesto para devolverle su sentido de manifestación brutal, primitiva e irracional. Esta violencia parece ser el único medio que sus héroes inmaduros, adolescentes prolongados o que no han podido resolver su relación con el padre, conocen para quejarse de su existencia.

Tanto en El milagro de Anna Sullivan (1.962) como en La jauría humana (1.966), los marginados (Patty Duke, Robert Redford) como los educadores y los privilegiados, se comportan de una manera violenta y primitiva. Esto se debe a que Penn considera que el estado salvaje del ser humano permanece en toda civilización.

Dentro de su filmografía, encontramos dos obras muy peculiares: Acosado (MIckey One,1.965) y El restaurante de Alicia (1.969). La primera puede entenderse como una parábola kafkiana filmada a la manera de un cineasta francés de la Nouvelle Vague. El resturante de Alicia emerge en plena explosión hippie: trabajando a fondo en  la efervescencia del momento, Penn observa el movimiento hippie tanto con serenidad como con crispación, y también con una rigidez fúnebre, anticipando ya su fin.En estas dos películas, la violencia es más indirecta: se expresa más por el ambiente que por el comportamiento.

Estas 13 películas forman un conjunto coherente y desigual a la vez. Coherente en cuanto al propósito: Penn no deja de manifestar su conciencia de lo oscuro y su necesidad de luz y calma. Desigual a juzgar por su resultado: pocas de sus películas tienen un ritmo regular, lo que no es sorprendente en una obra en la que el desequilibrio es uno de los hilos conductores.

La aparente desigualdad no enturbia la importancia del trabajo de Penn, director de actores inspirado y técnico de geniales intuiciones. Al contrario, es la prueba irrefutable de su rigor, su honradez y de la originalidad de su obra. Arthur Penn fue un auténtico cineasta moderno.

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El zurdo (1.957).

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El milagro de Anna Sullivan (1.962).

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Acosado (MIckey One,1.965).

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La jauría humana (1.966).

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Bonnie & Clyde (1.967).

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El restaurante de Alicia (1.969).

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La noche se mueve (1.975).

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Target: Agente doble en Berlín (1.985).

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Arthur Penn (1.922-2.010).

 

Filmografía:

El zurdo (1.957).

El milagro de Anna Sullivan (1.962)

Acosado (Mickey One) (1.965)

La jauría humana (1.966).

Bonnie & Clyde (1.967).

El restaurante de Alicia (1.969).

Pequeño gran hombre (1.970).

La noche se mueve (1.975).

Missouri (1.976).

Georgia (1.981).

Target: Agente doble en Berlín (1.985)

Muerte en Invierno (1.987).

Penn & Teller Get Killed (1.989)

Lumiere y compañía (1.995)

Inside (1.996) (TV).

Fuente: Jean Loup Passek. Diccionario del Cine. Ediciones Rialp. 

 

 
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Publicado por en noviembre 13, 2019 en Cine

 

Costa-Gavras (1.933). Cine de alta calidad que defiende causas justas.

Konstantinos Gavras, más conocido como Costa-Gavras (Lutra-Iraias, Atenas, 13 de febrero de 1.933) es un director de cine griego de nacimiento y francés de adopción.

Cada película que dirige le sirve para hacer patente su compromiso político. En su primer época se dedicó al thriller político y el drama sentimental, en los últimos años  se dedica más a la ficción social.

Cuando dejó Atenas para dirigirse a París, se licenció en Literatura. Luego entró en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos (IDHEC) y trabajó de ayudante de directores como Henri Verneuil, Jacques Demy o René Clément.

La película Le Jour et L`heure, de Réne Clement, en la que trabaja de ayudante le permite conocer a Yves Montand y Simone Signoret, con los que  trabará una amistad duradera. Tras leer el libro Los raíles de la muerte, de Sébastien Japrisot, escribió el guión y consiguió interesar al productor Julien Derode. La película tuvo un gran éxito en Francia e incluso en los Estados Unidos, en donde recibió unas buenas críticas.

Tras una estancia en Grecia, conoce el libro de Vassilis Vassilikos, Z, en el que se reconstruye el asesinato de un líder de izquierdas por parte de la policía, y el intento por parte de esta de disfrazarlo de accidente. En cuanto vuelve a Francia, escribe el guión con Jorge Semprún. Al no encontrar financiación, habla con el actor Jacques Perrin, al que conocía de la película Los raíles de la muerte Aprovechando esta ocasión, Perrin crea su propia productora para montar la película y utilizar sus contactos, en especial los que tenía en Argelia, país donde finalmente se rodará la película. Jean Louis Trintignant aceptó trabajar con una baja remuneración, y lo mismo hizo Yves Montand. La película tuvo un enorme éxito en todo el mundo, con el público aplaudiendo al final de las representaciones; obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes, los Oscar a la mejor película extranjera y al mejor montaje.

