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Archivo de la categoría: Cine

Aniquilación (Alex Garland, 2.018). Una notable cinta de ciencia-ficción que nos invita a la reflexión.

Resulta muy estimulante y tranquilizador comprobar como el cine de ciencia-ficción se está decantando cada vez más por tramas cada vez más profundas, elaboradas y en ocasiones complejas.  Lejos de la superficialidad y la mera comercialidad entregada al entretenimiento, la espectacularidad y los efectos especiales. Defectos de los que adolecen-según quienes las han visto- las nuevas entregas de la interminable saga de Star Wars. Yo ni las he visto ni tengo el menor interés en verlas. Lo que me satisface hoy día son películas del género fantástico o de la ciencia-ficción que planteen temas profundos e innoven dentro del subgénero. He visto varias últimamente que se adentran dentro de ese terreno. La intención que se veía en Interstellar (Cristopher Nolan, 2.014) era buena, pero la película terminaba siendo confusa, además de larguísima y un auténtico tostón, donde lo que más se vislumbraba era la pretenciosidad grandilocuente del peor Nolan (el de El caballero oscuro: La leyenda renace, El prestigio y Dunkerke). Luego me encontré con Ad Astra (James Gray, 2.019), meritoria obra que estaba muy por encima de la plúmbea película de Nolan, pero que resultaba demasiado triste y descorazonadora. Y entonces me topé con Ex-Machina (Alex Garland.2.014), película de la que ya he escrito en este blog en la sección Cine y que me encantó. Sobre todo por como plantea la duda de si el ser humano no ha ido demasiado lejos en su relación con las máquinas y si los robots creados por este no podrán llegar a sobrepasarle y sustituirle algún día. Ex-Machina me alucinó y sobrecogió al mismo tiempo. En ese momento, me dí cuenta de que estaba ante un gran creador con un gran porvenir en el subgénero de la ciencia-ficción. Y entonces llegó su siguiente filme, Aniquilación (2.018), cuyo estreno fue controvertido, porque no tuvo lugar en salas de cine, sino en la plataforma Netflix. Ahora ha sido editada en DVD para venta. La he visto, y tengo que decir, que si bien, no ha llegado a tener ese efecto sorpresa que tuvo para mí, Ex-Machina, si  me ha resultado muy interesante, porque vuelve a plantear la pregunta de si los humanos estamos preparados para vivir en nuevos entornos y situaciones. Si en Ex-Machina, la amenaza para la continuidad de nuestra supremacía, provenía de unas robots que habían alcanzado demasiada inteligencia, aquí proviene de ecosistemas totalmente extraños producto de un inexplicable resplandor y con flora y fauna géneticamente modificadas. En ese terreno tan pantanoso, es donde la seguridad y las certezas de los humanos-aquí representados por cinco atrevidas mujeres de muy distinto carácter y personalidad- empezarán a tambalearse. Quizás pueda resultar algo lenta en su desarrollo  a quienes estén acostumbrados a un cine demasiado dinámico, pero se agradece el espacio de reflexión que abre sobre quienes somos y hacia donde nos dirigimos. El final queda abierto a distintas interpretaciones para que  cada espectador saque las que más le convenzan. Porque en el fondo, la ciencia-ficción inteligente no es la que trata de reventar taquillas con los más nuevos efectos especiales y las historias donde hay más acción, sino la que consigue que pensemos y que una vez finalizada la cinta, sigamos reflexionando sobre lo que hemos visto. Es decir, la ciencia-ficción que se convierte en un campo abonado para la filosofía. Esa disciplina de la que andamos lamentablemente tan escasos en estos atribulados tiempos.

Una de cine: Aniquilación (2018) | Chica Sombra

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Publicado por en julio 31, 2020 en Cine

 

Dos nuevas joyas del cine coreano. Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2.013) e Infiltrado en el Norte (Yun Jong-bin, 2.018).

El cine coreano sigue dándome alegrías. Es una cinematografía que cuanto más lo exploro, más interesante y satisfactoria me resulta (no siempre me ha ocurrido lo mismo con la gastronomía coreana). Las dos películas de las que hablo hoy son dos obras muy distintas entre sí, que tienen en común su inmensa calidad.

