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La Presa (Walter Hill,1.981). Una angustiosa película de acción desarrollada en los bosques y pantanos de Louisiana.

De los directores que se especializaron en el cine de acción, para mí sin duda, los dos mejores han sido Sam Peckimpah (1.926-1.984) y Walter Hill (1.942). Son los que más dignidad han dado a ese cine de tiros, persecuciones, secuencias de mucha tensión e individuos malhablados y de vuelta de todo. Sin duda sus filmes están muy por encima de la media de lo que son las películas de acción prototípicas, hechas de prisa y corriendo, sin ninguna imaginación, y por tanto, copiándose las unas a las otras, explotando unas mismas líneas argumentales hasta que ese nicho de mercado ya no dé más de sí. A Sam Peckimpah ya le dediqué un post https://elblogdemiguelfernandez.wordpress.com/wp-admin/post.php?post=1885&action=edit, así que hoy se lo dedico a Walter Hill. O mejor dicho, a una de sus películas más conseguidas. Lo cual no quita que también recomiende más abajo otras suyas igualmente estimulantes. La película de hoy es Southern Comfort (Hospitalidad sureña), lo cual viendo esta cinta, no deja de ser una ironía. Aquí se tradujo con el título más simplote de La presa. Es una historia de emoción y tensión que va directa al grano desde el primer momento y donde el espectador se mantiene en vilo hasta el último fotograma. Literalmente. El filme es deudor de las también estupendas Perros de paja (del citado Sam Peckimpah,1.971) y Deliverance( de John Boorman, otro notable director que también tuvo su post aquí, 1.972). Lo es porque como en aquellas, nos muestra unas comunidades aisladas, xenófobas y llenas de odio y crueldad en su interior. Gente que odia a todo el que es ajeno a su comunidad y que tienen la ventaja de jugar en su propio territorio. Territorio que suponemos no abandonan salvo caso de extrema necesidad, pues fuera de su reducido mundo, uno duda que pudiesen sobrevivir, pues las habilidades que han desarrollado sólo les sirven para un entorno rural y aislado. A su vez, considero que La presa ha influido en diversos aspectos a películas posteriores como Plattoon (Oliver Stone,1.987) o Depredador (John McTiernan,ídem). Aspectos como el estar protagonizadas por individuos mediocres, inmaduros y malhablados cuyas impulsivas y violentas actitudes y reacciones suelen ser estúpidas y contraproducentes para ellos mismos y el grupo entero del que forman parte. O por desarrollarse en entornos naturales peligrosos y hostiles como son las selvas (el bosque en La presa).

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La película destila un ambiente desagradable y antiheroico desde el comienzo. Hill se propone que los personajes no empaticen con el espectador, porque quiere mostrarnos lo más negativo del ser humano en una atmósfera sucia y gris, llena de agua y fango, reforzada por la frecuente presencia de la neblina.El realismo que acompaña toda la narración es incuestionable. No hay sitio para la épica made in Hollywood tan habitual en la década de los 80. No tardamos en darnos cuenta que los hombres que forman el pelotón de la Guardia Nacional han escogido la profesión militar porque dificílmente podrían encajar en ninguna otra dentro de la sociedad, lo cual se refleja en sus enfrentamientos,- a menudo violentos-, entre ellos  mismos y su falta de empatía con quienes, incluso dentro del propio pelotón son diferentes a ellos. Vemos como se enfrentan a una situación inesperada para la que no podían estar preparados, pues no podrían imaginar verse atrapados en un infierno como el que les espera. Esto supondrá un desafío que les afectará tanto fisíca como mentalmente. Hay un claro pesimismo acerca de la condición humana en esta obra, como en otras de Hill. Así, vemos que el ser humano vive en constante lucha por la supervivencia, al igual que en sus dos anteriores filmes (The Warriors,1.979 y Forajidos de leyenda,1.980).

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Hay que valorar que La presa sigue conversándose bastante bien a pesar de los 36 años transcurridos desde su realización, e incluso mantiene su vigencia, porque sabemos que la Norteamérica profunda y hostil a todo lo foráneo nunca muere del todo. Esa Norteamérica que ha salido a votar en masa a Donald Trump o que militaba de manera entusiasta en el Tea Party como manera de combatir unos cambios en su país que ni entendía ni quería entender. Además, el hecho de que esa comunidad aquí esté representada por los cajunes (francófonos) refuerza más la sensación de que son de otro mundo totalmente distinto a aquel del que provienen los guardias nacionales protagonistas. No solamente es que se enfrenten a un enemigo mejor preparado que ellos para el combate, es que está representado por una gente que ellos ni siquiera sabían que existía.

