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El detective (Gordon Douglas,1.968) y El candidato (Jason Reitman,2.018). Dos notables películas que nos muestran los aspectos más negativos de la sociedad estadounidense.

He visto en los últimos días dos películas aparentemente muy diferentes, pero que tienen en común mostrarnos desde diversos ángulos y narrativas lo peor de la sociedad capitalista. La primera es una obra maestra del cine negro, El detective, dirigida en 1.968 por Gordon Douglas. El detective es un filme amargo y pesimista, tanto como su protagonista, un detective de la policía, hastiado, con falta de autoestima, y sobre todo cínico y desencantado. La razón de ese sentimiento es que lo que ve a su alrededor no le gusta lo más mínimo, empezando por el comportamiento de sus compañeros de trabajo. Es un personaje que debido a su lealtad a una serie de principios éticos no ha ascendido en el escalafón todo lo que hubiese podido. A menudo su ofuscación en la defensa de lo justo y lo moral se confunde con su falta de ambición. Lo que hace que nos preguntemos porque ha escogido esa profesión, cosa que nos desvelará en un momento de la película, contestando que por tradición familiar. El enorme valor y la notable calidad de esta obra se debe no sólo al interés de su trama, el cual no decae en ningún momento, gracias a unos buenos diálogos y a un formidable reparto, sino también a los valientes temas que se atreve a tocar. En El detective tenemos de todo: homosexualidad masculina, ninfomanía femenina, brutalidad policial-con un policía negro afirmando orgulloso que está aplicando un mecanismo de tortura copiado de los nazis en los campos de concentración-corrupción policial y política, especulación inmobiliaria y fondos buitre, y excluidos sociales convertidos en subversivos.. En fin, que no falta de nada y que precisamente la elección de esos temas hace que vista hoy, 51 años después de sus realización y estreno, siga manteniéndose muy actual. Hay que decir que Frank Sinatra-siempre convincente como actor, lleva a cabo una de las mejores interpretaciones de su carrera mostrando con su triste mirada el desencanto tanto con su profesión como con la sociedad en que vive. Y el resto del reparto no desmerece:  La inolvidable Lee Remick interpreta a la esposa del protagonista, no menos atormentada que él, aunque por razones totalmente diferentes, la maravillosa Jacqueline Bisset es la viuda de un hombre muerto en extrañas circunstancias, el magnífico Robert Duvall es un policía brutal y despreciable y el hoy olvidado Tony Musante da vida a un pobre desequilibrado convertido en el principal sospechoso de un crimen atroz.

Había que ser muy valiente para rodar un filme tan descarnado y crítico con la sociedad y los poderosos en la conservadora Norteamérica de entonces. Además, la película va al grano de la trama desde el primer momento, y las numerosas subtramas que se van mostrando al espectador, no restan, sino que suman porque enriquecen el relato principal y lo dotan de una total coherencia que se mostrará en la parte final.

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La segunda película sin alcanzar no de lejos la categoría de magistral que ostenta la primera, no por ello desmerece, pues nos enseña la peor cara de una sociedad puritana e hipócrita. Se trata de The front runner, aquí traducida como El candidato, y dirigida el año pasado por Jason Reitman, hijo del también director Ivan Reitman, autor entre otras de Los cazafantasmas y Los gemelos golpean dos veces. El interés de El candidato está en mostrar la historia de un hombre que de no ser por sus debilidades personales-en este caso su carácter mujeriego y seductor-podría haber cambiado la Historia de su país, y la del mundo entero. Este personaje es Gary Hart, un político brillante, carismático y con un estilo que algunos criticarán hoy día como populista. Pero en sus 20 años en política demostró tener una visión amplia de las cosas mirando siempre al futuro y al progreso de la sociedad y negándose a caer en el cortoplacismo.  A Hart le preocupaba la calidad de vida de sus ciudadanos, cada vez más pauperizada por los efectos devastadores de las políticas neoliberales de Reagan de quien fue un implacable fustigador desde que este comenzó a gobernar. Me da la impresión de que Gary Hart en su carrera como político fue por sus puntos de vista un líder mucho más canadiense y europeo que estadounidense. Y quiero pensar- quizás con romanticismo e ingenuidad- que de haber llegado a la Casa Blanca hubiese convertido a EEUU en un país socialdemócrata.

Quienes se encargaron de destruir sus posibilidades como candidato a futuro presidente, fueron además de su propia imprudencia (o exceso de confianza), una casta periodística basada en el amarillismo y en vender titulares sensacionalistas a cualquier precio y renunciando a cualquier escrúpulo para conseguirlo, y una sociedad puritana e hipócrita, dispuesta a perdonar antes a quienes les roban evadiendo o desviando dinero público o a quienes les llevan con mentiras a guerras ilegales, que a quién es infiel a su esposa.