La primera es Snowpiercer, que literalmente significa Perforador de nieve. Esta dirigido por el hoy célebre Bong Joon-ho, autor entre otras de Memorias de un asesino en serie, The Host o Parásitos. Es una distopía que transcurre integramente a bordo de un tren. Resulta que en un futuro cercano, para combatir el cambio climático se ha arrojado un producto que lo que ha hecho ha sido congelar el planeta y acabar con toda forma de vida. Vamos, que ha sido mucho peor el remedio que la enfermedad. Sólo han sobrevivido los humanos que han conseguido subirse al tren. Este larguísimo tren acoge a dos clases sociales. Unos, los humillados y oprimidos, cuya vida es un infierno y que carecen de todos los derechos, y otros, los que viven en otra parte del tren, los privilegiados y opresores, que viven a costa de los primeros. Todo transcurre sin cambios hasta que un día, los primeros ya no aguantan más y se sublevan contra los segundos. Snowpiercer es una dispotía con una clarísima alusión a la lucha de clases. Además de eso, el aficionado al cine de ciencia-ficción, captará enseguida ecos de clásicos no menos reivindicativos como Sylon Greeen (aquí rebautizada como Cuando el destino nos alcance, Richard Fleischer, 1.973) o Zardoz (John Boorman, 1.974). Esta ha sido la película más internacional de Bong Joon-ho, pues cuenta con un reparto mayormente anglosajón en el que se encuentran Chris Evans , Jamie Bell, Tilda Swinton (bastante irreconocible), John Hurt, Octavia Spencer y Ed Harris -en un papel de demiurgo que nos recuerda al que ya interpretara en El show de Thruman (Peter Weir, 1.998).  En fin, una maravilla de película que aunque se desarrolle en un contexto futurista y de ciencia-ficción, tiene bastante de real.

Snowpiercer (2013) - IMDb

Snowpiercer (2013) - simonprior.com

Snowpiercer (2013)

En cuanto a Infiltrado en el Norte (Yun Jong-bin, 2.018), es la película que más ha conseguido mantenerme en tensión desde El diablo sobre ruedas (Steven Spielberg, 1.972). Está basada en hechos reales. Trata sobre un hombre que fue infiltrado en Corea del Norte por el Gobierno surcoreano para que se acercara a las plantas nucleares norcoreanas, las fotografiase y sacase la mayor documentación posible sobre el armamento nuclear del país vecino. Toda la película está presidida por el suspense, la tensión y las situaciones incómodas, y a veces, inesperadas. El protagonista se ve obligado a hacer creíble un personaje que nada tiene en común con él. Y uno percibe la angustia de tener que moverse en un infierno como es Corea del Norte. También hay que destacar lo bien caracterizado que resulta el personaje del repulsivo (en todos los sentidos) dictador Kim Jon Il (1.942-2.011). Y uno se da cuenta, de lo afortunado que es-a pesar de todo- de no tener que vivir bajo una pesadilla totalitaria como la que impera en Corea del Norte desde hace ya 75 años. Es una de las películas más amenas y logradas que he visto últimamente y todo en ella muestra rigor, calidad y buen hacer fílmico.Y lo mejor de toda esa rocambolesca trama es que ocurrió de verdad. Además, volverán a disfrutar del mejor cine de espías. Ese género que de vez en cuando nos vuelve a regalar alguna obra maestra como El puente de los espías (Steven Spielberg, 2.015) o Gorrión rojo (Francis Lawrence, 2.018).

Infiltrado en el norte - Korea 100 by CineAsia BCN FILM FEST 2020

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Publicado por en julio 30, 2020 en Cine

 

Maridos (John Cassavetes,1.970). Un filme muy inteligente y profundo sobre la amistad, la inmadurez y la insatisfacción.