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Otro acierto es un reparto encabezado por actores conocidos pero sin llegar a ser famosos en unos casos, y completamente desconocidos en otros.El haber contratado a una estrella le hubiese restado credibilidad a la historia. Destacan especialmente los dos que más llevan el peso del relato, Keith Carradine,- que en los 80 tuvo su gran década, sobre todo en los filmes que rodó bajo la dirección de Alan Rudolph, para caer en el olvido y la serie B en las décadas posteriores-, y Powers Boothe, a quien se le daban muy bien los papeles de cáracter y a quién recordaremos como el padre de un muchacho raptado por los indígenas en La selva esmeralda (John Boorman,1985), los villanos de Traición sin límite (también de Walter Hill,1.987) y Muerte súbita (Peter Hyams,1.995) o el general Alexander Haig, de Nixon (Oliver Stone,1.995).

En definitiva, una angustiosa película de acción que hará las delicias de los amantes del género.

 

Otros títulos recomendables de Walter Hill.

El luchador (Hard times,1.975).

The Warriors. Los amos de la noche (1,979).

Forajidos de leyenda (1.980).

Límite: 48 horas (1.982).

Calles de fuego (1.985).

Traición sin límite (1.987).

Danko: Calor rojo (1.988).

El tiempo de los intrusos (1.992).

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Walter Hill.

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Publicado por en noviembre 10, 2017 en Cine

 

Big Fish (Tim Burton, 2.003). Una maravillosa fábula dotada de una imaginación desbordante.

He vuelto a ver después de muchos años una película que en su momento no me gustó, por parecerme confusa y pretenciosa, pero que ahora, 14 años después de su estreno, me ha resultado sencillamente maravillosa. Se trata de Big Fish, dirigida en 2.003 por Tim Burton y la mejor película de su director junto con Ed Wood (1.994) y El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares (2.016). Digo que estos tres títulos son los mejores de la filmografía de Tim Burton, porque considero que si bien este director es un genio en cuanto a imaginación e ideas, sólo en estos tres filmes ha conseguido obras completamente redondas. Y es que una cosa es tener ideas geniales sobre el papel y otra, la puesta en escena y el ritmo del filme. En ese sentido Burton ha tenido filmes que eran insuperables en cuanto a ambientación/recreación histórica y atmósfera, pero cuyo resultado final, sin ser malo, si era algo plano y decepcionante, pues la historia se desinflaba un poco hacia la mitad del metraje (Sleepy Hollow, 1.999), eran entretenidos, y fascinantes en cuanto a estética visual, pero no despertaban en ningún momento un interés magnético que atrapase de continuo al espectador (Charlie y la fábrica de chocolate, 2.005, Alicia en el país de las maravillas, 2.010), eran directamente torpes y fallidas (Sombras tenebrosas, 2.010)-, sin duda su peor película-, o han envejecido realmente mal (Batman, 1.989 y Batman returns, 1.992). Por eso, los tres citados filmes son tan valiosos dentro de su filmografía, pues representan el culmen de sus logros artísticos, dentro de una filmografía, por lo demás bastante coherente. De hecho, en pocos cineastas contemporáneos, el sello personal es tan evidente como en Tim Burton. Hoy me centraré exclusivamente en Big Fish.