Es por eso que El candidato es una película inteligente y sólida. Al terminar su visionado, te quedas pensando en que mundo vivimos. Y no puedes dejar de establecer paralelismo con la repugnante prensa de papel que tenemos en España y en los vomitivos tertulianos que llevamos tantos años soportando. Y en como los hombres buenos que quieren cambiar las cosas son saboteados y derrotados con sucias maniobras por quienes desde el mundo del periodismo sirven a los poderosos. No es una obra magistral, pero si interesante y necesaria. Desde luego nada que ver con los insulsos y descafeinados biopics tan en voga de unos años para acá. A destacar las estupendas actuaciones tanto de Hug Jackman-cuya errática carrera se ha visto enderezada recientemente gracias a la notable El gran showman– como de Vera Farmiga, a quién recordaréis por ser la coprotagonista femenina de la franquicia Expediente Warren.

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Publicado por en julio 13, 2019 en Cine

 

Las actrices más guapas de la Historia del Cine.

Es difícil seleccionar cual ha sido la actriz más bella de la Historia del Cine. Aquí traigo una lista de las actrices que yo considero más guapas de distintas épocas. Mi criterio de selección se basa en escoger aquellas que tienen una belleza que se sale de lo normal. La lista va de épocas más antiguas a más recientes. Obviamente, habré olvidado algunas, pero he tratado de que la lista sea lo más exhaustiva y completa posible.

 

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Gene Tierney (1.920-1.991)

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Yvonne de Carlo (1.922-2.007)

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Cyd Charisse (1.922-2.002)

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Dorothy Malone (1.925-2.018)

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Maria Schell (1.926-2.005)

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Audrey Hepburn (1.929-1.993)

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Jean Simmons (1.929-2.010)

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Kim Novak (1.933).

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Claudia Cardinale (1.939)

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Jacqueline Bissett (1.944).

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Charlotte Rampling (1.946).

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Lesley Anne-Down (1.954).

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Diane Lane (1.965)

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Elizabeth Hurley (1.966).

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Jennifer Connelly (1.970).

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Jennifer Gardner (1.972).

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Marta Etura (1.978).

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Olga Kurylenko (1.979).

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Eva Green (1.980)

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Natasha Yarovenko (1.979).

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Freida Pinto (1.984).

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Natalie Portman.

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Megan Fox (1.986)

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Blanca Suárez (1.988)

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Brie Larson (1.989).

 
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Publicado por en junio 30, 2019 en Cine

 

Libros y series de TV que os recomiendo para este mes de septiembre.

He podido disfrutar este verano de dos lecturas formidables., una novela y un ensayo. La primera es un clásico de la literatura iberoamericana titulado El Señor Presidente. Escrita por Miguel Ángel Asturias en 1946, está considerada una obra maestra y es una de las novelas de referencia en ese subgénero literario iberoamericano llamado novela de dictador. Con esta categoría nombramos a una serie de novelas cuyo contexto nos sitúa en un país americano gobernado por una dictadura-ficticia o real- y de la que hay obras de extraordinaria calidad. El Señor Presidente nos sitúa en la Guatemala de 1.916, en plena dictadura de Manuel Estrada Cabrera, dictador del país centroamericano entre 1.898 y 1.920. Al tiempo que se denuncian las injusticias sociales y se muestran los flagrantes abusos de los poderosos contra el conjunto de la sociedad, la novela destaca por hacer uso en numerosas ocasiones del recurso estilístico y literario al realismo mágico. Sé que el realismo mágico no es para todo el mundo y que en ocasiones puede resultar cargante, pero aquí está muy bien expresado y dosificado. El uso de la prosa en Asturias resulta magistral y desde luego se nota que influyó en la escritura de novelistas posteriores, especialmente, Gabriel García Márquez. Como García Márquez, Miguel Ángel Asturias, también fue Premio Nobel de Literatura. Concretamente, en 1967, el mismo año que Gabo escribía Cien años de soledad, su obra cumbre y para algunos, la mejor novela del siglo XX.

El único inconveniente con el que se puede encontrar el lector es el continuo uso de vocabulario local, de guatemaltequismos. Pero, si no se le da importancia, se puede continuar con la lectura de manera apasionante. Sin llegar a considerarla una obra maestra, creo que es una obra novela muy bien escrita y a la que considero se le debe dar una oportunidad.