Tras el montaje de Z, una Nochebuena, Claude Lanzmann le habla de Lise y Arthur London que había sido viceministro de Asuntos Exteriores de Checoslovaquia y era uno de los tres fugados de los procesos que se habían llevado a cabo en Praga en 1.951 (Juicio de Slansky). El proyecto se titula La confesión, y tras el éxito de Z, consigue dinero para llevarlo a cabo. De nuevo, Yves Montand se involucra en el proyecto.

La película narraba las purgas estalinistas en Checoslovaquia, desde el punto de vista de una de sus víctimas, Arthur London, que a diferencia de otros, sobrevivió a los procesos. La confesión tuvo un gran éxito y se convirtió en un auténtico fenómeno político y cultural, marcando una época.

En 1.973 rodó una de sus mejores películas, Estado de sitio, sobre el progresivo autoritarismo en que fue cayendo la democracia uruguaya con el pretexto de combatir a la guerrilla urbana Tupamaros. El filme se rodó en Chile, poco antes de que en ese país se produjera el Golpe militar. El filme mostraba claramente como en Uruguay, a pesar de ser una “democracia” existían centros de detención y tortura, y como el Departamento de Estado norteamericano y la CIA enviaban a expertos en tortura para que asesorasen en esa materia a los militares y cuerpos de seguridad uruguayos y de otros países iberoamericanos. Además, está basada en hechos reales, pues se narra el secuestro y posterior asesinato del agente de la CIA (y asesor en torturas) Dan Mitrione por los Tupamaros. Costa-Gavras volvió a contar con Montand, quien interpretaba a Mitrione.

En Sección especial, mostró el colaboracionismo del Gobierno de Vichy con los ocupantes alemanes.

La película Clair de femme (1.979) está basada en una novela de Romain Gary, quién opinó que por primera vez estaba satisfecho con la adaptación a la pantalla de una de sus obras.

El guión de la película Missing (Desaparecido), de 1.982, está basado en el libro de Thomas Hauser La ejecución de Charles Horman, basado a su vez en una historia real. La película cuenta la historia de la desaparición de un joven periodista estadounidense durante el golpe de Estado que derrocó al Gobierno constitucional de Salvador Allende en Chile. La película levantó una gran polémica en Estados UNidos, puesto que puso de manifiesto la implicación de los agentes del Gobierno estadounidense y la responsabilidad de la CIA en ese Golpe de Estado. La derecha estadounidense exigió que ese comunista europeo no trabajara más en el país. Sin embargo, la película consiguió la Palma de Oro y el Premio a la mejor interpretación masculina para Jack Lemmon en el Festival de Cannes, y el Óscar al mejor guión. Las universidades estadounidenses siguen estudiando esta película como una de las más importantes.

Al año siguiente realizó Hanna K, un filme que muestra la tragedia del pueblo palestino, obligado a vivir bajo la humillante colonización de las autoridades israelíes. Y como no, fue tachada de antisemita por los voceros del sionismo, y reducida al silencio y condenada al olvido.

El sendero de la traición hablaba sobre las organizaciones supremacistas en Estados Unidos y mostraba los sentimientos fascistas y racistas de la gente de las pequeñas localidades del sur.

En La caja de música abordaba el espinoso asunto del pasado filo-nazi de muchos ciudadanos anónimos que durante la II Guerra Mundial nutrieron las filas de movimientos fascistas nacionales de forma totalmente voluntaria. Esos movimientos fascistas locales solían colaborar con las autoridades alemanas de ocupación y compartían con estas el odio antisemita.  En este filme se acusa al padre de la protagonista, una abogada interpretada por Jessica Lange, de haber sido miembro de la Cruz Flechada, organización fascista húngara muy activa en los años 1.930 y durante la II.Guerra Mundial. La protagonista tendrá que investigar que hay de cierto o de falso en esas acusaciones. Se trata de una excelente película y su éxito lanzó a la fama al magistral actor alemán Armin Mueller-Stahl.

En Amén (2.002) denunció la complicidad de El Vaticano en general y de Pío XII con el nazismo, mientras este régimen estaba asesinando en los campos de exterminio a millones de seres humanos (prisioneros de guerra soviéticos, civiles polacos, judíos, gitanos, homosexuales,Testigos de Jehova,etc). Eso queda muy claro en una escena en la que se muestra a Pío XII más preocupado por dar de comer a sus periquitos y por sus finanzas que por condenar los genocidios perpetrados por el III Reich, algo que sin duda no parece apetecerle demasiado.

Costa-Gavras mostró las angustias de los parados en Arcadia (2.004) y  de los inmigrantes en Edén al Oeste (2.009) y la voracidad de los banqueros en El capital (2.012). En palabras del desaparecido crítico de cine Diego Galán, “su cine compone una crónica política de las principales páginas del siglo pasado…y que aún continúa reflejando el presente”. La semana del cine de Valladolid en 2.003 y el festival Lumiére de Lyon en 2.015 dedicaron a este director amplias retrospectivas.