He visto unas cuantas películas últimamente. Pero entre todas, la que me ha resultado más satisfactoria ha sido Maridos (1.970). Fue dirigida por John Cassavetes (1.929-1.989), el padre del cine independiente estadounidense y sin duda uno de los directores más influyentes y prestigiosos que ha dado EEUU. A pesar de ser neoyorkino, su cine en ciertos aspectos está más cerca al europeo que al estadounidense. Es un cine sobre sentimientos y problemáticas personales, muy alejado del circuito comercial de los grandes estudios. Cassavetes abordaba en sus películas temas como la incomunicación, la locura, la insatisfacción o el abandono. Ya desde su ópera prima A child is waiting/Ángeles sin paraíso (1.963), donde nos mostraba el abandono y la estigmatización que sufrían los niños con deficiencia mental, pudímos alumbrar las angustias humanas que se volverían un tema frecuente en su obra posterior. Y ya nos dimos cuenta entonces de que estábamos ante un autor enorme en dos aspectos: talento y originalidad. Maridos, como otras obras de su autor no es una película fácil de ver. Entre otras cosas, porque recurre con frecuencia a escenas que además de muy largas, resultan enervantes. Juega deliberadamente con los nervios del espectador. Pero a pesar de eso, merece ser vista por lo menos una vez en la vida. Es la historia de tres amigos casados que se encuentran cada vez más astíados y desequilibrados debido a sus fracasados matrimonios. La solución que adoptan ante su frustrante y estresante realidad será refugiarse en un comportamiento inmaduro, totalmente impropio de personas de su edad (en torno a los 40 años). La inesperada muerte de un cuarto amigo les servirá de excusa para recuperar comportamientos adolescentes, dar rienda suelta a sus instintos y en una huida hacia delante, marcharse unos días a Londres. Entiendo que su visionado no resulte fácil hoy por la forma en que está rodada con algunas escenas compuestas en ocasiones por muchos personajes que van hablando mientras cantan y muestran sus alegrías y penas. Es una forma de rodar que murió hace mucho. Pero la película es tan magnífica en la autenticidad con que muestra la crisis interior de los hombres de mediana edad que creo que todo varón-además de todo cinéfilo-debería verla. El filme es de una naturalismo/realismo insuperables. Y aunque ciertas actitudes de los protagonistas puedan ser criticables, les acabas entendiendo por la frustración y desesperación interior de las que son portadores. Y es que Maridos habla sobre amistad, inmadurez, frustración, incomunicación, temas que en uno u otro momento de nuestras vidas, nos han afectado a todos. A eso hay que añadir las tres formidables interpretaciones de sus protagonistas: el propio John Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara.

Alejandro G.Calvo on Twitter: "WARNING ALERT. El día 17 a las ...

Husbands (1970) - Photo Gallery - IMDb

Husbands [1970] Review: Imperfect Sincerity, or simply, Sincerity ...

Husbands (1970) [Criterion Collection] / AvaxHome

 
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Publicado por en julio 12, 2020 en Cine

 

1.987 (Jang Jun-hwan, 2.017), El asesino de los caprichos (Gerardo Herrero,2.019) y Quién a hierro mata (Paco Plaza,2.019). Mis tres recomendaciones de cine para esta semana.

He visto recientemente en Movistar+ tres películas que me han gustado bastante.

La primera es 1.987, película coreana de Jang Jun-hwan sobre los acontecimientos que intensificaron la rebelión del pueblo surcoreano contra la interminable dictadura policial que llevaban soportando casi cuatro décadas. Es un historia que nos muestra sin contemplaciones la brutalidad y mezquindad del régimen surcoreano y lo humillante que es vivir sin derechos ni garantías. La historia está muy bien contada y se nota que su director se ha documentado bastante bien acerca de los hechos históricos. La película gira en torno a las repercusiones que acaba teniendo la noticia sobre un joven muerto por tortura cuando estaba bajo custodia policial. El final es de lo más emotivo.