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El segundo libro que recomiendo es un ensayo escrito de manera inigualable por el cada vez más prolífico Yuval Noah Harari, profesor de Historia en la Universidad Hebrea de Jerusalén. Su título es Sapiens. De animales a dioses. Ed. Debate. A lo largo de sus páginas, Harari nos va desgranando las tres grandes revoluciones que ha protagonizado el Homo Sapiens, a lo largo de su Historia:

  1. La cognitiva, que tuvo lugar hace unos 70.000 años y supuso que el Homo Sapiens desarrolló una inteligencia muy superior a la de otras especies humanas que convivieron en el tiempo con él, como Homo Erectus y Neandertal, a las que finalmente llevó a la extinción.
  2. La agrícola, hace 12.000 años, que supuso un avance importantísimo en el modo de organizar el mundo “laboral” y el reparto de tareas entre hombres y mujeres, y sobre todo, el avance a la hora de sobrevivir. Supuso además la creación de nuevo tipo de sociedad con nuevos estamentos, cargos y jerarquías.
  3. La científica, que comenzó hace tan sólo unos 500 años, y que ha hecho progresar a la humanidad más que en todos los milenios anteriores. Este último período todavía no ha terminado, y dependiendo como se utilice la ciencia, podemos vivir en el mejor de los mundos posibles o en una aberrante distopía.

El libro está escrito de manera tremendamente amena desde la primera página. Se aprende muchísimo al tiempo que se disfruta. Además, el autor pone innumerables ejemplos a lo largo del libro, de aquellos temas de los que está hablando, lo que facilita mucho su lectura. Harari muestra una enorme erudición en todos los campos que aborda, y es sorprendente la frecuencia con que pone ejemplos relacionados con la geografía, la historia y la cultura de España. En un momento dado, llega incluso a mencionar los tebeos de El Jabato.

En fin, una maravilla de lectura, que recomiendo a todo el mundo.

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Por último, y cambiando de tercio, recomendaré una serie de televisión llamada The Americans. Trata sobre un matrimonio de espías soviéticos residentes en Estados Unidos en 1981, es decir al comienzo de la Era Reagan. Es una serie magistralmente llevada, donde todas las situaciones emocionantes y tensionantes posibles se entrelazan sin dar tregua al espectador. Acabo de terminar la primera temporada y ya he visto los tres primeros capítulos de la segunda. Si advierto, que a partir del último capítulo de la primera, la historia se va haciendo más enrevesada y cuesta más no perderse en determinados momentos. Son 7 temporadas. La serie entera se encuentra en Netflix, y de momento, tan sólo las dos primeras temporadas se encuentran en DVD.

Las interpretaciones de todo el reparto, empezando por la pareja protagonista son estupendas, y a diferencia de la mayoría de los filmes de acción que se ruedan hoy día, The Americans transmite un realismo sobrecogedor. Todo lo que allí ocurre resulta completamente veraz. Además, tanto las tramas de espionaje como las familiares están muy bien combinadas. También es de agradecer la imparcialidad y rigor en el tratamiento de los personajes, pues aquí no hay ni buenos ni malos. Solamente personajes que sirven a cada uno a un Gobierno o a una causa. Lo cierto, es que en un gran número de situaciones, es imposible no identificarse con la pareja interpretada por Keri Russell y Mathew Rhys. Les entendemos y les compadecemos, porque intuimos que no debe ser fácil esquivar al FBI o  lidiar con una hija adolescente.

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Publicado por en septiembre 1, 2018 en Cine, Literatura

 

Lemmy contra Alhaville (Jean Luc Godard,1.965). Una película revolucionaria que rompe con cualquier lógica esperable.

Si hay un director que ha roto con cualquier convencionalismo a la hora de plasmar en pantalla sus historias ese ha sido sin duda Jean Luc Godard (París,1.930). Ha dinamitado todos los conductos de expresión o comunicación habituales entre el cine y el espectador. Nadie ha llegado tan lejos. Ni siquiera Jacques Tati (1.908-1.982) , y eso que el desafío al sonoro que suponían sus películas en plenos años 1950 y 1960 reduciendo los diálogos al mínimo y mostrando los avances tecnológicos como una amenaza inmanejable, entre otras genialidades de Tati, ya eran bastante subversivas para la época.  Godard se propuso utilizar todas las posibilidades del cine para ir más allá de lo que nadie había ido contando historias incoherentes o con situaciones absurdas. En ese sentido, Alphaville-aquí titulada Lemmy contra Alphaville– es un excelente ejemplo de como se puede transgredir explotando hasta el límite la transgresión narrativa. La historia es una mezcla de policíaco, ciencia-ficción futurista y distopía. Lemmy Caution (Eddie Constantine) es un agente secreto enviado a Alphaville con dis motivos: localizar a otro agente desaparecido, Henry Dickson (Akim Tamiroff), y asesinar al fundador de esa ciudad, el Profesor Von Braun.