Galardones obtenidos.

  • Por Z en 1.969:
  • Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1.969; 

Óscar a la mejor película de habla no inglesa y al mejor montaje.

Por Missing (Desaparecido) en 1.982:

  • Palma de Oro y Premio a la mejor interpretación masculina en el Festival de Cannes de 1.982;
  • Óscar al mejor guión adaptado.

Por La caja de música en 1.989:

  • Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín.

Por Amén (2.002):

  • César al mejor guión original en 2.003.

Orden de las Artes y las Letras de España en 2.011.

Actualmente tiene en cartel Adults in the room (Comportarse como adultos), basada en el libro homónimo de Yanis Varoufakis.

 

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Z (1.969).

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La confesión (1.970).

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Estado de sitio (1.973).

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Sección especial (1.975).

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Missing (1.982)

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Hanna K (1.983).

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El sendero de la traición (1.988).

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La caja de música (1.989).

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Mad City (1.997).

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Amén (2.002).

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Arcadia (2.004).

Imagen relacionada

Costa-Gavras (1.933).

Otras películas:

Consejo de familia (1.986).

Pour Kim-Song Man, Corée du Sud (1.991).

Le petite apocalypse (1.993).

Les Kantobals (1.995).

Lumiere y compañía (Documental) (1.995).

 

 
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Publicado por en noviembre 4, 2019 en Cine

 

John Frankenheimer (1.930-2.002). Probablemente el mejor director de thrillers que ha habido.

El post de hoy es para uno de los directores que más me han gustado: John Frankenheimer. Sus películas tienen un nivel muy superior al de la mayoría de sus contemporáneos que también han realizado thrillers. Había algo en su manera de dirigir y en el tratamiento que daba a sus historias que le hacían único a la hora de narrar historias de acción. Sus películas pueden ser muy distintas, pero la agilidad del relato y la manera tan envolvente que tenían de atrapar al espectador, hacen que el sello de su autor se reconozca enseguida. A día de hoy, ninguna película suya me ha decepcionado. Eso sólo me ha ocurrido que yo recuerde con dos directores: él y Robert Aldrich.  Creo que si los nuevos talentos de Hollywood quieren contar historias de acción que resulten al tiempo entretenidas y profundas, ágiles y maduras, y sobre todo conseguir un producto comercial, pero sin renegar de su propia personalidad, no creo que encuentren un modelo mejor que John Frankenheimer. En cierto modo, Frankenheimer ha sido al thriller cinematográfico lo que Frederick Forsyth o Ken Follet al thriller novelesco. Alguien que siempre tenía una historia sólida y apasionante que contar al público.  A continuación, traigo una mini-biografía que he extraído de Wikipedia sobre este gran autor.

John Frankenheimer (19 de febrero de 1.930-6 de julio de 2.002) fue un director de cine y televisión y productor estadounidense, ganador de numerosos premios internacionales por sus películas consideradas clásicas.

En la década de 1.950 dirigió cerca de 140 episodios para series de la CBS, como Playhouse 90, Climax¡, Danger, You Are There o Studio One. Por eso se le suele considerar un realizador clave en la llamada “Generación de la televisión”, junto con los directores Robert Mulligan, Arthur Penn, Sidney Lumet, Martin Ritt y otros.

Su debut en la gran pantalla llegó en 1.957 con The Young Stranger, protagonizada por James McArthur como el joven rebelde. Esta primera película está basada en un capítulo que Frankenheimer hizo para la serie Climax llamado “Deal a Blow”. Después de ello volvió a la televisión, hasta que en 1.961 regresó al cine con un proyecto titulado Los jóvenes salvajes, su primer éxito, en el que trabajó por primera vez con Burt Lancaster, iniciando lo que sería una larga y fructífera relación.

El hombre de Alcatraz.

Su siguiente proyecto, El hombre de Alcatraz, fue producto de la insistencia de Lancaster. El actor, también productor, había comenzado el pr0yecto en 1.961 con otro director, pero lo despidió y pidió a Frankenheimer que se hiciera cargo del rodaje.

Uno de los problemas de El hombre de Alcatraz era la extensión del guión. De hecho, la duración de la película una vez acabado el rodaje era de cuatro horas y media. Frankenheimer se metió en el montaje para recortar el metraje y que quedase coherente. Incluso tuvo que pedirle a Lancaster que volviese a rodar ciertas escenas. Finalmente, el filme sería estrenado en 1.962, siendo un éxito de público y nominada a cuatro Óscar, incluyendo la actuación de Lancaster. Después del éxito de El hombre de Alcatraz dirigiría All Fall Down (1.962), un duro drama familiar sobre un gigoló maltratador inspirado en la novela homónima de James Leo Herlihy (futuro autor de Midnight Cowboy, 1.965) y protagonizado por Warren Beatty, Eva Marie Saint, Angela Lansbury y Karl Malden. Sería despedido por el productor John Houseman, aunque el filme finalmente se estrenó.