Big Fish cuenta entre su méritos con el de aunar géneros y estilos muy diversos y pasar de unos a otros sin aparente dificultad. Así nos encontramos como Burton con suma habilidad pasa del drama familiar a la fantasía optimista, de las situaciones cómicas y surrealistas al cuento gótico. La dualidad recorre toda la obra, pues encontramos pueblos idílicos muy iluminados junto a bosques oscuros y tenebrosos, momentos de gran esperanza e ilusión seguidos de otros de decepción, gigantes y personajes extremadamente bajos, padres soñadores y fantasiosos  e hijos fríos y realistas, personajes comunes de la vida familiar y extrañas criaturas de circo. Ese dualismo da sentido al filme, haciéndole funcionar como un péndulo que se mueve entre lo real y lo fantástico. Podríamos decir que Big Fish pasa de lo puramente real a lo real-maravilloso y que lo real-maravilloso llega a fusionarse con lo directamente fantástico. Algo así como si mezcláramos a Wenceslao Fernández Flórez  o Gabriel García Márquez  con Lewis Carroll o los Hermanos Grimm.  A lo largo del metraje, Burton sabe hilar con la precisión exacta para dosificar a la perfección los minutos que transcurren en el mundo real y en el de fantasía, alternando uno y otro, y evitando que el relato resulte cansino o cargante. La historia hace gala de una imaginación desbordante que rompe toda clase de barreras narrativas clásicas sin caer nunca en lo ridículo o aberrante.Asimismo, hay dos homenajes claros en lo referente al pueblo llamado Espectro. El primero, dado su carácter nocturno y a la vez iluminado y la perpetúa alegría y optimismo de sus habitantes remite claramente al musical Brigadoon (VIncente Minnelli,1.954) y el segundo, muy sutil y fugaz con el vecino de esa localidad sentado tocando el banjo, remite a Deliverance (John Boorman, 1.972). Y tal vez, no terminen ahí los homenajes, porque quizás haya también algo de fábula capriana  en la relación del joven Edward Bloom (Ewan McGregor) con los fantásticos personajes que se le van apareciendo.

La película tiene un ritmo que no decae en ningún momento y está muy bien realizada en todos los aspectos. No es  un asunto menor que una de las cosas que la película logra, es hacer pensar al espectador y animarle a reconciliarse con la vida al terminar de verla.

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Publicado por en octubre 7, 2017 en Cine

 

20 notables filmes del Hollywood de los 2.000.

En la década de los 2.000, curiosamente la crítica se inclina a favor de los relatos fantásticos (El señor de los anillos, de J. R.R.Tolkien) y  las adaptaciones de cómic, ya sean de superhéroes(Batman begins) o de antihéroes (V de Vendetta, Sin City). Es muy curiosos ese giro, cuando la crítica especializada siempre había detestado esa clase de historias, sobre todo las referentes a superhéroes. Por no extenderme con la lista, me he dejado fuera Watchmen (Zack Snyder, 2.009), un filme sobre superhéroes, pero en clave claramente filosófica y existencialista. Es decir, una película sobre personajes de D.C. Comics o Marvel, pero claramente existencialista/sartriana. Es curioso como el criterio de la crítica va cambiando década a década. También me he dejado fuera películas tan originales como crueles, como es el caso de Requiem por un sueño (Darren Aronofsky, 2.000) o Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2.007). En fin, la década de 2.000, alternó filmes muy inteligentes y rupturistas , con blockbuster estomagantes e indigeribles. Sin duda, lo mejor de esta década para mí, fue la insuperable trilogía del Señor de los anillos. Consideró que tecnicámente no se podía haber realizado mejor. Y considero que es uno de los grandes hallazgos cinematográficos de mi vida en todos los aspectos. Y luego, claro está, otros filmes que nos dejan anonadados, por su maestría y originalidad. Grandes cineastas como Oliver Stone dejan de aparecer en la lista y empiezan a aparecer otros, como Woody Allen, que siempre me había resultado insoportable. Otros como Coppola siguen haciendo películas muy esporádicamente, pero estas se estrenan sin pena ni gloria y casi nadie las conoce. Scorsese ya se muestra irreconocible con sus películas protagonizadas por Leonardo Dí Caprío. También hay que resaltar la presencia de cineastas independientes como Jonathan Dayton y Valerie Faris (LItlle Miss Sunshine) o Half Nelson (Ryan Fleck, 2.009).

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El Señor de los anillos: La comunidad del anillo (Peter Jackson,2.001).

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El Señor de los anillos: Las dos torres (Peter Jackson,2.002)

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El Señor de los anillos: El retorno del Rey (Peter Jackson,2.003).

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Batman begins (Christopher Nolan,2.005).

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El hombre que nunca estuvo allí (Joel y Ethan Coen, 2.001).

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Match point (Woody Allen,2.005).

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Inteligencia artificial (Steven Spielberg, 2.001)

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Million dolar baby (Clint Eastwood, 2.004).