1987: When the Day Comes (2017) - Filmaffinity

Movistar estrena la película inédita 1987 - Ramen Para Dos

1987: When The Day Comes - AsianWiki

El asesino de los caprichos, de Gerardo Herrero nos cuenta una trama policial en la que se suceden una serie de asesinatos en todos los cuales se reproduce uno de los Caprichos de Goya. Algo similar a lo que ocurría en Seven (David Fincher;1.995) con los pecados capitales. La idea me parece genial y el desarrollo de la cinta es muy ágil. Muestra el difícil día a día de dos policías. Una de ellas, odiosa e intratable interpretada por Maribel Verdú, y la otra bastante más normal, a la que da vida Aura Garrido-la anterior protagonista de El Ministerio del Tiempo y a la que también hemos visto en la serie Crematorio (Jorge Sánchez-Cabezudo,2.011) y en el brillante thriller El cuerpo (Oriol Paulo,2.012),entre otras. Gerardo Herrero consigue que la historia no decaiga en interés en ningún momento. Además, todo resulta de lo más creíble.

El asesino de los caprichos (2019) - Filmaffinity

EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS: thriller - Web de cine fantástico ...

Otra historia llena de tensión y situaciones incómodas muy bien llevada es Quién a hierro mata, de Paco Plaza, a quien conocemos por haber codirigido con Jaume Balaguero las cuatro entregas de REC y por habernos deslumbrado con la excelente Verónica, una de las mejores películas de terror de las últimas décadas y la estimable Romasanta, la caza de la bestia, filme basado en hechos reales sobre Manuel Romasanta, el hombre lobo gallego. Esta película a su vez es una nueva versión de la estupenda El bosque del lobo (Pedro Olea,1.970). Quien a hierro mata nos cuenta la historia de un enfermero que por una carambola de la vida se convertirá en la persona que tendrá a su cargo a un anciano narco gallego a quién él considerará responsable de la muerte de su hermano.La retorcida venganza no se hará esperar. Magnífico Luis Tosar-como siempre-pero también María Vázquez-una actriz que merecería más fama y reconocimiento del que tiene- y Enric Auquer (a quién hemos visto como en el papel de José Antonio, el hermano mayor de Txabi Etxebarrieta en La línea invisible). La película llega a ser en varios momentos muy tensa y enervante, pero quizás por eso no distrae la atención del espectador en ningún momento. Todo en este filme está maravillosamente bien llevado. Se agradece la maestría narrativa de un Paco Plaza que ha progresado mucho desde que debutase en la dirección en 2.002 con El segundo nombre, película que en su momento me resultó aburrida e ininteligible.

Quien a hierro mata, de Paco Plaza

Goya 2020: Enric Auquer es el mejor actor revelación por 'Quien a ...

En fin, no se pierdan ninguna de estas tres estupendas películas.

 
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Publicado por en junio 20, 2020 en Cine

 

Federico Fellini (1.920-1.993). Un repaso a sus principales obras.

A lo largo de los últimos años me he adentrado en la filmografía del célebre director italiano. He ido observando e interpretando su obra. He extraído conclusiones acerca del significado de sus películas y he sido testigo de la evolución de su cine. La primera década de su filmografía (los años 50) es magistral. Es en esta década cuando Fellini realiza sus mejores filmes y nos entrega una obra maestra tras otra. Aunque siempre puede haber algún que otro personaje extraño en sus historias, sus películas tienen completo sentido. Están contadas de una manera ejemplar y son insuperables en cuanto al realismo que muestran y la credibilidad que inspiran al espectador. Todo es realista y auténtico. Feliini se revela en estas cintas como un aventajado discípulo de Vittorio de Sica. Son películas que le valen el reconocimiento nacional e internacional y con las que obtiene premios en diversos festivales. Serán también esas películas las que le conviertan en una figura sumamente respetada en la industria y eso le permitirá rodar cómodamente obras totalmente anticomerciales que le hubieran sido negadas a cualquier otro. Y es en esta segunda etapa de su carrera cuando el Fellini autor de obras maestras como Los inútiles, La Strada o Las noches de Cabiria, se marcha para no volver más. Su cine se mostrará a partir de ese momento como una mezcla de surrealismo, onirísmo y nostalgia. Se recreará en mostrar lugares extraños, gente muy rara y situaciones absurdas. Y lo que ganará en imaginación y en ampliación de su mundo propio, lo perderá en coherencia e interés. No digo que el Fellini posterior a 1.960 sea un autor de malas películas, pero de si de películas difícilmente comprensibles para el espectador medio y donde importan más aspectos como los decorados, el vestuario, la música o la originalidad de los personajes que el contar con un guión sólido y una narración con sentido.  A medida que pasan los años su cine se va haciendo más complejo y cada cinta suya resulta más difícil de ver y requiere más esfuerzo y paciencia por parte del espectador que la anterior. Fellini tuvo mucha suerte de conseguir prestigio y poder dentro de la industria, pero también de haberse movido en una época en la que los autores podían sobrevivir porque todavía no se había caído completamente en la tiranía de lo comercial en la que vivimos actualmente. De hecho, su obra posterior a La dolce vita (1.959), hoy sería claramente inestrenable. Mi consejo es que si están interesados en iniciarse en la obra de Fellini, comiencen con sus primeras películas, que son las mejores y más sencillas de entender. Empezar por obras como Giuletta de los espíritus puede provocar mucho rechazo al conjunto de la obra de Fellini, por el poco sentido que tiene esta película en concreto. Realmente, Fellini parece más interesado en filmar sueños que en entregarnos una historia convincente e interesante.