El mensajero del miedo (The Manchuarian Candidate, 1.962).

El argumento de la película muestra a dos ex-combatientes de la Guerra de Corea, el sargento Raymond Shaw (Laurence Harvey) y el comandante Benett Marco (Frank Sinatra), que había sido capturado en el frente. El filme sería nominado para dos Óscar, entre ellos el de mejor actriz de reparto para Angela Lansbury.

La película no fue estrenada durante meses. La leyenda urbana cuenta que fue retirada de la distribución debido a sus similitudes con el complot que provocó el asesinato de Kennedy. Posteriormente, Frankenheimer explicó en un libro, que las razones reales por las cuales no se estrenaría hasta meses después fue debido a la lucha entre los estudios a causa del sueldo de Sinatra.

Siguientes proyectos.

Después de El mensajero del miedo, siguió con el thriller político con Siete días de mayo (1.964). Una nueva versión del best-seller de Charles Bailey II y Fletcher Knebel, producida por Kirk Douglas. En la película, un general, subordinado del Jefe del Estado Mayor Conjunto,se enfrentará a  este , cuando descubra que  pretende organizar un Golpe de Estado contra el Presidente, debido a que  aquel quiere cerrar un acuerdo de desarme con los rusos. La película cuenta con un espléndido reparto que incluye a Kirk Douglas, Burt Lancaster, Ava Gardner, Fredric March , Edmond O`Brien y Martin Balsam. Fue un éxito y estuvo nominada a dos Óscar.

El siguiente filme sería El tren, un nuevo proyecto de Burt Lancaster como productor asociado, que por diferencias personales despidió a Arthur Penn y le pidió a Frankenheimer que se hiciera cargo del rodaje. El director aprovechó la desesperación de la productora para negociar de forma ventajosa sus condiciones. Así, consiguió que nombre formara parte del título de credito “John Frankenheimer`s The Train”, el control final en toda la producción y un automóvil Ferrari.

En 1.966 se embarcó en el filme Plan Diabólico, protagonizado por Rock Hudson, que en su tiempo fue un fracaso de público y crítica, pero después se ha convertido en una de las películas más admiradas por la critica (convirtiéndose en un filme de culto) a causa de sus elementos expresionistas y existenciales y por su audaz tratamiento de la imagen. Trata sobre una organización clandestina que permite cambiar de identidad a quien lo paga mediante operaciones estéticas y la creación de un entorno vital.

Después llegaría Grand Prix, una de sus producciones más espectaculares, ambientada en las carreras de coches en Europa y protagonizada por James Gardner, Eva Marie Saint, Yves Montand y Toshiro Mifune. La película fue una revolución por lo que se refiere a tecnología cinematográfica, una tecnología que sería adaptada posteriormente a las retransmisiones futuras de automovilismo. Grand Prix fue un éxito internacional y ganó tres Óscar al mejor montaje, sonido y efectos de sonido.. Su siguiente película fue la comedia antibélica The extraordinary Seaman (1967), con David Niven, Faye Dunaway, Alan Alda y Mickey Rooney. Fue un desastre tanto de público como de crítica. Mejor suerte corrió El hombre de Kiev (1.968), sobre un judío en la Rusia zarista. La película tuvo mejor aceptación que su anterior trabajo, y su protagonista, Alan Bates, fue nominado al Óscar.

Su actividad no tuvo descanso. Inmediatamente después realizó Los temerarios del aire (1.969), un drama romántico sobre la llegada de unos paracaidistas a una pequeña localidad del Medio Oeste. En esta película volvió a contar con Burt Lancaster en el reparto, y junto a él, Deborah Kerr y Gene Hackman. El filme no tuvo la acogida que él quería, a pesar de que confesó que esta es una de sus obras preferidas.

Década de 1.970.

En la década de los 70, siguió siendo uno de los directores más solicitados por las productoras. En 1.970 realizó Yo vigilo el camino, con Gregory Peck y Tuesday Weld. Viajó a Afganistán en 1.971 para realizar Orgullo de estirpe, con Jack Palance y Omar Shariff, y después Sueños prohibidos (1.973), The Iceman Cometh, con Lee Marvin y Robert Ryan, y 99,4% muerto, con Richard Harris.

Indudablemente, su nueva etapa comenzó con la oportunidad de dirigir la segunda parte de French Connection (William Friedkin,1.971). Por sus conocimientos de la cultura francesa, fue el elegido para rodar íntegramente en Marsella. La secuela fue un éxito total y le permitió obtener el dinero y la credibilidad para su siguiente trabajo, Domingo negro (1.977).