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La película ganó el Oso de Oro a la mejor película en el Festival de Berlín.

El filme llama la atención por estar repleto de situaciones inverosímiles y diálogos extravagantes. Estamos ante uno de los casos más extremos de cine experimental. Visto hoy a la mayoría de la gente puede resultarle enervante. Es sin duda una obra radical ante la cual el espectador se siente constantemente desconcertado, pues no sabe a donde se le está llevando. La película pone patas arriba la lógica y la semántica. El contexto de la Guerra Fría está presente en la narración, pero también guarda paralelismos o similitudes con El proceso (Orson Welles,1.962), adaptación de la novela de Kafka. Y como todo lo que recuerda al universo de Kafka, acaba también recordando al universo de Orwell. Y es que el primero denunció la burocracia, y el segundo el Estado totalitario. Pues en Alphaville, tenemos a ambos, Estado y Burocracia, como elementos destructores de los cuerpos y las almas. Una sociedad cuyos recuerdos han sido borrados desde el poder y donde hay palabras que el poder hace desaparecer porque este las considera peligrosas, como ocurría con  la neolengua en la novela  de Orwell, 1.984.

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Viendo la película nos percatamos de la imaginación tan inmensa de Godard con ocurrencias geniales como la aparición de unos personajes femeninos clasificados profesionalmente como Seductoras de Nivel 3.

En fin, si se atreven, véanla con tiempo y con calma.  Quizás sea necesario que la vean varias veces para poder apreciarla en todos aspectos. A algunos/as les terminará gustando.

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Publicado por en julio 3, 2018 en Cine

 

La jungla humana (Don Siegel,1.968). Un estupendo policíaco que supuso la primera película del ciclo Siegel-Eastwood.

Don Siegel (1.912-1.991) fue uno de los directores que mejor han sabido realizar películas policíacas y de acción. Sus películas siempre son ágiles, dinámicas y amenas, y creo que han marcado un camino a quienes llegaron después. Muy pocos han sabido recoger su testigo y contar con la misma habilidad y maestría historias similares. Aunque su filmografía es bastante larga y con muchos títulos notables, aquellas películas por las que es más recordado son las cinco que forman  un ciclo que protagonizó Clint Eastwood. De hecho, Siegel fue el segundo maestro que tuvo Eastwood- el primero fue Sergio Leone-, de hecho al final de Sin perdón, este dedica la película a ambos. A la película que hoy nos ocupa, La jungla humana (1.968), le siguieron Dos mulas y una mujer (1.969), El seductor (1.970)-la mejor película del ciclo y la obra maestra de Siegel-, Harry el sucio (1.971) y Fuga de Alcatraz (1.979). En todas ellas, Siegel demostró un notable sentido de la narración contando historias donde sabía mantener el interés de la trama en todo momento y sin renunciar a su estilo personal. También a nivel interpretativo supo extraer de Clint Eastwood lo mejor de sí mismo , teniendo en cuenta que cuando ambos comenzaron su colaboración a finales de los 60, Eastwood era todavía muy limitado en sus capacidades como actor. Creo que Eastwood no hubiese sido una estrella de cine tan duradera de no haber sido porque Don Siegel se cruzó en su camino. Y tal vez, Eastwood, de no haber consolidado su carrera como actor con estos títulos, nunca hubiese pudiese sacar adelante sus proyectos como director y hoy no conoceríamos joyas como Licencia para matar (1.975), El fuera de la ley (1.976), Ruta suicida (1.977), El aventurero de medianoche (1.982), Sin perdón (1.992) , Million dolar baby (2.004) o Cartas desde Iwo Jima (2.006). Por eso, y por todos los buenos ratos que nos hizo pasar con las películas que dirigió, los cinéfilos estamos muy en deuda con Don Siegel. Y sobre todo , ¡que gran diferencia entre los policíacos de Siegel y la basura que inundó las pantallas en los 80 y 90 y que protagonizaron “actores” como Chuck Norris, Sylvester Stallone  o Jean Claude Van Damme.