A continuación les muestro las 9 películas que he visto del cineasta italiano.

Los inútiles - Wikipedia, la enciclopedia libre

Los inútiles (1.953).

La Strada (1954), por Ángel R. Lombardi Boscán - EntornoInteligente

La Strada (1.954).

Qué grande es el cine - Almas sin conciencia - RTVE.es

Almas sin conciencia (1.955).

Las noches de Cabiria, ver ahora en Filmin

Las noches de Cabiria (1.957).

La dolce vita”: el reestreno del clásico de Fellini y la magia ...

La dolce vita (1.959).

BBC Radio 3 - The Essay, Listener, They Wore It, Federico ...

8 1/2 (1.963).

Giulietta Masina in Giulietta de los espíritus (1965) | Cine ...

Giuletta de los espíritus (1.965).

xenofuturistxlr8r en Twitter: "Director: Federico Fellini Fellini ...

Amarcord (1.973).

El mito de Casanova en el cine: 12 películas, de mejor a peor

El Casanova de Fellini (1.976).

Otras películas de Fellini:

El jeque blanco (1.952).

Satirycon (1.969).

Roma (1.972).

La ciudad de las mujeres (1.980).

Y la nave va (1.983).

Ginger y Fred (1.986).

Intervista (1.987).

 

 
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Publicado por en junio 5, 2020 en Cine

 

La línea invisible. Excelente serie de Mariano Barroso sobre los orígenes de ETA.

De vez en cuando aparece alguna serie de televisión que merece la pena-aunque en ocasiones esa serie sea un fracaso comercial y nadie se entere de su existencia- y un buen ejemplo de serie de calidad es precisamente La línea invisible. Dirigida por Mariano Barroso, esta serie narra los primeros años de existencia de la organización independentista ETA, comenzando la historia cuando todavía no habían dado el paso hacía la lucha armada. Todo en ella respira realismo y autenticidad. Todo lo que se narra resulta de lo más interesante y los seis episodios de una duración media de 42 minutos, se hacen cortos. Destaca además su imparcialidad, pues no hay nada de panfletario ni sectario en su desarrollo, ya que muestra todos los puntos de vista. Muestra el lado más íntimo y personal de todos los personajes mostrando sus intereses, deseos y preocupaciones. Se podría decir que todos los personajes han sido humanizados deliberadamente para conseguir en todo momento una mayor cercanía con el espectador. Las interpretaciones son notables-exceptuando la de Patrick Criado, que en cualquier serie o película que lo metas, se limita a poner cara de desagrado todo el tiempo- lo que transmite mayor proximidad con la problemática de los personajes. La serie comenzó el miércoles 8 de abril. La puso a grabar y ya he visto todos los episodios antes de que se emitiese toda la serie (se pueden ver aunque todavía no se hallan emitido). Y tras terminar de verla, siento unas ganas enormes de que muy pronto vuelva a emitirse una serie de similar calidad y que aborde cualquier otro tema histórico contemporáneo. Y que lo haga como lo ha hecho La línea invisible. Con valentía, rigor y claridad en todos los aspectos.