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Infiltrados (Martin Scorsese, 2.006).

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El hombre sin edad (Francis Ford Coppola, 2.007).

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A propósito de Schmidt (Alexander Payne, 2.002).

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Mullholland drive (David Lynch, 2.001).

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Minority Report (Steven Spielberg, 2.003).

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Promesas del Este (David Cronenberg, 2.007).

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Little Miss Sunsine (Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2.006).

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Crash (Paul Haggis, 2.004).

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Babel (Alejandro González Iñarritu, 2.006).

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V de Vendetta (James McTeigue, 2.005).

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Half Nelson (Ryan Fleck, 2.006).

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Sin City (Frank Miller, Robert Rodríguez y Quentin Tarantino, 2.005).

 
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Publicado por en octubre 1, 2017 en Cine

 

Jeff Nichols: Un cineasta que arroja una nueva mirada sobre el mundo rural estadounidense.

Afortunadamente, desde comienzos de la década de 1.990 hasta hoy han ido surgiendo una serie de directores que suponen un recambio generacional en una industria del cine hollywoodiense que encanecía peligrosamente. Hacía falta por la supervivencia de la industria del cine y porque cada cierto tiempo se necesitan nuevas ideas, historias y propuestas. Entre esos cineastas destacan Quentin Tarantino, Frank Darabont, Paul Thomas Anderson y Alexander Payne. Entre estos cineastas, el último en aparecer ha sido Jeff Nichols (Litlle Rock, Arkansas, 7 de diciembre de 1.978), quién nos ha mostrado a través de sus todavía escasas películas, la desigual y cruel lucha entre el individuo y la comunidad a que este pertenece. Al contrario que en John Ford, donde la comunidad se convierte en refugio del individuo, en centro acogedor y lugar de consuelo y fuente de solidaridad y seguridad, en los filmes de Nichols, la comunidad adquiere una presencia intolerante y hostil ante todo individuo que se aparte lo más mínimo de sus convenciones sociales. Cualquiera que plantee una situación diferente (la inminencia de una catástrofe natural que supondría un peligro para la seguridad de la comunidad en Take Shelter), haya sido marcado como delincuente (el fugitivo protagonista de Mud) o haya sido lo suficientemente valiente como para no esconder una relación amorosa interracial (Loving) es marginado, cuando no hostilizado por la comunidad.  Además de este aspecto que convierte en a Nichols en un autor original, en sus películas encontramos el gusto por mostrar los paisajes rurales, a través de una estupenda fotografía, siempre acompañada de acertadas bandas sonoras que nunca desentonan. Resulta fácil empatizar con los angustiados protagonistas de sus historias,- incluso cuando han cometido acciones reprobables en el pasado-, por el alto grado de convicción que nos sabe transmitir en todo momento. Nichols nos muestra las angustias del ciudadano corriente, armado de valor, pero desprovisto de todo heroísmo o épica y nos adentra en esa América rural, profunda y con resistencia al cambio que sirviera de base e inspiración para algunas de las mejores novelas de autores como William Faulkner (El ruido y la furia) o Truman Capote (A sangre fría). Sus obras nos hacen cuestionarnos el sentido de pertenencia al grupo y son alegatos en favor de la libertad individual y la autorrealización personal, mostrándonos que no tenemos que estar atados a ningún grupo humano, aunque hayamos nacido y crecido entre él. Al mismo tiempo,son una maravillosa noticia para los que amamos el cine de hollywood y no queremos que acabe sepultado por franquicias necias y oportunistas. Si no queremos que el cine desaparezca y acabe expuesto como una reliquia en los museos, debemos desear que surjan muchos Jeff Nichols.

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Take Shelter (2.011).

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Mud (2.012)

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Loving (2.016)

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Jeff Nichols.

 
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Publicado por en septiembre 29, 2017 en Cine

 

20 títulos memorables del Hollywood de los 90. Estupendos filmes en una década donde imperó la mediocridad.

Había comentado en un post reciente que en el cine de los 80, pese a todo lo criticado que fue por su presunta superficialidad y comercialidad, había decenas de buenas películas. Y fue, en mi opinión, la última década en que estas proliferaron, pues las décadas de los 90 y 2.000, y lo que llevamos de 2010, no están siendo muy alentadoras. Como con todo, siempre hay un par de decenas que se salvan, he decidido recuperar estas, haciendo una lista, sobre todo para que las nuevas jóvenes generaciones las conozcan. Seguro que me dejo cinco,seis o siete buenas películas por mencionar, pero nunca vienen a la mente en el mismo momento todos los títulos que uno disfruto para enumerarlos todos.

