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La última tentación de Cristo (Martin Scorsese,1.988). Una película filosófica que aborda la figura de Jesús desde un punto de vista exclusivamente humano.

Ha habido muchas películas que han abordado la figura de Jesucristo desde las primeras décadas de la Historia del Cine hasta ahora. Desde la muy comercial y convencional Rey de Reyes (Nicholas Ray,1.961) hasta la muy reciente y original Resucitado (Kevin Reynolds,2016), pasando por la insufrible y soporífera El Evangelio según San Mateo (Pier Paolo Pasolini,1.964). Pero hay una que me parece totalmente diferente a todas ellas, y en mi opinión, la mejor. Diferente, porque aborda la figura de Jesús desde un punto de vista exclusivamente humano, despojándolo de toda asomo de divinidad.Se trata de La última tentación de Cristo, dirigida por Martín Scorsese en 1.988, y escrita por el gran Paul Schrader, que ya había escrito para Scorsese los guiones de las magistrales Taxi Driver (1.976) y Toro Salvaje(1.980).

Lo primero que hay que decir de este filme, es que como ya bien avisa el propio Scorsese, justo antes de su inicio, es que a diferencia del resto de películas sobre Jesús, esta no se basa en los Evangelios,sino en una novela escrita por Nikos Kazantzakis en 1.955. El punto de partida de la historia es el de la angustia que siente Jesús al saber que está destinado por su verdadero Padre,Dios, a morir en la cruz para de esa manera, redimir y salvar a la Humanidad. De esta manera, el filme adquiere un tono realista, donde todo lo sobrenatural queda reducido al mínimo. De hecho, el único elemento sobrenatural o mágico es la llama que se le aparece a Cristo en su etapa de meditación y ayuno en el desierto

.El mostrar esa angustia permanente del personaje y sus conflictivas relaciones con muchos de quienes le rodean, nos hace acercarnos mucho más a esta figura histórica que cualquier otra producción sobre ella. Entonces, al mostrar a las claras el carácter humano de Jesucristo, lo religioso se hace a un lado para dar paso a lo filosófico, y especialmente a lo existencial. Y es que La última tentación de Cristo, no es una película religiosa, sino filosófica, ya que Jesús se pregunta el porque de su trágico destino. Porque este Jesús que aparece aquí desearía ser como todos los demás hombres para escapar de tan temprana muerte y poder llevar una existencia completa y normal.

En el fondo, el miedo y la angustia ante la inevitabilidad de la muerte, y el verse rodeado de un entorno mayoritariamente hostil que no entiende su mensaje, son las las principales bases de la película. Y de esta forma, La última tentación de Cristo, se transforma en la película más personal e introspectiva de Scorsese, pues se mete en un registro totalmente diferente. Ni antes ni después ha hecho una obra tan profunda, intimista y radical como esta.

Todo esto hace del filme del cineasta neoyorkino una obra no asumible por toda clase de públicos. La película no es lenta ni aburrida, pues sigue una trayectoria narrativa muy lineal, pero resulta incómoda por los padecimientos e incomprensiones del personaje, y por lo desagradable de muchas situaciones que se muestran. Tampoco será fácil de ver para quienes vayan con una idea rígida e inamovible sobre la figura de Jesucristo y tengan un posicionamiento religioso dogmático. Y desde luego, quienes vayan con la idea de ver una de esas superproducciones bíblicas y/o  de romanos de las que se hacían en los años 50 y primeros 60, se van a llevar una gran decepción. De hecho, una de las cosas que más sorprenden de la película es su gran sencillez, pues está rodada mayoritariamente  en exteriores, apenas hay decorados y tampoco hay un número excesivo de extras. Todo ello fortalece la sensación de realismo histórico que intenta transmitir la cinta en todo momento. A ello también contribuyo lo limitado del presupuesto con que Scorsese se vio obligado a trabajar, pero quizás haya sido mejor así.

Esta película, como no podía ser de otra manera, suscitó las iras de los integristas cristianos,-especialmente los integristas católicos-, que llevaron a cabo amenazas e incluso atentados contra algunos de los cines donde se proyectaba. Todos estos fanáticos tenían en común que ninguno había leído la novela de Kazantzakis ni asistido a la proyección del filme. Les movía tan sólo el odio hacia lo diferente y el miedo hacia el hecho de que el público pudiera tener la oportunidad de descubrir a un Jesús distinto del que nos han contado las versiones oficiales.