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La jungla humana es un filme policíaco que funciona muy bien por diversas razones. Una de ellas es que es una historia de permanentes contrastes. El primero de ellos es mostrarnos a la Norteamérica rural y profunda encarnada por Coogan, el protagonista, enfrentada a la Norteamèrica urbana y en continua transformación encarnada por Nueva York y sus habitantes. Esto se plasmará en los constantes choques que experimentará el protagonista con las autoridades policiales, con la chica – una asistente social de personas conflictivas- y con todas las personas que se van cruzando en su camino. En ese sentido, Coogan encarna a un tipo de personaje heroico cuyos valores y comportamientos están desapareciendo tan rápido como la Norteamérica a la que representan, engullidos por una modernidad urbana aquí encarnada lo mismo por jefes de policía y funcionarios hostiles a los métodos de nuestro protagonista que por los hippies y demás personajes de la contracultura tan en voga en el momento de realizarse el filme. De hecho, Coogan será objeto de burlas, desprecios e incompresiones por parte de unos y otros, a través de toda su aventura por la gran ciudad, sin importarle, pues representa a un rebelde orgulloso que no dará su brazo a torcer hasta haber conseguido su propósito. La segunda es la acertada enumeración y descripción de personajes-sobre todo marginales-que van apareciendo a lo largo del filme-en la comisaria, en el hospital penitenciario, en la inmensa discoteca de ambiente hippie- mostrando el amplisímo collage de diversidad cultural y social que cabe en una megalópolis como Nueva York en contraste con la simpleza y homogeneidad del pueblo de Arizona del que procede Coogan. Es esa variedad y relativismo de la gran ciudad lo que hará que Coogan se muestre torpe o sobrepasado por los acontecimientos en más de una ocasión, pues se ve nadando en aguas desconocidas con las que no contaba encontrarse. La tercera es la dinámica partitura del famoso y prolífico Lalo Schifrin que no puede ser más adecuada al relato y al protagonista. La cuarta es la agilidad con que se desarrolla el relato sabiendo alternar con eficacia los momentos de diálogo o de seducción con los de acción y tensión.

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Es cierto que al haber transcurrido 50 años desde su realización, eso se nota en cuanto a las actitudes del protagonista, que hoy serían vistas como anacrónicas o políticamente incorrectas. Y es que nuestro protagonista es una de las  mejores personificaciones del macho-alfa que se han visto en el cine lo que se plasma en numerosas situaciones. Desde lo fogoso que es en el plano sexual hasta su sangre fría a la hora de enfrentarse a maleantes de todo pelaje, pasando por el detalle de que después de comer con una mujer, la cuenta la paga él (una regla imprescindible del macho alfa en cualquier lugar del mundo). También podría alegarse que la película tiene una perspectiva reaccionaria en lo social al mostrar a los colectivos hippies o contraculturales como una panda de delincuentes y degenerados. Pero lo cierto es que ese enfoque contribuye a afianzar el climax malsano y de tensión de la película, consiguiendo un resultado final más sólido.

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Y fijándose un poco más en los detalles, me he percatado que en esta película, Siegel marca mucho el camino a las futuras películas y series de televisión policíacas de los 70 y 80 en unos cuantos detalles. Por ejemplo, en el enfrentamiento verbal constante entre el heroico protagonista y un jefe de policía antipático y desagradable que le echa broncas por su heterodoxa manera de proceder. O en la variada fauna de delincuentes, prostitutas y homosexuales que aparecen en la escena en que Coogan entra por primera vez en comisaría, y que luego veríamos por ejemplo en la serie Canción triste de Hill Street. O esos policías que llegan siempre cuando todo- es decir, la escena de acción- acaba de terminar. Resulta increíble la cantidad de veces que hemos visto casos de esos tres ejemplos, en películas y series setenteras y ochenteras.

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En definitiva, una película de lo más recomendable, y si este post ha servido para que les entren ganas de ver las cinco películas del ciclo Siegel-Eastwood, me doy por más que satisfecho.

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Don Siegel (1.912-1.991).

Otras películas de Don Siegel:

La invasión de los ladrones de cuerpos (1.956).

Código del hampa (1.964).

Brigada homicida (1.968).

La gran estafa (1.973)

Teléfono (1.977)

Golpe audaz (1.980).

 
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Publicado por en junio 10, 2018 en Cine

 

Jurassic World. El reino caído. (J.A.Bayona, 2.018). Una nueva entrega con argumentos renovados y una trama más adulta y trascendental.