Es muy curioso como entre las mejores películas de la década de los 90, abundaron aquellas que tenían unas elevadas dosis de violencia. En general, no abundan las obras de calidad entre el cine particularmente violento. Normalmente asociamos ese tipo de cine con el cine trash (basura), con la series B y Z, o con películas de éxito que terminan convirtiéndose en franquicias insufribles. Pero en los 90, el cine de violencia cobró una gran calidad conquistando no sólo al público, sino también a la crítica, lo cual es bastante más difícil, pues esta siempre ha sido muy reticente al cine de acción, y especialmente a aquel con altas dosis de violencia (como también ha sido historicámente reticente al género del terror). Es decir, en esa década, nació, se desarrolló y consolidó un cine violento que termino siendo prestigioso. Es un fenómeno curioso, porque ni había ocurrido en décadas anteriores (salvo quizás con Sam Peckimpah) ni se vuelto a dar en las dos décadas posteriores.

Como seguro me he dejado películas memorables (no muchas, creo) en el tintero, podéis añadir en los comentarios, los títulos que se os vayan ocurriendo. Espero que esta lista sea de vuestro agrado y a las jóvenes generaciones espero haberles descubierto películas que les gusten.

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Pulp Fiction (Quentin Tarantino,1.994).

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L.A.Confidential (Curtis Hanson,1.997).

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Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola,1.992).

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Casino (Martin Scorsese,1.995).

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Muerte entre las flores (Joel y Ethan Coen,1.990).

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La tapadera (Sydney Pollack,1.991).

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JFK:Caso abierto (Oliver Stone,1.991).

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Cadena perpetua (Frank Darabont,1.994).

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Sin perdón (Clint Eastwood,1.992).

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Thelma y Louise (Ridley Scott,1.991).

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La edad de la inocencia (Martin Scorsese,1.993).

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Reservoir dogs (Quentin Tarantino,1.992).

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Sospechosos habituales (Bryan Singer,1.995).

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Uno de los nuestros (Martin Scorsese,1.990).

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Desafío total (Paul Verhoeven,1.990).

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Clerks (Kevin Smith,1.995).

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Asesinato en 8 mm (Joel Schumacher,1.999).

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Sunchaser (Michael Cimino,1.997).

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Parque Jurásico (Steven Spielberg,1.994).

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Juegos salvajes (John McNaughton,1.998).

 
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Publicado por en septiembre 26, 2017 en Cine

 

30 excelentes películas del Hollywood ochentero.

Si bien la década de los 80 tiene mala fama en cuanto a la calidad de las películas que se hacían en Hollywood, lo cierto es que se debe a que la gente y la crítica sólo se paran a pensar en las películas más conocidas, en los grandes éxitos de taquilla. Estos en ocasiones correspondían a películas infumables, indignas del éxito que tuvieron,- un buen ejemplo sería Top Gun (Tony Scott,1.986)-, pero eso es igual de injusto que asociar el cine español exclusivamente con la saga Torrente y con los engendros perpetrados por el tándem David Menkes/Alfonso Albacete. Asociamos el cine del Hollywood de los 80 con películas excesivamente comerciales, y sobre todo superficiales, sin ninguna profundidad. Esto hay que matizarlo. Es cierto que el tipo de cine que hablaba de temática social, personal y psicológica tan habitual en los 70, y del que sería un magnífico ejemplo Taxi Driver (Martin Scorsese,1.976) apenas se mantuvo más allá de los primeros años de la nueva década (1.980-82), pero a lo largo de esta, si bien con menos inquietudes intelectuales, se continuó haciendo un cine de bastante calidad. También es cierto que esa calidad fue mucho más abundante en la primera mitad de la década que en la segunda, donde junto al declive artístico en la mayoría de los títulos, se va notando un agotamiento en las ideas. Una época de  falta de imaginación y originalidad que alcanzaría su cenit en las dos siguientes décadas con la masiva proliferación de remakes, y de la que en ocasiones, parece que todavía no hemos salido. En los 80 hubo muchos filmes dignos de elogio, lo que ocurre es que de esos una gran cantidad fueron fracasos comerciales o bien, aunque tuvieran cierto éxito en su momento, han ido cayendo en el olvido, y las nuevas generaciones no los conocen.Por ejemplo, casi nadie conoce El aventurero de medianoche, pese a la gran popularidad de su protagonista y director, Clint Eastwood, ni En compañía de lobos, de Neil Jordan, originalísima propuesta de cine fantástico, donde se mezclaban los mitos del hombre lobo y Caperucita roja. Sé que esta lista será forzosamente incompleta, pero por algún sitio había que cortar para que no resultase interminable o cansina. De hecho, me he dejado en el tintero títulos que me encantaron, pero si no es que no acababa. Pensándolo detenidamente la década que fue espantosa a nivel cinematográfico fue la siguiente, la de los 90 y buena parte de la de 2.000,- por lo menos hasta 2.005 ó 2.006,- pues Hollywood parecía haber perdido el rumbo ante la falta de nuevas ideas y veías a grandes y veteranos directores probando a hacer películas que claramente se veía que no eran lo suyo, o a nuevos directores que hacían películas muy comerciales, pero artísticamente lamentables (Roland Emmerich, Michael Bay).