Dicho todo esto, lo que más hace subir puntos a la película, es el tramo final en que se desarrolla aquella supuesta última tentación que padeció Cristo en sus últimas horas, y que da título a la obra. Es aquí donde el relato alcanza su mayor vigor e interés, y donde se produce la ruptura definitiva con el resto de filmes sobre Jesucristo. Y lo que transforma a la película del director italoamericano en verdaderamente revolucionaria. Cosa nada fácil, y que sólo un visionario con gran tenacidad como Scorsese podía llevar a cabo.

A lo largo del filme, su autor no olvida en ningún momento irnos mostrando algunos de los episodios más importantes de la vida del nazareno como el enfrentamiento con los mercaderes y los sacerdotes de la Ley Judía en el templo, la resurrección de Lázaro o la oración del huerto. Pero, todo con una verosimilitud inaudita. El reparto, por su parte realizó un trabajo encomiable, como prueban las excelentes interpretaciones de su magnífico elenco. Willem Dafoe, además se ha convertido hasta la fecha en el único actor cuya carrera no se ha hundido después de interpretar a Jesucristo, cosa que sí ha ocurrido con todos los demás que interpretaron al nazareno desde Jeffrey Hunter hasta Jim Caviezel, pasando por Robert Powell. Harvey Keitel lo borda con su papel de un Judas cerril y rígido incapaz de entender la estrategia de Jesús de vencer a los romanos por medio del Amor. Barbara Hersey, estupenda como María Magdalena, y nunca ni antes ni después, ha vuelto a estar tan guapísima como aquí. Harry Dean Stanton, el inolvidable secundario de tantas películas, y protagonista de París-Texas, memorable en su corto papel como el retorcido Saúl, y para terminar, la breve, pero contundente interpretación de David Bowie como Poncio Pilatos. Por cierto, ni Harvey Keitel ni David Bowie cobraron un céntimo por su participación en el filme. Hicieron ese sacrifico, con tal de que el filme,-con un presupuesto ajustadísimo-, saliese adelante.

La última tentación de Cristo es una obra para ver relajadamente y bastante concentrado. Y preferentemente, para ir parándola de vez en cuando para tomar notas, y reflexionar sobre lo que se está viendo. Debido a su larga duración (155 minutos), es preferible, verla en dos tramos, y con calma, pues es una película para el análisis y la reflexión, y no para el espectáculo. Si la ven así, y hacen caso a mis advertencias anteriores, seguramente cuando la vean, la sepan apreciar en toda su magnitud.

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Publicado por en enero 17, 2018 en Cine

 

Recomendaciones cinematográfica y literaria para esta semana: The Disaster Artist (James Franco,2017) y El hombre que fue Jueves(G.K.Chesterton,1.908).

Esta semana he disfrutado de dos joyas, una cinematográfica, y la otra un clásico literario.

La película en cuestión, es The Disaster Artist, aquí estrenada el pasado día 29. Esta dirigida y protagonizada por James Franco,-sin duda una de las figuras más interesantes y con más cosas que decir del actual panorama hollywoodiense- y trata sobre el rodaje de la que para muchos ha sido la peor película realizada hasta la fecha: The Room (Tommy Wiseau,2.003).

Al tratar sobre un perdedor que está convencido de tener un talento desbordante, pero que sólo consigue hacer una chapuza sin igual, el filme recuerda inevitablemente a la estupenda Ed Wood (Tim Burton,1.994). La tragedia de Wiseau, es que a diferencia de Ed Wood que realizó unas cuantas películas, él no supo o no pudo continuar su carrera,-aunque quizás ahora con la cinta de James Franco, este aprovechando el tirón comercial respecto a su figura para rodar otro proyecto. Llevaba algunos años leyendo opinones,-por lo general, nefastas sobre The Room-, pero no me animaba a verla. Hasta que me enteré del proyecto que estaba realizando Franco, y entonces decidí que había que ver ambas películas, The Room, primero, y Disaster Artist, después, pues así se entiende y disfruta mucho más la segunda. The Room se puede ver online en versión original subtitulada en español.