La línea invisible se emite en el canal #0 a las 22.15 los míércoles.

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Publicado por en mayo 2, 2020 en Cine

 

Recordando a Brian Dennehy (1.938-2.020). Un excelente actor de reparto en multitud de películas de acción.

El pasado día 15 nos dejó Brian Dennehy. Entre unas cosas y otras, no he podido dedicarle hasta hoy el post que se merecía.Era uno de los mejores actores secundarios de las últimas décadas. Un actor en mi opinión desaprovechado, porque se vio encasillado en películas de acción, a menudo mediocres, y por descontado, indignas de su talento.Una de las pocas veces en que se apartó del género de acción fue cuando protagonizó El vientre del arquitecto (Peter Greenaway,1.987), donde encarnaba a un arquitecto cincuentón que pasaba por una crisis personal. Lástima que la película-como todas las de Greenaway, fuese insoportable-, pero él demostró una vez más la amplitud de su talento. Empezó tardíamente en el mundo del cine, pues no sería hasta 1.977 cuando hizo su primer papel, que sería en Looking for Mr. Goodbar (Richard Brooks, 1.977). En el teatro ganó 2 Premios Tony. El primero en 1.999 por Muerte de un viajante y el segundo en 2.003 por Long´s day journey into the night. También ganaría dos premios por su papel  en la adaptación a serie de televisión de Muerte de un viajante, en 2.001. El Premio del Sindicato de Actores y el Globo de Oro. En cambio, en el cine nunca estaría nominado. En los años 80, trabajó en algunos títulos bastante estimables que aquí os dejo. Películas de acción bastante mejores que la media, un western de enorme calidad y un thriller judicial.

Sylvester Stallone Mourns First Blood Costar Brian Dennehy: 'The ...

Acorralado (Ted Kotcheff,1.982). Probablemente su papel más recordado.

Parque Gorky | Doblaje Wiki | Fandom

Gorky Park (Michael Apted,1.983).

Brian Dennehy Dead at 81: Photo Gallery The Actor's Career – Deadline

Junto a Jeff Goldblum y Kevin Kline en el magistral western Silverado (Lawrence Kasdan,1.985).

New on Blu-Ray: F/X (1986) Starring Bryan Brown and Brian Dennehy ...

Con Brian Brown en FX: Efectos mortales (Robert Mandel,1.986).

In Memoriam: Brian Dennehy, un rostro duro | el cine de El Cine de ...

Con James Woods en Best Seller (John Flynn,1.987).

Image gallery for Presumed Innocent - FilmAffinity

Con Harrison Ford en Presunto inocente (Alan J. Pakula,1.990).

 
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Publicado por en abril 24, 2020 en Cine

 

La visita (M.Night Shymalan,2.015). Una excelente película que sabe transmitir miedo y desasosiego a medida que avanza.