Puedo decir que Jurassic World. El reino caído (2.018), última película hasta el momento de la franquicia iniciada por Steven Spielberg en 1.993,-adaptando la novela de Michael Crichton– y resucitada por Colin Trevorrow en 2.015, me ha dejado razonablemente satisfecho. Es cierto que no me ha entusiasmado al nivel de su predecesora-Jurassic World (Colin Trevorrow,2.015). Pero siendo justo e imparcial, quizás sea esta mejor película que aquella. Es cierto que al estreno de Jurassic World acudí con mucha ilusión y expectativas, pues se trataba de la resurrección de una franquicia que yo creía definitivamente muerta y enterrada, tras la muy aceptable Parque Jurásico III (Joe Johnston, 2.001). No es que yo sintiese mucha lástima por el fin de la trilogía, pues consideraba que esa saga no daba más de sí, y además El mundo perdido (Steven Spielberg, 1.997) me había parecido horrorosa. Pero, cuando después de tantos años, volvían la isla de Nublar y sus prehistóricos habitantes, me adentré de nuevo en ese mundo con mucha ilusión. Con una gran predisposición a que la película me gustase. Y me pareció formidable. Salvo por algunos pequeños detalles, la película rozaba la perfección. de hecho, le doy 4  estrellas y media sobre 5. Con esta nueva entrega no he llegado a experimentar esa sensación. Incluso creo que estaría mejor con doce minutos menos. Pero siendo justo, esta entrega es mejor, por dos razones. Introduce un argumento completamente nuevo-la erupción de un volcán- y desarrolla de un modo más amplia las cuestiones de la bioética. Es decir, aquellas que tienen que ver con hasta que punto tenemos derecho a crear y a destruir nueva vida.  En ese sentido, Jurassic World. El Reino caído es una obra más adulta y madura que sus predecesoras, pues no se conforma con entretener al público durante dos horas y deleitarle con estupendos efectos especiales, sino que pone a la especie humana frente al espejo y trata de hacerle cuestionar sus decisiones comerciales y científicas desde el punto de vista no sólo de la ética y la moral, sino  también, desde la responsabilidad. De esta manera, Bayona sabe por un lado otorgar a la franquicia una nueva narrativa que contar, -cosa que esta necesitaba como agua de mayo- y por otro, por medio de sus reflexiones, la dota de un sello muy personal. Y eso se nota en que mientras en su predecesora, el malvado monstruo mutante era el centro de atención, aquí ocupa un lugar muy secundario en la trama, para priorizar otro tipo de cuestiones, lo cual se agradece, pues no hubiera tenido sentido repetir una y otra vez la misma historia. También se agradece que el personaje infantil de esta película no nos haga chirriar como en anteriores entregas y sólo llore cuando es estrictamente necesario. Los nuevos escenarios en que se desarrolla el filme y el final abierto que plantea, sin duda constituirán un desafío para quienes continúen la franquicia, pues está claro que esta historia no termina aquí. Y tengo que admitir que Bayona deja a esta saga en un punto muy interesante y de mucho suspense y expectativas. No creo que otro director hubiese sido capaz de sacar adelante este material con su talento y dejar la historia tan continuable, pero de un modo tan distinto a lo visto hasta ahora.

También se agradecen las nuevas incorporaciones de dinosaurios en esta entrega: Carnotaurus, Pachycephalosaurus, Allosaurus y Styracosaurus. En cuanto a los actores, todos cumplen bastante bien y afortunadamente, no hay ningún personaje que sobreactúe con riesgo de fastidiar la historia. En ese sentido, todo ha sido muy bien medido para que nada desentone o eche a perder una producción con presupuesto millonario. Desde luego, esta nueva entrega merece que se le dé una oportunidad y su visionado no constituye en modo alguno tiempo perdido, pues sales planteándote cosas que tienen que ver con el mundo en que vivimos y sobre la capacidad y responsabilidad que tenemos cada uno para cambiarlo o mejorarlo. Estas reflexiones era absolutamente necesario introducirlas en una saga que sabemos que irán a ver millones de personas en todo el mundo.

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Publicado por en junio 8, 2018 en Cine

 

Lo mejor y lo peor de Joseph L. Mankiewicz (1.909-1.993). Uno de los referentes indiscutibles del Hollywood clásico.

Joseph Leo Mankiewicz (Wilkes-Barre, Pensilvania,11 de febrero, 1.909- Bedford, Nueva York, 5 de febrero de 1.993) fue uno de los directores imprescindibles del cine de Hollywood  de la época clásica. Sin duda ha sido un cineasta sobre el que se ha escrito mucho, como prueba la amplía bibliografía que hay sobre él y su obra. Sin haber conseguido ver todas sus películas, si que considero que he visto de él las suficientes como para aventurarme a hacer una pequeña reseña de todas ellas, y calificarlas como mejores y peores, porque tengo muy claro que la calidad de su filmografía es muy desigual, igual que ocurre con otros cineastas de la misma época como John Ford, Anthony Mann o Elia Kazan, autores todos ellos muy sobrevalorados, al igual que el propio Mankiewicz. Y es que los cineastas del Hollywood clásico parecen dioses para la crítica. Nunca se pueden valorar negativamente películas suyas como si eso supusiese un anatema.