 

La novela Domingo negro es la única obra de Thomas Harris que no tiene relación con Hannibal Lecter. El guión narra la historia de una agente del Mossad, interpretado por Robert Shaw (Desde Rusia con amor, El golpe, Tiburón), que intenta atrapar a una guerrillera palestina (Marthe Keller) y a un veterano de la Guerra de Vietnam (Bruce Dern), quienes planean cometer un atentado el día de la Super Bowl. La película no tuvo la acogida que se esperaba.

A los pocos meses  del estreno de Domingo negro, comenzó a tener problemas con el alcohol, que se agravaron con la preparación de su película Profecía maldita (1.979).

Eso provocó que en ocasiones la calidad de sus filmes se redujera en la década de los 80. Aún así en esa década realizó filmes tan estimulantes como El reto del samurai (1.982) o El pacto de Berlín (1.985). En cuanto a sus dos otros filmes en esa década, 52 Vive o muere (1.986) y Tiro mortal (1.989), pasaron bastante desapercibidos.

En 1.991 dirigió un muy interesante thriller con el secuestro de Aldo Moro como telón de fondo, El año de las armas, con Andrew McCarthy, Sharon Stone y Valeria Golino. En los 90 volvió a la televisión con obras como Contra el muro o The Burning Season. En 1.996 dirigió la adaptación de la novela de H.G.Wells, La isla del Doctor Moreau, con David Thewlis, Val Kilmer, Marlon Brando y Fairuza Balk. Aunque era bastante mejor que la chapucera versión que Don Taylor rodó en 1.977, la película no podía desde luego contarse entre los mejores títulos de su autor. Sin embargo, Frankenheimer pudo volver a brillar gracias a su siguiente trabajo, Ronin (1.998), un sólido, aunque excesivamente largo relato de espías ambientado en Francia, con Robert de Niro como protagonista, así como con Operación Reno (2.000), con Ben Affleck y Charlize Theron.

Su último trabajo fue el corto de 9 minutos Ambush (2.001), con Clive Owen.

Estaba en la lista de quienes podrían haber dirigido la precuela de El exorcista, pero murió repentinamente  por complicaciones debido a una operación de columna vertebral a la que se había sometido.

Fuente: Wikipedia.

Yo he visto 12 películas de John Frankenheimer y puedo decir que todas me han gustado y las recomiendo todas. Son las siguientes:

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El hombre de Alcatraz (1.962).

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El mensajero del miedo (1.962).

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Siete días de Mayo (1.964).

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El tren (1.965).

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Plan diabólico (1.966).

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French Connection II (1.975).

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Domingo negro (1.977).

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El reto del samurai (1.982).

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El pacto de Berlín (1.985).

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El año de las armas (1.991).

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La isla del Doctor Moreau (1.996).

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Ronin (1.998).

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John Frankenheimer (1.930-2.002).

 
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Publicado por en noviembre 2, 2019 en Cine

 

Las mejores películas de Cristian Mungiu. El más internacional de los directores rumanos.

He visto recientemente una película que me ha encantado. Se trata de Los exámenes, dirigida en 2.016 por Cristian Mungiu. La película te atrapa desde el primer momento, pues desde que comienza están sucediendo cosas y unas situaciones van dan lugar a otras, con lo que todo lo que les ocurre a los personajes-y en especial a su desdichado y abrumado protagonista-te afecta. La historia nos muestra un país donde no hay futuro para nadie y donde lo mejor que pueden hacer los jóvenes con alguna titulación superior e idiomas es irse a vivir a la Europa desarrollada para poder optar a la vida digna que la realidad de la Rumania actual les niega. Se nos muestra además que el país latino se caracteriza por la cultura de los enchufes, las corruptelas y los amaños. Es decir, que todo el mundo hace trampas para salir conseguir sus fines, o simplemente para sobrevivir. Y de esa dinámica tan enraizada socialmente, es imposible salir.El panorama que muestra la cinta, sobre todo a nivel de sus personajes es desolador. Unos están desmoralizados y ya no esperan nada de la vida-como la esposa del protagonista, que se pasa la vida fumando sentada en la cocina-otros se ven con un futuro muy difícil, y a otros no paran de sucederles desgracias y contratiempos (caso del protagonista). Lo que cuenta no es tan lejano, pues España lleva ese nefasto camino desde hace bastante tiempo. De hecho, hay muchísimos españoles que se han ido a vivir al mundo desarrollado, porque España les niega cualquier perspectiva de futuro. Es muy fácil identificarse con los personajes.