Hay directores que son tremendamente irregulares. Lo mismo te hacen una obra maestra que una película normalita que un coñazo insoportable o directamente un bodrio. En esa lista podríamos incluir a cineastas tan dispares como John Ford, Elia Kazan, Joseph L.Mankiewicz, Federico Fellini, Akira Kurosawa, Ingmar Bergman, Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Vicente Aranda o más recientemente a M.Night Symalan. El problema de Symalan es que puso el listón muy alto con El sexto sentido (1.999), filme que sorprendió a todos no sólo por su alta calidad, sino también por su originalidad. Eso ha hecho que inevitablemente, la mayor parte de su obra posterior haya decepcionado. Y que muchos de los que en un primer momento le admiraron, hace ya años que reniegan de él y le detestan. No siendo ningún experto en la obra de Symalan, y no habiendo visto de él más que cinco películas, si considero sin embargo que he visto lo suficiente para poder confirmar la irregularidad de resultados que se nota en esas cinco películas. El sexto sentido (1.999) era muy buena, El protegido (2.000) estaba entretenida, pero su trama era confusa y difícil de seguir, y se salva más por la originalidad de la historia que planteaba que por ser un trabajo realmente sólido. Señales (2.002) mostraba que volvían el talento y el vigor narrativo de la primera película mencionada, y nos percatábamos de la gran habilidad de Symalan para crear situaciones de suspense ante una amenaza que sólo se nos mostraba fisícamente al final. The village (2.004) era un aburrimiento tremendo, un bodrio que nunca debiera haber sido materializado. La película no tenía el menor interés en ningún momento y es de esas que a los 20 minutos de haber comenzado te das cuenta de que has tirado el dinero pagando la entrada. Es más, The village me parece una tomadura de pelo. Volví a casa hundido y cabreado después de verla (de soportarla, más bien). Hacía mucho que yo ya no mostraba interés por la obra de Shymalan cuando de repente buscando en la programación de Movistar +, me encontré con una historia de terror que él había realizado hacía pocos años. Y debido a que soy un apasionado del género, decidí darle una oportunidad. Me refiero a La visita (2.015). Es un filme muy bien concebido y desarrollado, donde además tenemos un argumento de lo más original. En esta ocasión, los inquietantes no son los niños-propuesta que ya está muy vista ya que se ha explotado en demasiadas ocasiones desde que Rolf Villa dirigiese en 1.960 El pueblo de los malditos, hoy convertida en un clásico-, sino los abuelos. Shymalan ha sabido transmitir suspense, desasosiego, inquietud y en la parte final, auténtico terror a una producción de muy modesto presupuesto. La película ha sido una de las más rentables de la Historia del cine, pues sólo costó 5 millones de dólares y recaudó 100. El mismo caso de las baratísimas La noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1.968) y La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1.974), que se convierten en inmensos éxitos de taquilla, además de en dos referentes permanentes del género. Todo en La visita está muy conseguido,empezando por la atmósfera sumamente realista, continuando por los personajes que nos muestran-todos ellos bastante creíbles- y finalizando por un progresivo enrarecimiento de la situación, donde intuimos que todo desembocará en un final de lo más aterrador. Considero que La visita se convertirá en un clásico del terror y en uno de los títulos imprescindibles de este género si se le hace justicia.  Nunca pensé que escribiría en este blog para elogiar un filme de Shymalan, pero hoy lo he hecho. Y con orgullo.

Esculpiendo el tiempo: La visita (The Visit, 2015) de M. Night ...

Crítica de La visita, la nueva película de Shyamalan ...

M. Night Shyamalan | LA VOZ EN OFF

 
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Publicado por en abril 24, 2020 en Cine

 

Ex-Machina (Alex Garland, 2.014). Un inquietante filme de Ciencia-Ficción sobre un futuro que ya está aquí.

Hace unos días vi una película de ciencia-ficción muy interesante titulada Ex-Machina. Trata sobre la inteligencia artificial y el uso que de ella hacemos los humanos. Viendo la película nos damos cuenta de los peligros que tiene que este tipo de inteligencia evolucione demasiado rápido. Nos preguntamos si no está cercano el día en que las máquinas nos sobrepasen en inteligencia y nos destruyan. Creo que lo que cuenta la película puede estar pasando ya. Lo cierto es que Ex-Machina para ser una película de ciencia-ficción resulta completamente realista en todo lo cuenta. Eso hace a la historia más inquietante. Todo está muy conseguido y destaca el  excelente trabajo de la gran Alicia Vikander.

Ex Machina (2015) - Filmaffinity

Ex Machina: Crítica de la película

Ex Machina', la película de ciencia-ficción que ya deberías haber ...

Turing Test: Why It Still Matters - Liwaiwai

 
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Publicado por en abril 15, 2020 en Cine

 

Amantes (Vicente Aranda,1.991). La obra maestra de su director y una de las mejores películas del cine español.