Uno de los aspectos más meritorios del trabajo de Franco ha sido la reproducción hasta la completa exactitud de los decorados y vestuario que se utilizaron en el rodaje de The Room. En ese sentido, la laboriosidad del director-actor es encomiable. Utlizando el libro autobiográfico de Greg Sestero,-actor coprotagonista y amigo de Tommy Wiseau-, Franco no sólo recrea con gran precisión el rodaje de aquel desastroso filme, sino que nos muestra como se conocen y colaboran dos personalidades tan dispares como Wiseau y el propio Sestero, dos outsiders que sólo tienen en común su “amor” por la interpretación. La historia tiene un gran interés porque nos muestra a dos infelices tratando de sobrevivir en la inhumana jungla de la industria de Hollywood. En todo momento, el relato mantiene vitalidad y consigue que la figura de Wiseau nos atrape, aunque no compartamos su manera de actuar. Hay momentos realmente divertidos, sobre todo en su parte final, donde es imposible dejar de reírse. Y es que da la impresión de que James Franco hubiese conocido en persona a Tommy Wiseau por lo bien que parece conocerle, por el inmejorable acierto con que le retrata.

Desde luego, The Disaster Artist no es un insulso biopic más al uso, sino una notabilísima tragicomedia, fresca e hiriente, arrolladora y divertida, y al misma tiempo, tremendamente humana.Una estupenda producción que estoy seguro no se arrepentirán de ver.

PD: Atención a los pequeños papeles de Melanie Griffith y Sharon Stone,

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El clásico literario es El hombre que fue Jueves, una entretenidísima novela policíaca con tintes de aventuras escrita por ese gran maestro de las letras británicas que fue Gilbert Keith Chesterton (1.874-1.936). Una historia donde Chesterton hacía locuras con la narración desconcertándonos constantemente sin dejar de divertirnos. La trama policial da numerosos giros, en los que el autor mostraba una imaginación ilimitada que le hacía valerse del recurso a diversos géneros en un sólo libro. Así, El hombre que fue Jueves, alterna el relato policíaco, las aventuras, la comedia negra y ácida y el suspense, a la vez que sutilmente da unas pinceladas a la situación política y social de la época. Chesterton sigue hoy más vivo que nunca y se le recuerda no sólo por su incontables artículos periodísticos, relatos cortos y novelas, sino también y sobre todo, por sus certeras e ingeniosas frases. El hombre que fue Jueves es una novela muy ágil, pero precisamente por la rapidez del relato que apenas da tregua al lector conviene leerla bastante concentrado y sin grandes preocupaciones en la cabeza. Quizás a algunos, les disguste el giro final, pero en conjunto, es una muestra  notable de ingenio creativo y habilidad narrativa y descriptiva a partes iguales.

A 110 años de su publicación, la novela sigue conservando la frescura y lucidez de entonces.

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Publicado por en enero 7, 2018 en Cine, Literatura

 

Delicatessen (Jean Jeunet y Marc Caro,1.991). Una maravilla fílmica que destila genialidad en cada secuencia.

Si la calidad de las películas se midiese por la originalidad, la creatividad y la genialidad de cada secuencia, o dicho de otra manera por la imaginación e innovación puesta en cada secuencia, entonces Delicatessen (1.991) merecería ser la mejor película de la Historia. Porque no hay una sola secuencia que no sea novedosa y deslumbrante. Nunca antes había visto un filme que me estuviese dando sorpresas continuamente. Recuerdo haber visto Delicatessen hace un cuarto de siglo. Alguien me la regaló y me gustó, pero que es que ahora tantísimo tiempo después, me ha encantado y me he percatado de multitud de genialidades que entonces no aprecié en toda su intensidad.

Estamos ante una obra feista, por tanto que el universo que nos presenta es el de lo grotesco,inquietante y la antitesís de lo glamuroso. Se nos muestra una Francia atemporal donde la gente se muere de hambre y un edificio poblado por un grupo de vecinos pintorescos y siniestros que viven en un universo claustrofóbico y surrealista. Y es que Delicatessen nos hace un recorrido por un mundo que oscila entre lo real-maravilloso y lo terrorífico con extrema habilidad.

