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Robert Aldrich (1.918-1.983). Las mejores películas de un cineasta sensacional.

Si había un director del Hollywood clásico de mis favoritos, del que todavía tenía pendiente escribir ese era Robert Aldrich (1.918-1.983), uno de los cineastas más audaces, creativos y con más personalidad que ha habido en la industria del cine estadounidense. Es verdad, que habría que matizar la adscripción de  Aldrich al período clásico, porque él fue uno de esos directores,al que por edad le tocó trabajar en los últimos lustros o décadas del cine clásico y en las primeras del cine moderno o contemporáneo. Y lo cierto es que se movió con una gran soltura y brillantez en ambos períodos del cine norteamericano.  Lo que demuestra que tenía una gran capacidad de adaptación al medio y a los nuevos tiempos. Fue una de sus muchas virtudes. Virtudes que no siempre fueron apreciadas por unos mandamases de la industria egoístas, cortoplacistas y obtusos. Mandamases que le terminarían marginando y soterradamente expulsando de la industria.

A lo largo de sus alrededor de treinta años de carrera como director (1.953-1.981), trabajó los más variados géneros,- western, suspense, aventuras, drama psicológico, bélico, policíaco, comedia y peplum. Siempre adoptó su sello personal en todos los proyectos en que intervino, incluso cuando los grandes estudios pretendían atarle corto, supervisando en todo momento su trabajo. A continuación muestro una selección de títulos de Robert Aldrich, aquellos que he ido viendo a lo largo de muchos años. No he conseguido de momento ver toda su filmografía, pero si los suficientes títulos como para hacerme una idea general de su obra y de su figura.

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Apache (1.953), fue un western valiente al tomar claro partido por los indios y sus derechos, cosa que era practicámente inexistente  en Hollywood, si exceptuamos el caso de la exitosa Flecha rota (Delmer Daves, 1.950). Es un inteligente alegato antirracista que denuncia la situación de marginación, aislamiento y apartheid en que vivían los nativos norteamericanos en su propio país tras la conquista y expoliación de sus tierras por el hombre blanco anglosajón protestante. Desgraciadamente, a pesar del éxito de Apache, la visión de los indios como los malos de la función, siguió siendo la tónica general hasta finales de los 60, cuando los cambios sociales y culturales producidos en todo el mundo occidental trajeron nuevas visiones de los mismos hechos. Con esta película, Aldrich ya comenzaba a mostrarse como un cineasta innovador y con personalidad propia, capaz de combinar con eficacia el alegato con el mejor cine del Oeste y el relato de aventuras. Tampoco podemos olvidar que a la solidez de la historia, se une la vigorosa interpretación de Burt Lancaster, un actor siempre comprometido con proyectos cinematográficos de denuncia o de  corte progresista.

Veracruz (1.954), fue una película sencillamente sensacional, pues combinó como ninguna otra ha hecho los géneros del western y de aventuras. Las correrías de dos aventureros en el México ocupado por Francia dan lugar a una brillantísima historia cuyo interés no decae en ningún momento y nos retrata con convicción dos estereotipos masculinos muy diferentes entre sí. Además, nos otorga el placer de disfutar del duelo interpretativo de dos titanes del cine clásico: Gary Cooper y Burt Lancaster. Ambos reforzados por un espléndido elenco de secundarios, entre los que se cuenta nuestra Sarita Montiel, en la que fue la primera de sus tres películas en Hollywood.

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Kiss me deadly (1.955), es una de los mejores filmes de cine negro de la Historia. Aún así, es muy poco conocida, siéndolo tan sólo por los cinéfilos que la consideran, y con razón como una obra de culto. Es una adaptación de una novela de Mickey Spillane, de la saga protagonizada por el detective Mike Hammer. Resulta bastante original  en muchos aspectos, y cuenta con un comienzo sorprendente y un final de lo más inesperado. Muy buena elección para el papel protagonista de Ralph Meeker. Por cierto, en el único papel protagonista de toda su vida.