En fin, Mankiewicz fue un autor muy variado, sin un estilo claramente propio que abordó con mayor o menor fortuna muy diversos géneros en películas muy diferentes entre sí. Eso hace que quizás sea más difícil abordar el significado de la obra de Mankiewicz que la de otros directores contemporáneos suyos.  Entre las películas seleccionadas hay un poco de todo, pero predominan los dramas. El problema de Mankiewicz es que no siempre conseguía imprimir un ritmo ágil a la narración en sus películas y eso hace que algunas de ellas resulten muy pesadas. Tampoco estaba dotado para abordar cualquier género y cuando dirigió por primera y única vez un western- El día de los tramposos (1.970)– lo hizo añadiéndole un toque de comedia que no quedaba nada bien, y le salió un filme aburrido y ridículo que hoy día no se sostiene por ningún lado. Aunque sin duda, el mayor despropósito de su carrera fue la superproducción Cleopatra (1.963), insufrible mamotreto de 4 horas en las que no ocurre nada interesante y que resultan un auténtico martirio para el espectador. Aunque para ser justos también hay que decir que el hecho de que la película fuese uno de los mayores fracasos comerciales de la historia del cine se debió sobre todo a la actitud de su irresponsable pareja protagonista(el matrimonio Elizabeth TaylorRichard Burton) que con su actitud egoísta y alcohólica, retrasaron innumerables veces el rodaje, haciendo que en consecuencia el presupuesto del filme se fuese incrementando cada vez más, hasta acabar costando la película unas seis o siete veces más de lo inicialmente acordado.Eso hizo que aunque la película tuvo una recaudación más que aceptable, no cubrió ni de lejos lo muchísimo que esta había costado. Por eso hablamos de fracaso comercial, aunque más bien deberíamos hablar de fracaso coste-beneficio.

En mi opinión, lo que mejor se le dio a Mankiewicz fueron los dramas en los que jugaba un importante papel el componente psicológico. Y es en ese tipo de filmes donde el cineasta se siente como pez en el agua y consigue sin ninguna dificultad, desplegar todo su talento. Quizás, si no se hubiese arriesgado tanto a la hora de escoger proyectos, su filmografía hubiese sido más uniforme, pero también proporcionalmente. de mayor calidad. Entre las virtudes de Mankiewicz, destacaría su habilidad para la descripción y retrato de los personajes que protagonizan sus películas, pues estos están muy bien retratados y definidos(Eva al desnudo, La huella) y la creación de ambientes y atmósferas (la inquietante mansión de El castillo de Dragonwick o la insuperable puesta en escena de Julio César). Aunque también es cierto, que en ocasiones, los personajes estaban demasiado estereotipados (Un rayo de luz). También, la perfecta dirección de actrices y actores y el conseguir sacar de estos/as soberbias interpretaciones. Y la profundidad psicológica de los personajes, porque justo es decir que Mankiewicz exploró como pocos directores la mente humana y su tristezas y tormentos (La condesa descalza, De repente, el último verano). Y entre sus defectos, yo diría que el no saber combinar géneros adecuadamente, como le ocurrió en El fantasma y la señora Muir, que empieza como una comedia y termina siendo una historia bastante triste o en la mencionada El día de los tramposos, que pretende ser un western cómico o una comedia-western, y sobre todo, la poca habilidad narrativa que demostró en proyectos para lo que estaba claro que él no era el cineasta más idóneo.

Aunque el sueño de Mankiewicz fue siempre dirigir, le costó mucho poder empezar a hacerlo porque Louis B.Mayer (uno de los dos jefazos de la Metro Goldwyn-Mayer) no quería que ejerciese esa función, pues consideraba que era algo para lo que no estaba preparado. De esta manera tuvo que conformarse con ser guionista primero (El enemigo público número uno, 1.934, Vivo mi vida, 1.935) y productor después (Furia, 1.936, Historias de Philadelphia, 1.940). El verse incapaz de cumplir su sueño profesional, fue lo que motivo que rompiera con la Metro y se pusiese a trabajar con 20 Century Fox. Y fue con esta productora, cuando por fin pudo dirigir su primera película, El castillo de Dragonwick (1.946), un filme de lo más original y aceptable, para ser una ópera prima, y en las que ya se vislumbraban las cualidades de Mankiewicz como director.

 

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El castillo de Dragonwick (1.946).

Un relato muy bien ambientado sobre la lucha entre la bondad y la maldad, esta última encarnada en un cruel y despótico terrateniente. Un filme que se ve con agrado y resulta muy apropiado para iniciarse en la filmografía del autor.

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El fantasma y la señora Muir (1.947).