Hace ya bastantes años vi otras dos películas de Cristian Mungiu. Primero vi 4 meses, 3 semanas,2 días (2.007), película que narraba las situaciones dramáticas que acarreaba la prohibición del aborto en la Rumanía comunista. La historia era muy dura e impactante, y me atrapó desde el primer momento. Destilaba realismo y autenticidad en cada plano. Me sentí muy satisfecho después de la proyección, no sólo por lo mucho que me había gustado, sino también porque al fin había conseguido ver una película procedente de Rumanía, un país que siempre me había intrigado muchísimo.

Poco tiempo después acudí a ver su siguiente película, Historias de la edad de oro (2.009). Me gustó tanto que incluso escribí sobre ella en alguna parte. Esta era una colección de episodios entre surrealistas y tragicómicos sobre la vida cotidiana en la época de la dictadura de Nicolae Ceacescu. Al mismo tiempo, la cinta destilaba cariño hacia sus personajes e incluso cierta nostalgia.  A pesar de durar 2 horas y tres cuartos, no se me hizo larga.

Y durante más de una década no volví a tener noticia ni de Cristian Mingiu ni del cine rumano, hasta que casualmente, hace poco cayó en mis manos, una revista de cine en la que se hablaba del cine rumano contemporáneo, y como no, de Mingiu. Descubrí que además de las dos películas anteriormente mencionadas, también había otra editada en España, Los exámenes. La vi y me encantó.

Filmografía completa de Cristian Mungiu.

Los exámenes 2016             Director.

Más allá de las colinas 2012 Director

Historias de la edad de oro 2009 Director

4 Meses, 3 semanas,2 días   2007 Director

Occident          2001       Director

Un caballero pasado de rosca 1999  Asistente primero de dirección.

El tren de la vida 1998   Asistente de dirección

Capitán Conan  1996 Asistente de dirección

Imágenes de Los exámenes

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Imágenes de Historias de la edad de oro.

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Imágenes de 4 meses,3 semanas,2 días.

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Cristian Mungiu (Iasi, Rumanía,1.968).

 
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Publicado por en octubre 11, 2019 en Cine

 

David Fincher. Filmografía completa de uno de los directores más originales y de mayor calidad de Hollywood.

Hoy escribiré sobre uno de los directores cuyos trabajos son en mi opinión más sobresalientes en cuanto a calidad y que además han mostrado una mayor originalidad en cuanto a las temáticas de sus filmes. Se trata de David Fincher. Su filmografía no es larga ( tan sólo 10 películas en 27 años), pero sí coherente, sólida y variada. Asimismo, ha sido director de la serie de televisión House of Cards entre 2.013 y 2.018.

David Fincher empezó trabajando como asistente de producción para Korty Films. Ascendió a productor de efectos visuales trabajando en la película animada Twice Upon a Time (1.983).  Ese mismo año fue contratado  por Industrial Light & Magic, donde se desempeño como camarógrafo y asistente de fotografía, trabajando en El retorno del Jedi (1.983) e Indiana Jones y el templo maldito. En 1.984 dejó la ILM para dirigir un anuncio de la American Cancer Society que mostraba a un feto fumando un cigarro. Este anuncio atrajo la atención de algunos productores de Los Ángeles, dándole a Fincher la oportunidad de dirigir el documental The Beat of the Live Drum, con Rick Springielfd en 1.985. Fincher continuó realizando spots publicitarios para empresas como Levi`s. Converse,Nike,Pepsi,Revlon,Sony,Coca-Cola y Chanel. Más tarde dirigió el videoclip de la canción  “We dont have to take our clothes off”, del cantante Jermaine Stewart, y trabajó con Madonna, dirigiendo varios de sus vídeos musicales como “Express Yourself”, “Oh Father”, “Vogue” y “Bad Girl”.

 

El debut de Fincher como director de largometrajes fue con Alien 3, en 1.992. A pesar de recibir una nominación al Oscar por sus efectos visuales, la película no fue bien recibida por la crítica. Fincher se vio involucrado en varias disputas con la 20th Century Fox por cuestiones de guión y presupuesto. Fincher siempre ha culpado a los productores por desconfiar de él. Tras esta mala experiencia, dejó el cine y volvió a dirigir vídeos musicales. Sin embargo, en 1.995, aceptó dirigir el guión de Andrew Kevin Walker para la película Seven a condición de que se conservase el final original del guión que había sido cambiado por Jeremiah Chechik, primer candidato a dirigir la película. Seven recaudó más de 100 millones de dólares a nivel nacional y más de 300 a nivel internacional.

Su siguiente película fue The Game (1.997), historia sobre un empresario que recibe un inusual regalo de su hermano menor, en el que se convierte en el protagonista de un extraño juego de rol. La película no fue bien en taquilla, pero sí fue bien recibida por la crítica.

En agosto de 1.997, Fincher aceptó dirigir la adaptación al cine de la novela de Chuck Palahniuk El club de la lucha. La película cuenta la historia de un empleado de oficina con insomnio que en un viaje de trabajo conoce a un anarquista y juntos abren un club clandestino dedicado a la lucha. Estrenada en 1.999, no funcionó bien en taquilla y en cuanto a la crítica, esta se mostró dividida. Años más tarde, la película comenzó a ser mejor valorada tanto por el público como por la crítica, convirtiéndose en una obra de culto.