El delirante guión nos hace penetrar en un mundo que sin llegar a pertenecer directamente al género fantástico, comparte bastantes cosas con él. Es una comedia negra que a pesar de lo disparatado de sus personajes y su argumento, nos hace ver inquietantes aspectos de realismo. Lo cómico y lo macabro se combinan a la perfección. La sorprendente variedad cromática que utilizan los autores del filme , en especial en el interior de  los apartamentos que componen el edificio es  todo un hallazgo. En ese aspecto merece destacarse la escena del ermitaño que vive rodeado de descomunales goteras compartiendo su infravivienda con ranas y caracoles, con ese claro predominio del verde y que probablemente sea la mejor escena del filme.Por otra parte, en cuanto a la inolvidable  pareja de tragicómicos antihéroes, interpretada por Dominique Pignon y Marie-Laure Dougnac, tenemos la certeza de que permanecerán en nuestra memoria durante muchos años, quizás para siempre.

Mi recomendación es que la vean y la disfruten porque películas así se hacen muy pocas. Y en los tiempos que nos ha tocado vivir, todavía menos.

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Publicado por en enero 5, 2018 en Cine

 

¿Victor o Victoria? (Blake Edwards,1.982). Una notable comedia musical que aborda el travestismo, la homosexualidad y los encasillamientos en los roles de género.

He podido disfrutar de una de las mejores comedias de los 80. La verdad es que hubo muy pocas comedias de calidad en esa década, pues ya entonces en ese género, en USA comenzaba a imperar lo soez y necio, lo tosco y sin gracia. Se buscaba la carcajada fácil del público más zafio dentro de unos guiones casi inexistentes y donde el resultado final en cuanto a calidad se refiere era infumable, pues se trataba de bodrios inaguantables, como Top Secret (1982), colección de gags sin la menor gracia, que fue un inmerecido exitazo. Pero, a pesar de todo hubo sitio para unas pocas, poquísimas joyas de la comedia, que en ocasiones como la que nos ocupa, tuvieron una gran éxito, esta vez ya merecido. Me refiero a ¿Victor o Victoria? (1982), un filme ya mítico, no sólo entre los amantes de la comedia, sino entre los del cine en general.

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Con esta película, su director, Blake Edwards volvió a recuperar el talento y el ingenio que parecía haber perdido, pues si bien entre el final de la década de los 50 y el de los 60, realizaba una maravilla tras otra, durante la década siguiente fue prolijo en mediocridades. Bien porque realizaba filmes que resultaban fallidos pues no quedaba claro a donde querían ir,-como la en ocasiones inenarrable Dos hombres contra el oeste (1973), confusa mezcla de western y drama, que no funciona ni como lo uno ni como lo otro-, bien porque sus comedias resultaban cansinas y reiterativas,-las innecesarias continuaciones de la pantera rosa al servicio del cada vez más insoportable Peter Sellers-, bien porque   los guiones eran tan endebles que tenían que apoyarse exclusivamente en la presencia de una presunta nueva estrella de gran atractivo físico (10, la mujer perfecta, 1979). Y lo cierto, es que Edwards recuperó al menos parte de su antiguo talento en los 80, con filmes como el policíaco Diagnóstico: Asesinato (1980) o la comedia policíaca Asesinato en Beverly Hills (1.988).  Pero de las películas que realizó durante esa década, es sin duda en ¿Victor o Victoria?, donde derrocha más talento.

Se trata de una comedia musical con cierta vertiente romántica caracterizada por unos diálogos muy ágiles, y unas situaciones de enredo muy inteligentes  muy bien llevadas. Es cierto que los números musicales que aparecen no siempre son perfectos, que algunas situaciones son un poco forzadas para provocar la risa del espectador y que la interpretación de James Gardner como gangster de buen corazón es en ocasiones un poco exagerada. Pero todo ello es disculpable si atendemos al balance global que es realmente positivo. Es una comedia que sigue tan fresca y dinámica como cuando se  estrenó. Y es valiente y meritoria. Porque se atreve a tocar temas como la homosexualidad, el travestismo y los encasillados roles de género en una década dominada por el reaganismo no sólo político y económico, sino también cinematográfico y cultural.