En conclusión, la decada de los 80, en Estados Unidos, produjo muchos y muy estimables títulos, que conviene volver a disfrutar, siendo de momento, la última década digna en cuanto a la calidad general de los filmes que se hacían. Porque desde comienzos de los 90, el balance es bastante desalentador, exceptuando lo que se refiere al cine independiente, lugar que hoy día constituye un valiosísimo refugio para todo cinéfilo que huya de superhéroes, franquicias (Transformes, Fast and furious, Crepúsculo, 50 sombras de Grey,…), bodrios cuyo único objetivo es provocar la carcajada continúa (Agárralo como puedas, Scary movie, Dos colgaos muy fumaos) o estúpidas comedias románticas.

Toro salvaje (Martin Scorsese, 1.980).

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El hombre elefante (David Lynch, 1.980).

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Brubaker (Stuart Rosenberg, 1.980).

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Excalibur (John Boorman, 1.981).

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Fuego en el cuerpo (Lawrence Kasdan,1.981).

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Impacto (Brian de Palma, 1.981).

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En busca del arca perdida (Steven Spielberg, 1.981).

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 El año que vivimos peligrosamente (Peter Weir, 1.982).

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La cosa (John Carpenter, 1.982).

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Blade Runner (Ridley Scott, 1.982).

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El aventurero de medianoche (Clint Eastwood,1.982).

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Missing/Desaparecido (Costa-Gavras,1.982).

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Rebeldes (Francis Ford Coppola, 1.983).

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La ley de la calle (Francis Ford Coppola, 1.983)

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Entre pillos anda el juego (John Landis, 1.983).

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La zona muerta (David Cronenberg,1.983).

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Erasé una vez en América (Sergio Leone, 1.984).

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Lady Halcón (Richard Donner, 1.984).

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En compañía de lobos (Neil Jordan, 1.984).

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Gremlins (Joe Dante, 1.984).

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Los gritos del silencio (Roland Joffé,1.984).

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Sangre fácil (Joel y Ethan Cohen, 1.985).

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Manhattan Sur (Michael Cimino, 1,985).

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Salvador (Oliver Stone,1.986).

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Terciopelo azul (David Lynch,1.986).

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Los intocables de Eliott Ness (Brian de Palma,1.987).

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Platoon (Oliver Stone,1.987).

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Arde Mississipi (Alan Parker,1.988).

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Rain Man (Barry Levinson,1.988).

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El club de los poetas muertos (Peter Weir,1.989).

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Publicado por en septiembre 17, 2017 en Cine

 

Selfie (Victor García León, 2.017). Una comedia al tiempo divertida y cruel que retrata de manera muy acertada la España de hoy.