En 2.002, Fincher dirigió La habitación del pánico, película que esta vez si funcionó bien en taquilla, recaudando más de 92 millones de dólares. La historia nos mostraba a una madre y su hija escondiéndose en una habitación de máxima seguridad en un edificio inteligente tratando de guarecerse del asalto a la vivienda perpetrado por tres delincuentes empeñados en conseguir una supuesta fortuna oculta en dicha habitación.

En marzo de 2.007, Fincher volvió a la dirección de largometrajes con Zodiac, una adaptación del libro de Robert Graysmith sobre la búsqueda del asesino del zodíaco, protagonizada por Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr. Fue la primera de las películas de Fincher  que se rodó digitalmente. La película funcionó mejor fuera de Estados Unidos donde recaudó más de 50 millones de dólares que en el propio país, donde sólo llegó a 33 millones. Eso sí, la crítica se deshizo en elogios considerándola la mejor película del año junto con There will be blood, de Paul Thomas Anderson y No es país para viejos, de Joel y Ethan Cohen.

Su siguiente filme, El curioso caso de Benjamin Button (2.008), adaptación del relato homónimo de Francis Scott Fitzgerald, recibió 13 nominaciones a los Óscar. Finalmente obtuvo 3: Mejor Dirección Artística, Mejor Maquillaje y Mejores Efectos Visuales.

En 2010 dirigió La red social, acerca de las batallas legales de Mark Zuckerberg y la fundación de Facebook. La película ganó varios premios, entre ellos 4 Globos de Oro-incluidos Mejor Película y Mejor Guión-, tres premios BAFTA-incluyendo el de Mejor Dirección y tres Óscar (Mejor Guión Adaptado, Mejor Música Original y Mejor Montaje).

En 2.011 dirigió el remake estadounidense de Los hombres que no amaban a los mujeres, la famosa novela de Stieg Larsson. La película recibió cinco nominaciones a los Óscar, ganando finalmente el de Mejor Montaje.

En 2.014 realizó la adaptación de la novela de Gillian Flynn, Perdida, protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike. Fincher firmó un contrato para dirigir tres series con HBO- Utopía, Shakedown y Living on Video. Sin embargo, disputas presupuestarias entre HBO y Fincher llevaron a la cancelación del proyecto en julio de 2.015.

Fincher es productor ejecutivo y director de la serie de televisión de Netflix House of Cards. La serie ha recibido elogios de la crítica, recibiendo nueve nominaciones a los Premios Primetime Emmy, incluyendo Mejor Serie Dramática. Fincher ganó el premio en la categoría de Mejor Dirección de una Serie Dramática por el primer episodio.

Fincher dirigió otra serie de televisión de Netflix, Mindhunter. La serie se centra en el desarrollo de los perfiles psicológicos de los asesinos en serie desarrollados por el FBI en la década de 1.970. En 2.019 volvió a trabajar como productor ejecutivo, esta vez en la serie animada de Netflix Love, Death & Robots.

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Alien 3 (1.992).

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Seven (1.995).

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The game (1.997).

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El club de la lucha (1.999).

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La habitación del pánico (2.002).

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Zodiac (2.007).

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El curioso caso de Benjamin Button (2.008).

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La red social (2.010).

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Los hombres que no amaban a las mujeres (2.011).

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Perdida (2.014).

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House of Cards (2.013-2.018).

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Mindhunter (2.017).

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David Fincher (Denver, Colorado,1.962).

 
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Publicado por en septiembre 30, 2019 en Cine

 

Shame (Steve McQueen, 2.011). Una contundente película sobre la adicción al sexo y la incomunicación.

Segunda película del director Steve McQueen, Shame nos acerca al terrible mundo de la adicción, la soledad y el vacío existencial. El protagonista,Brandon, al que interpreta el siempre convincente Michael Fassbender (300, Prometheus, El consejero), es un aparente triunfador atrapado en la espiral de la adicción al sexo. Esta adicción en el caso del varón se llama Satiriasis y es el equivalente masculino de la Ninfomanía. Pero además de lo terrible de esa adicción-terrible como todas las adicciones,pues estas nos vuelven totalmente improductivos-, el personaje sufre bloqueo afectivo. Es incapaz de gestionar sus sentimientos y de establecer una comunicación correcta con los demás. Su vida está vacía y no parece tener mucho sentido. Su mirada, entre triste y pérdida, nos hace pensar en la deshumanización de las sociedades actuales. Unas sociedades en las que cuanto más progresa la tecnología, más dificultades tenemos para relacionarnos con los demás. Además, la inmensidad de las grandes urbes-megalópolis debierámos llamarlas- acentúa la atomización del cuerpo ciudadano. Al infierno de la espiral adictiva se una la inesperada irrupción en el relato de la hermana del protagonista. Un ser inmaduro, dependiente y desequilibrado que vendrá a poner patas arriba el aparentemente estable mundo de él.