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Había que ser muy valiente para involucrarse en un proyecto como ¿VIctor o Victoria? teniendo una Administración en Estados Unidos como la de Reagan, dominada por organizaciones ultraconservadoras como la Mayoría Moral. Quizás fue para no tener problemas  con la creciente oleada de conservadurismo,que Edwards se decidió por trasladar la acción a París y a la década de 1.930.  En cualquier caso, esa elección fue un acierto, pues se nota que una historia de esas características destila más autenticidad en un contexto europeo cosmopolita que en uno norteamericano tradicional. Pero quizás, el mayor acierto del filme sea el juego de enredos, malentendidos y confusiones que se generan con los cambios de rol asignados a la protagonista. Situaciones que se podrían evitar si no fuesémos tan rígidos en cuanto a establecer de modo tan rígido unos roles y modos de comportamiento a uno y a otro sexo, delimitando de esta manera lo que esperamos de uno y de otro.  Y de como ese rígidez mental deriva en estigmatización social que impide a mucha gente  realizarse como persona y ser feliz. Por eso, y en última instancia, ¿Victor o Victoria?, bajo su apariencia de comedia frívola y un poco provocadora, esconde un alegato en favor de la libertad individual, y de poder desarrollarnos como queramos, seamos como seamos.

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A la película le da tiempo para divertir, emocionar, mostrarnos varios números musicales, hacernos reir y deleitarnos con unos diálogos rápidos y brillantes que hacen que la atención del espectador no decaiga nunca. Y es que Edwards cuando estaba inspirado y tenía la historia y los actores adecuados llegaba a ponerse a la altura de Billy Wilder.

Hoy en día, es prácticamente imposible encontrarse en el mercado cinematográfico estadounidense con una comedia de las características y la calidad de ¿Victor o Victoria?, otra de las muchas razones por la que esta  soberbia película se revaloriza con el paso del tiempo.

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Otras películas recomendables de Blake Edwards.

Operación Pacífico (1.959)

Desayuno con diamantes (1961).

Días de vino y rosas (1962).

Chantaje a una mujer (1963).

La pantera rosa (1964)

¿Qué hiciste en la guerra, papi? (1.966).

El guateque (1.968).

Diagnóstico: Asesinato (1.980).

Cita a ciegas (1.987).

Asesinato en Beverly Hills (1.988).

 
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Publicado por en diciembre 26, 2017 en Cine

 

Doctor Strange (Scott Derrickson,2.016). La película de superhéroes más divertida y original realizada hasta la fecha.

Anoche pude disfrutar de la película de superhéroes más divertida y original que he visto hasta la fecha. Me volvió a inyectar una cierta dosis de confianza en un género, el de los superhéroes, que en los últimos años me ha dado una decepción tras otra. Y es que, a quién ha sido en la adolescencia, un ávido lector de los cómics de Marvel (aquí publicados por Cómics Forum), no podía sentir otra cosa que que se le caía el alma a los pies tras ver las adaptaciones cinematográficas que se habían hecho de Los 4 fantásticos, Lobezno o Daredevil, tres de las mejores colecciones de comics de superhéroes Marvel, en mi opinión, o por lo menos tres de las que más disfruté. Y es que Los 4 fantásticos (Tim Story,2.005),, X Men orígenes: Lobezno (Gavin Hood,2.009) y Daredevil (Mark Steven Johnson,2.003) eran películas terriblemente malas, que te provocaban una sensación descorazonadora sobre la verdadera capacidad de Hollywood para hacer un producto al mismo tiempo comercial e inteligente con el enorme material que suponen los cómics de Marvel. Luego ví la también deplorable Elektra (Rob S. Bowman,2.005) y la entretenida, pero al fin cabo, mediocre y rutinaria Catwoman (Pitof,2.004). Y a pesar de ese maravilloso paréntesis de genialidad, audacia visual e innovación narrativa que fue la estupenda Watchmen (Zack Snyder,2.009)-un filme claramente filosófico-existencialista, donde los superhéroes protagonistas se mueven en unas coordenadas muy distintas de aquellas a las que estamos acostumbrados y donde había un contenido político y social nada desdeñable-, lo cierto es que se me quitaron las ganas de ver cine de superhéroes durante una larga temporada.  Pero, en estas llegó un superhéroe casi totalmente desconocido para mí, y con visos de ser muy diferente a los demás. Esto me motivo a darle una oportunidad. Y no salí decepcionado.