Una presunta comedia se convierte rápidamente en una historia triste, y además torpe y pesada.  Estaba claro que Mankiewicz no era el director adecuado para una historia que en manos de por ejemplo, Billy Wilder o Howard Hawks, hubiese sido ágil y divertida, Este filme, lo único que consigue es aburrir y deprimir al espectador.

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Un rayo de luz (1.950).

Un drama de ambiente médico con el asunto de los prejuicios raciales como telón de fondo. No está mal, pero la trama en ocasiones resulta algo confusa, y los personajes resultan demasiado estereotipados. Además, el final parece parece hecho deprisa y corriendo, y parece tener un tono moralizante algo innecesario. Esta película no es mala,pero tampoco llega a ser buena.

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Eva al desnudo (ídem)

Una fascinante película que nos muestra los entresijos de quienes pertenecen al mundo del teatro. La ambición sin límites, el usar a los demás para ascender profesionalmente, el cinismo y lo peor del ser humano aparecen magistralmente retratados en este filme que sin duda es una de las obras más conseguidas de su autor y una obra maestra del cine.

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Julio César (1.953)

La mejor película de Mankiewicz, y también la mejor adaptación al cine que jamás se haya hecho de una obra de William Shakespeare. Una película rodada en verso- como la propia obra en que se basa- pero sin resultar cargante ni ridícula en ningún momento. Todo lo contrario. Los diálogos son soberbios, la puesta en escena, magistral y la película en sí, resulta un auténtico festín visual de la primera escena a la última.

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La condesa descalza (1.954).

Así como en Eva al desnudo, su autor nos mostraba las mezquindades que se escondían en el mundo del teatro, aquí ajustaba cuentas con la industria del cine y el mundo de los magnates. Una amarga reflexión sobre la fama, la soledad y la insatisfacción. Una estupenda obra con brillantes diálogos provistos de intenso dramatismo. Es cierto que el desenlace final no resulta demasiado creíble, pero salvo por eso, la película funciona a la perfección, siendo una de las mejores  obras de su autor.La historia diserta sobre la insatisfacción, mostrándonos lo extremadamente difícil que es alcanzar la felicidad, a pesar de la fama y la riqueza. Cuando terminas de ver la película, te das cuenta que ninguna otra actriz podía haber interpretado el papel de María Vargas de un modo tan sublime como Ava Gardner. Ese papel estaba hecho para ella.

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De repente, el último verano (1.959).

Un drama psicológico que se desarrolla en un ambiente enfermizo y desgarrador. Una historia que resulta desasosegadora, contada de modo muy eficaz y con uno de los finales más malrollistas de la historia del cine. Está sin duda, entre las mejores películas de Mankiewicz. La parte final, por cierto, se rodó en la costa brava.

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Cleopatra (1.963)

Una catástrofe en todos los sentidos. No sólo porque sus 3 horas y 54 minutos sean insufribles, sino porque los problemas que trajo el rodaje de la película-que se eternizó- y su fracaso en taquilla, hicieron que su autor cayese en desgracia, al dejar de confiar los grandes productores en él. De hecho, después de Cleopatra, sólo pudo dirigir tres películas más. Es decir, este filme, destruyó la carrera de Mankiewicz.

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El día de los tramposos (1.970).

Entre finales de los 60 y la primera mitad de los 70, existió la efímera moda del western cómico o la comedia-western. Lo cierto, que salvando esa obra maestra que es La balada de Cable Hogue (Sam Peckimpah,1.970), el resto de películas que se adentraron en ese subgénero, solieron hacerlo con resultados desoladores. Una buena prueba de ello, es este filme, que pretende ser divertido, y resulta ser un tostón. Aguanté una hora exacta, y después, la quité. Sé que un buen cinéfilo debe aguantar hasta el final, pero el sacrificio humano tiene un límite y yo, ya no podía más.

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La huella (1.972).

Un espectacular desafío, como es adaptar una obra de teatro con tan sólo dos actores, y conseguir una gran película. Y Mankiewicz salió más que airoso, logrando un magnífico filme, que se encuentra entre lo mejor de su obra. Diálogos formidables y una penetración psicológica de primera. Desgraciadamente, la industria ya no confiaba en él, y ese mismo año, tuvo que abandonar el cine antes de que le echasen, a los 63 años, edad muy temprana para jubilarse, teniendo en cuenta que la mayoría de los directores siguen trabajando hasta que se mueren o hasta edad muy avanzada.

Otras películas de Joseph L.Mankiewicz:

  • Carta a tres esposas (1.949)
  • Operación Cicerón  (1.952)
  • Ellos y ellas (1.955)
  • El americano impasible (1.958)
  • Mujeres en Venecia (1.966)

 

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Joseph L. Mankiewicz.

 
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Publicado por en junio 3, 2018 en Cine