La frialdad de él corre en paralelo con la de los principales lugares donde transcurre su vida: su piso y su lugar de trabajo. Ambos son también fríos e impersonales, a pesar de la luminosidad del primero. La escena que mejor describe a Brandon es la de su cita en el restaurante con Marianne, una compañera de trabajo. Le cuesta mirar a la cara y sostener una conversación. En las relaciones con los demás, Brandon los utiliza para un fin-caso de las mujeres con las que mantiene relaciones sexuales, sean prostitutas o no- o bien soporta a los demás, cuando por las circunstancias no le queda más remedio (caso de su hermana y su jefe).

En definitiva, Shame es una película muy recomendable, tanto por la originalidad de su temática como por el tratamiento de esta, además del hecho de que cuando termina la proyección nos deja reflexionando sobre las sociedades en que nos ha tocado vivir, y nos viene a demostrar una vez más, que el cine independiente estadounidense, goza de muy buena salud y tiene mucho que seguir contando. Destacar por otra parte, el muy convincente realismo que preside toda la cinta así como las muy logradas interpretaciones de sus dos protagonistas, Michael Fassbender y Carey Mulligan (Wall Street: El dinero nunca duerme,Drive, Buscando a Lewellyn Davis).

Desde luego, McQueen con su capacidad para hacernos sentir incómodos con situaciones enervantes en este filme, ya demostraba aquí sus dotes como cineasta que más tarde le llevarían a obtener infinidad de premios con 12 Años de esclavitud (2.013).

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Publicado por en septiembre 19, 2019 en Cine

 

La palabra (Carl Theodor Dreyer, 1.955). Una obra maestra que aborda temas como la Fe, la muerte o la felicidad.

Este sábado pasado pude disfrutar de una de las mejores películas de la Historia del Cine. Se trata de La palabra (Ordet), dirigida en 1.955 por Carl Theodor Dreyer (1.889-1.968). Dreyer a lo largo de su obra trató en numerosas ocasiones el tema de la Fe. No es que su cine sea especificamente religioso, pero si se encarga de mostrar el sentimiento religioso como uno de los que más definen (o definían) al ser humano. En La palabra contemplamos la Fe como fenómeno individual, vivida a nivel personal por diferentes personas e interpretada de maneras muy distintas. Eso llevará a la enemistad entre las dos familias protagonistas del filme. Mientras que para una, el cristianismo es una corriente optimista y vital, para la otra se recurre a una interpretación integrista basada en conceptos como el castigo, la culpa o el dogmatismo en cuanto a la interpretación de los textos.  Esta enemistad a consecuencia de diferencias religiosas irreconciliables, tendrá negativas consecuencias, pues será un impedimento para que puedan unirse dos enamorados pertenecientes a ambas familias. A lo largo del filme, también se abordan temas como lo efímero o circunstancial de la felicidad. Efímero o circunstancial, porque en cualquier momento, una tragedia puede arrebatarnos a nuestro ser más amado. La muerte también planea sobre esta historia. Como no podía ser de otra manera, teniendo en cuenta el carácter ascético, y en ocasiones filosófico de la cinta. Y como telón de fondo, siempre presente, la locura, representada en uno de los tres hijos de la familia. La locura, quizás como representación de la incapacidad de los seres humanos para entender verdades demasiado complejas o dogmas que nos resultan inaprensibles.  Fe, felicidad, muerte,amor, locura, sectarismo religioso… todo está perfectamente encajado en este filme inigualable. Y es que además de lo bien llevada que está la historia de la familia protagonista y lo creíble que resulta la recreación de la Dinamarca rural del primer cuarto del siglo XX, hay que destacar la impecable factura técnica. El filme merece una matrícula de honor en los apartados de fotografía, iluminación y encuadres. Al decir encuadres, quiero decir el perfecto encaje o la perfecta distribución entre los actores y los muebles y decorados. en las sucesivas secuencias del filme.No recuerdo haber visto en muchos años una película con una perfección plástica como esta. En ciertos aspectos, La palabra parece tan próxima a las artes de la fotografía y la pintura como al propio cine. Tanto por su argumento y los temas tan humanos que trata,  como por su cautivadora estética visual, La palabra es una obra maestra imprescindible que debe ser recuperada para las nuevas generaciones. Nadie debería irse de este mundo sin haber disfrutado de esta joya. Películas como esta nos hacen reflexionar y madurar, pues nos abren la mente.

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Carl Theodor Dreyer.

 
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Publicado por en septiembre 4, 2019 en Cine