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Doctor Strange es una película absolutamente recomendable por varias razones. Por un lado, su originalidad la aparta de las arquetipicas y cansinas adaptaciones del mundo Marvel que en los últimos años nos están invadiendo cada vez con más frecuencia. De hecho,el mundo que nos muestra Doctor Strange está más cerca del de Matrix y J.K. Rowling que del de Marvel. Un mundo de magía y viajes entre distintas dimensiones, donde el tiempo y el espacio son alterados con suma facilidad. Y es que los saltos en el tiempo son un elemento que da mucho juego y puede dar resultados muy satisfactorios si se saben insertar bien en un guión. Por otro, estamos ante una obra que sin renunciar a unos efectos especiales y visuales impresionantes y a unas escenas de acción  tremendamente impactantes,-lo cual es inevitable en esta clase de producciones-,contiene una serie de reflexiones muy interesantes acerca de numerosos temas. Nos habla del orgullo como elemento autodestructivo que nos impide conseguir la felicidad y nos lleva a hacer daño a quienes más queremos. De la ambición personal y profesional ilimitada,vinculada a ese orgullo. De la eterna ansía de inmortalidad del ser humano y del precio que estaríamos dispuestos a pagar por ello. Del misticismo y la filosofía, y de lo distintos que son ambos en Oriente y Occidente, en cuanto a conseguir el bienestar interior y destruir los miedos y limitaciones que nos atenazan.Todas estas reflexiones están perfectamente encajadas dentro de una trama de lo más dinámica e interesante, que tiene el enorme mérito de no declinar en ningún momento.

En ningún momento, las escenas de acción resultan cansinas ni se alargan demasiado. Lo único que cabría objetar es que quizás resulten demasiado rápidas para el ojo humano en determinados momentos. Por último, el carácter algo tragicómico de Strange, a quién descubrimos como un altivo y dificilmente tratable cirujano a quien el sobrevenido nuevo papel de superhéroe le viene grande durante casi toda la cinta, le da una dimensión más cercana al espectador que la de muchos otros superhéroes. Esto es fundamental, porque a pesar de su difícil carácter, empatizamos con él. La película tiene una duración muy adecuada (104 minutos) que contrasta con otras obras sobre superhéroes que se pasaban (El caballero oscuro: La leyenda renace.,C.Nolan, 2.012) o no llegaban (Los 4 fantásticos,2.005).

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Todo ello hace de Doctor Strange una obra muy valiosa dentro del actual cine comercial de Hollywood, y del de superhéroes en particular. Muestra que trabajando un guión con cuidado e inteligencia, se pueden hacer divertidas y dinámicas películas de acción que funcionen bien en taquilla, combinadas con reflexiones y análisis inteligentes sobre la condición humana.

Por último, resaltar la acertadísima elección de Benedict Cumberbacht para el papel protagonista, pues nadie como él ha sabido interpretar personajes intratables o ariscos, pero heroicos  y geniales a un tiempo. De hecho, su Steven Strange, es en cierta medida una continuación de su Alan Turing de The imitation game y de su Julian Assange de The Fifth State.

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Publicado por en diciembre 9, 2017 en Cine

 

El autor (Manuel Martín Cuenca, 2.017). Una divertidísima comedia negra sobre la manipulación y las situaciones de poder.

Acabo de disfrutar de El autor (2017), última película hasta el momento de Manuel Martín Cuenca, autor que me sorprendió muy gratamente hace ya unos cuantos años con la trágica y contundente Malas temporadas (2.005). En esta ocasión se trata de una historia que gira de lo trágico hacia lo cómico, pero sin perder en ningún momento la mirada implacable sobre un personaje y una sociedad que dejan bastante que desear. Vemos a un personaje pasar de una situación en que nos da lástima a otra en que le descubrimos como un inmejorable manipulador. En la primera situación era vapuleado por la vida y por la gente. En la segunda, le vemos calculando sus artimañas con suma precisión y manejando a los demás a su antojo. Es decir, detentando una situación de poder y autoridad que hasta entonces se le había negado. Esto nos muestra con que facilidad se puede cambiar de víctima a verdugo y lo variables, cuando no imprecisas que son las situaciones de poder. Porque nunca nos hubiéramos imaginado que un personaje como Álvaro que lleva la derrota y la humillación en el rostro, pudiera, por un giro de los acontecimientos, -y por su arrojo y sangre fría-,convertirse en un individuo cínico, mezquino y manipulador como aquel en que se convierte. Es una comedia cruel, con muy mala leche, y al igual que en la no menos genial, divertida y cruel Selfie (Víctor García León, 2.017) nos dejamos arrastrar por un personaje muy odioso, pero al mismo tiempo cómico y tremendamente humano en su situación y sus limitaciones. Y es que en ambas películas, a pesar de las mezquindades de sus respectivos protagonistas, queremos que les salgan bien las cosas.