Hace 11 años acudí al cine a ver una película titulada Vete de mí. No sé que fue lo que me llamó la atención de ella, para acudir al cine a verla. Pero el caso es que no me decepcionó. Al contrario, tanto lo original de su planteamiento como su desarrollo y final me encantaron. Me quedé con el nombre de su desconocido director, Victor García León, esperando con ganas una nueva película suya. Desgraciadamente, pasaban los años y seguía sin tener noticias de él. Cuando ya le había olvidado, un amigo me habló de una comedia española que le había gustado especialmente. Busqué información sobre ella, y que grata sorpresa fue cuando descubrí que la dirigía Victor García León. Se trata de Selfie (2.017), una película que guarda cierta relación con su anterior obra, puesto que ambas abordan la historia de un joven inmaduro sin medios ni habilidades profesionales para desenvolverse en el competitivo e implacable mundo de hoy. Narra la historia de un pijo que por azares del destino pasa de la noche a la mañana de vivir en una estupendo chalet en La Moraleja a quedarse literalmente en la calle, y sin poder recurrir a la ayuda de su familia y “amigos”, pues los primeros ponen tierra de por medio y los segundos le dan la espalda.

Quizás me he apresurado un poco al calificarla de comedia en el título. Si analizamos un poco, Selfie es en el fondo, un drama con capas de comedia muy bien espaciadas y repartidas. Es una historia cruel a la que no le falta en ningún momento el sentido del humor. Selfie es una obra muy valiosa por varios motivos.

El primero es lo original de su planteamiento, siendo tan rupturista y politicamente incorrecto de poner como víctima a un pijo madrileño en vez de por ejemplo a un trabajador precario o a un inmigrante tercermundista sin papeles.

El segundo, es la hábil combinación que consigue al mezclar el filme convencional  con el falso documental, pues un supuesto cámara está grabando constantemente todo lo que ocurre sin que nunca lleguemos a verle. Este toque documental es un gran acierto, pues contribuye notablemente a aumentar la sensación de realismo y verosimilitud de lo que se muestra al espectador.

El tercero es su valentía por atreverse a mostrar por un lado a unos privilegiados que viven ajenos al sufrimiento del resto de la sociedad, y que sólo se relacionan con los de su misma clase social, y por otro a una sociedad precarizada y con serias incertidumbre sobre su futuro, y a los sectores más vulnerables e indefensos de esta. Y por retratar con tremenda convicción a ambos y contrapuestos segmentos sociales.

El cuarto es la manera tan eficaz de combinarnos situaciones trágicas y cómicas, o de pasar de unas a otras sin que apenas nos demos cuenta.

El quinto es que un personaje aparentemente tan poco empático y atractivo como el que protagoniza la película consiga llevar el peso de esta sin cansar ni aburrir al espectador, y consiguiendo,-por lo menos en mi caso-, acabar sintiendo una mezcla entre compasión y simpatía por él-, a lo que contribuye sin duda la espléndida interpretación del debutante Santi Alverú. Igualmente brillantes se muestran sus dos compañeros de “aventuras”, los igualmente desconocidos Macarena Sanz  y Javier Carramiñana.

No voy a negar que en ciertas ocasiones Selfie pueda recurrir al tópico o al estereotipo sobre las distintas clases sociales o los diferentes perfiles políticos, pero lo hace de una manera sutil, y no burda y exagerada como hacen el díptico de los Apellidos Vascos-Catalanes o las comedias televisivas del estilo de La que se avecina, Aída, etc. Y es que lejos de la infantilización mental del espectador que buscan esas películas y series, Selfie lo que quiere,- además de hacernos pasar un buen rato-, es hacernos pensar. Pensar sobre cosas como en que clase de sociedad vivimos o en que momento histórico nos encontramos. La película te mantiene en vilo todo el tiempo, pues todo el tiempo se dan situaciones interesantes. Y en ocasiones,tensos. Enervantes. Tanto como su protagonista cuando se pierde con la gramática, al no saber construir correctamente una frase o si quiera acabarla.

La lástima de esta película ha sido su pésima distribución comercial (algo que suele ocurrir con la mayoría de las películas españolas), lo que ha hecho que casi nadie la conozca. Y que haya sido retirada de las salas en un tiempo relativamente corto, no quedando en Madrid más que una que todavía la proyecte. Espero que ocurra como con otras películas que con el tiempo se fueron haciendo conocidas y fueron siendo vistas por un público cada vez más amplio. Selfie lo merece.

Selfie se proyecta en el cine Artistic Metropol, en  Calle Cigarreras,6. M: Acacias, L5.

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Publicado por en septiembre 9, 2017 en Cine