El viernes volví a ver casi 30 años después de su estreno, Amantes (1.991). Es sin duda la obra maestra de Vicente Aranda, cineasta sumamente irregular capaz de lo mejor (Celos, Juana la Loca, Intruso) y de lo peor (Asesinato en el Cómite Central, Si te dicen que caí, Tiran Lo Blanc).  Vicente Aranda siempre se  ha caracterizado por el uso de atmósferas tensas, malsanas o enfermizas en las historias que narra, lo que hace que a veces ciertas situaciones que se plantean en la pantalla lleguen a resultar enervantes para el espectador. También por ser un destacado erotómano, pues rara es su película en la que no aparecen escenas de sexo, si bien en ocasiones estas resultan gratuitas. A lo largo de su carrera, construyó una de las filmografías más reconocibles y coherentes del panorama español, si bien el talento no siempre le acompañó, pues hay películas suyas que son desastres fílmicos de primera magnitud (en algunas escenas de Si te dicen que caí falla el sonido y en otras nocturnas se ve muy mal). Pero si había una película suya que mereció el apoyo unánime de la crítica y unos cuantos premios, esa fue Amantes. Al volver a verla, no me ha decepcionado. Partiendo de una historia real ocurrida en  la España de 1.955, Aranda nos cuenta la cada vez más complicada situación de un jovenzuelo de incierto porvenir atrapado entre dos mujeres de comportamientos y actitudes ante la vida radicalmente opuestos. Y es en el contraste entre estas dos mujeres donde se puede entrar en un estudio psicológico de lo más interesante. Estudio psicológico que nos revela aspectos fundamentales del tipo de sociedad y el momento histórico en que viven.

Por un lado, Trini (Maribel Verdú) encarna a una pobre infeliz que es una consecuencia directa de la educación nacionalcatólica. Ella es celosa, malpensada, ignorante, sexualmente reprimida, sólo aspira a casarse con un hombre que la mantenga a ella y a sus hijos, mientras ella se dedica al hogar, y odia a las mujeres sexualmente libres a las que considera unas guarras. Eso significa que si el “hombre de sus sueños” le falla, todo su limitado mundo se quiebra sin que haya en la recámara un Plan B. En definitiva, un ser inmaduro y dependiente. La única vez en que decida tener un comportamiento adulto y decidido lo hará guiada por los consejos de una persona adulta de la que depende. Todavía quedan unas cuantas mujeres con esos comportamientos hoy día, a pesar de todo lo que hemos avanzado.

Por otro lado está Luisa (Victoria Abril), una mujer sexualmente libre y economicamente independiente. Independencia conseguida que  en parte se debe a complementar su trabajo de casera con turbios negocios en los que se junta con una gentuza que llegará a ser una amenaza para ella misma. Luisa a pesar de  no ser una  compañía muy recomendable si es una mujer plenamente adulta y hecha a sí misma, mientras que Trini no deja de ser una niña guiada desde la cuna para que se case con un buen mozo.  Lo que si lamentamos es que las mujeres tuviesen que relacionarse con el lumpen para poder progresar en lo económico. Aunque no sea un personaje simpático la comprendo perfectamente y me transmite mucho más que Trini.

Y para terminar está Paco (Jorge Sanz), el personaje menos interesante de los tres, debido a que poco es lo que podemos deducir de él aparte de que el hecho de trabajar parece no apasionarle demasiado, y también que el estar interpretado por alguien con tan pocos recursos como Jorge Sanz no ayuda. Aunque en esta ocasión, por las características del personaje, juvenil y algo mujeriego, si considero que Sanz da el pego.

Toda la cinta destila realismo y autenticidad. La España del frío, la escasez y los salarios de hambre está muy bien representada. También todos los aspectos que regulan los comportamientos sociales con sus reverencias a quienes ocupan escalafones superiores  y sus llamadas de usted a quienes tienen más edad. Aranda nos mete con suma habilidad en una historia progresivamente tóxica y enfermiza desde el primer momento. La historia es de lo más absorbente, y los personajes, totalmente creíbles. Es una realidad hostil y sucia, pero no podemos engañarnos. Es la realidad de nuestro desgraciado país. Desde el pueblo nevado con una enorme iglesia-que parece una catedral-hasta el Madrid que acaba de despedirse de la larguísima posguerra, todo está recreado con un trazo maestro.  Lo que terminamos deduciendo es que una sociedad y una vida mediocres terminan generando comportamientos envidiosos, tóxicos o neuróticos, y que si el trío protagonista se hubiese criado en un entorno más favorable, no serían tan negativos sus  comportamientos y actitudes.

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Publicado por en abril 13, 2020 en Cine