El autor, basada en la novela El móvil, de Javier Cercas, nos sumerge en un mundo donde lo cómico se nutre de lo cruel, la situación de comedia parece apuntar por momentos hacia el suspense y en que las relaciones sociales sólo se dan por mero interés o necesidad de solucionar algún problema o frustración. Porque hasta que no hay algo de lo que cada uno pueda sacar partido, la relación de Álvaro con sus vecinos, y de estos entre sí, es de total incomunicación, cuando no de evidentes prejuicios y desconfianza. La película nos muestra la actual sociedad española, donde nos extrañamos cuando un nuevo vecino se nos presenta o en la que  directamente evitamos tener que ir montados con él en un ascensor.

Las relaciones de poder que se establecen son circunstanciales. El protagonista tendrá poder sobre ciertas personas en la medida en que pueda proseguir su engaño o manipulación sobre ellas, pero a pesar de ese poder, sigue siendo un perdedor en todos los aspectos, por lo menos según los criterios de la sociedad en que vivimos. Probablemente por esa situación de humillación, incomprensión y derrota de la que parte el protagonista, y por lo odiosos que resultan quienes le rodean en su vida cotidiana, Álvaro nos cae bien. Por eso, y por la interpretación del siempre excelente Javier Gutiérrez, un actor que no para de regalarnos interpretaciones ejemplares. Un actor que espero dure mucho como estrella del cine español, porque lo merece de verás, no como la gran mayoría de jovencitos que se han introducido en nuestro cine,-literalmente, por su cara bonita-, y que produce vergüenza ajena contemplar como actúan (por ejemplo, Mario Casas, en Palmeras en la nieve). El autor nos muestra una sociedad precarizada donde la gente no tiene más que el presente,-porque el futuro es muy negro-, lo cual lleva a la picaresca para sobrevivir, saltando por encima de toda clase de barreras éticas ó escrúpulos. Por ello, y por la inteligente construcción de las tragicómicas situaciones, la película no declina en ningún momento. Y produce la carcajada frecuente, con situaciones perfectamente insertadas en la historia, y en absoluto gratuitas u oportunistas.

En definitiva, una comedia totalmente recomendable. La prueba es que la sala donde se proyectaba, estaba llena, y la gente se lo pasaba muy bien.

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Publicado por en diciembre 6, 2017 en Cine

 

La Presa (Walter Hill,1.981). Una angustiosa película de acción desarrollada en los bosques y pantanos de Louisiana.

De los directores que se especializaron en el cine de acción, para mí sin duda, los dos mejores han sido Sam Peckimpah (1.926-1.984) y Walter Hill (1.942). Son los que más dignidad han dado a ese cine de tiros, persecuciones, secuencias de mucha tensión e individuos malhablados y de vuelta de todo. Sin duda sus filmes están muy por encima de la media de lo que son las películas de acción prototípicas, hechas de prisa y corriendo, sin ninguna imaginación, y por tanto, copiándose las unas a las otras, explotando unas mismas líneas argumentales hasta que ese nicho de mercado ya no dé más de sí. A Sam Peckimpah ya le dediqué un post https://elblogdemiguelfernandez.wordpress.com/wp-admin/post.php?post=1885&action=edit, así que hoy se lo dedico a Walter Hill. O mejor dicho, a una de sus películas más conseguidas. Lo cual no quita que también recomiende más abajo otras suyas igualmente estimulantes. La película de hoy es Southern Comfort (Hospitalidad sureña), lo cual viendo esta cinta, no deja de ser una ironía. Aquí se tradujo con el título más simplote de La presa. Es una historia de emoción y tensión que va directa al grano desde el primer momento y donde el espectador se mantiene en vilo hasta el último fotograma. Literalmente. El filme es deudor de las también estupendas Perros de paja (del citado Sam Peckimpah,1.971) y Deliverance( de John Boorman, otro notable director que también tuvo su post aquí, 1.972). Lo es porque como en aquellas, nos muestra unas comunidades aisladas, xenófobas y llenas de odio y crueldad en su interior. Gente que odia a todo el que es ajeno a su comunidad y que tienen la ventaja de jugar en su propio territorio. Territorio que suponemos no abandonan salvo caso de extrema necesidad, pues fuera de su reducido mundo, uno duda que pudiesen sobrevivir, pues las habilidades que han desarrollado sólo les sirven para un entorno rural y aislado. A su vez, considero que La presa ha influido en diversos aspectos a películas posteriores como Plattoon (Oliver Stone,1.987) o Depredador (John McTiernan,ídem). Aspectos como el estar protagonizadas por individuos mediocres, inmaduros y malhablados cuyas impulsivas y violentas actitudes y reacciones suelen ser estúpidas y contraproducentes para ellos mismos y el grupo entero del que forman parte. O por desarrollarse en entornos naturales peligrosos y hostiles como son las selvas (el bosque en La presa).

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La película destila un ambiente desagradable y antiheroico desde el comienzo. Hill se propone que los personajes no empaticen con el espectador, porque quiere mostrarnos lo más negativo del ser humano en una atmósfera sucia y gris, llena de agua y fango, reforzada por la frecuente presencia de la neblina.El realismo que acompaña toda la narración es incuestionable. No hay sitio para la épica made in Hollywood tan habitual en la década de los 80. No tardamos en darnos cuenta que los hombres que forman el pelotón de la Guardia Nacional han escogido la profesión militar porque dificílmente podrían encajar en ninguna otra dentro de la sociedad, lo cual se refleja en sus enfrentamientos,- a menudo violentos-, entre ellos  mismos y su falta de empatía con quienes, incluso dentro del propio pelotón son diferentes a ellos. Vemos como se enfrentan a una situación inesperada para la que no podían estar preparados, pues no podrían imaginar verse atrapados en un infierno como el que les espera. Esto supondrá un desafío que les afectará tanto fisíca como mentalmente. Hay un claro pesimismo acerca de la condición humana en esta obra, como en otras de Hill. Así, vemos que el ser humano vive en constante lucha por la supervivencia, al igual que en sus dos anteriores filmes (The Warriors,1.979 y Forajidos de leyenda,1.980).

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Hay que valorar que La presa sigue conversándose bastante bien a pesar de los 36 años transcurridos desde su realización, e incluso mantiene su vigencia, porque sabemos que la Norteamérica profunda y hostil a todo lo foráneo nunca muere del todo. Esa Norteamérica que ha salido a votar en masa a Donald Trump o que militaba de manera entusiasta en el Tea Party como manera de combatir unos cambios en su país que ni entendía ni quería entender. Además, el hecho de que esa comunidad aquí esté representada por los cajunes (francófonos) refuerza más la sensación de que son de otro mundo totalmente distinto a aquel del que provienen los guardias nacionales protagonistas. No solamente es que se enfrenten a un enemigo mejor preparado que ellos para el combate, es que está representado por una gente que ellos ni siquiera sabían que existía.

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Otro acierto es un reparto encabezado por actores conocidos pero sin llegar a ser famosos en unos casos, y completamente desconocidos en otros.El haber contratado a una estrella le hubiese restado credibilidad a la historia. Destacan especialmente los dos que más llevan el peso del relato, Keith Carradine,- que en los 80 tuvo su gran década, sobre todo en los filmes que rodó bajo la dirección de Alan Rudolph, para caer en el olvido y la serie B en las décadas posteriores-, y Powers Boothe, a quien se le daban muy bien los papeles de cáracter y a quién recordaremos como el padre de un muchacho raptado por los indígenas en La selva esmeralda (John Boorman,1985), los villanos de Traición sin límite (también de Walter Hill,1.987) y Muerte súbita (Peter Hyams,1.995) o el general Alexander Haig, de Nixon (Oliver Stone,1.995).

En definitiva, una angustiosa película de acción que hará las delicias de los amantes del género.

 

Otros títulos recomendables de Walter Hill.

El luchador (Hard times,1.975).

The Warriors. Los amos de la noche (1,979).

Forajidos de leyenda (1.980).

Límite: 48 horas (1.982).

Calles de fuego (1.985).

Traición sin límite (1.987).

Danko: Calor rojo (1.988).

El tiempo de los intrusos (1.992).

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Walter Hill.

 
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Publicado por en noviembre 10, 2017 en Cine