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¿Qué fue de Baby Jane? (1.962). En esta película, Aldrich abordó por primera vez el tema de la crueldad entre mujeres, donde una atormenta y humilla a otra, o trata de volverla loca. Volvería a este tema en Canción de cuna para un cadáver (1.964) y El asesinato de la hermana George (1.968). Sin duda, estamos ante una de las películas más enervantes y crueles que se hayan realizado, pero también ante una de las obras cumbres de su autor, que supo mezclar a la perfección el drama femenino psicológico con el suspense, aproximándose en algún momento al terror. La historia, la ambientación/estética, y su desarrollo recuerdan a Hitchcok y especialmente a Psicosis (1.960). Fue uno de los mayores éxitos de taquilla de Aldrich, quién lo necesitaba, después de una serie de filmes que habían fracasado entre el público.Este filme supuso el comienzo de la colaboración entre Robert Aldrich y el guionista Lukas Heller, que se prolongaría durante cinco películas más. ¿Qué fue de Baby Jane está basada en una novela de Henry Farrell, autor cuyo mundo impactó tanto a Aldrich, que volvió a adaptarle en Canción de cuna para un cadáver.

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4 Tíos de Texas (1.963), fue un western en clave de comedia, entretenido, pero nada más. No aportó nada a la filmografía de Aldrich y ciertamente parece más un trabajo de encargo, que un proyecto creado por él. Con todo, resulta simpática y se disfruta su excelente elenco de actores famosos.

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Canción de cuna para un cadáver (1.964).  De nuevo una historia sobre una relación femenina víctima/verduga, y de nuevo, Bette Davis, aunque aquí cambia de registro, pues pasa a ser la víctima. La diferencia fundamental con ¿Qué fue de Baby Jane?, es que aquí, los elementos dramáticos han sido completamente borrados en beneficio de un predominio absoluto del suspense. Además, los elementos terroríficos, que en aquella, sólo se insinuaban aquí están mucho más desarrollados por la vía de lo fantasmagórico. Lo cierto, es que a más de cincuenta años de su realización, esta película sigue resultando bastante inquietante y hay escenas que siguen dando miedo. Lo cual tiene mérito, después de tantos años.

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El vuelo del Fénix (1.965). Inteligente película de aventuras, subgénero supervivencia en la que un grupo de hombres quedan aislados en medio del desierto al estrellarse el avión en que viajaban. En este contexto, el ingenio y las habilidades técnicas y manuales resultarán mucho más útiles que el valor y la fuerza bruta, lo que distingue a este filme de los relatos de aventuras clásicos. Eficaz retrato de las más variadas personalidades/psicologías  masculinas  y excelente reparto que hace subir varios enteros a la historia. Buena, sobre todo por lo original (en aquella época) de su planteamiento, así como por su desarrollo. Ahora bien, las dos horas y media que dura, a veces se antojan algo excesivas.

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Doce del patíbulo (1.967). Una de las mejores películas bélicas de todos los tiempos. Tiene la original idea de poner en el lugar de los héroes a un grupo de criminales y delincuentes de la peor calaña que tendrán una última oportunidad de salvarse de la pena de muerte si llevan a cabo una arriesgadísima misión que es clave para el avance alíado. Esta historia, además,  aborda temas muy diversos desde la discriminación racial hasta el hecho de como nacer en un ambiente desfavorable puede condicionar el resto de tu vida, sin olvidar el fanatismo religioso. Vista hoy día, la película resulta muy atrevida, sino políticamente incorrecta. La parte final es de las que no se olvidan, pues te mantiene pegado al sillón sin poderte mover, de lo emocionante que resulta. Una de esas películas que uno nunca se cansa de ver. Fue uno de los mayores éxitos de taquilla de Aldrich.

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El asesinato de la hermana George (1.968). Segunda película que abordó el tema de la homosexualidad femenina (la primera había sido La calumnia, dirigida por William Wyler en 1.961) y la primera que mostraba claramente una relación de pareja entre dos mujeres. En esta historia, Aldrich volvía a su recurrente tema de una mujer sometiendo o maltratando a otra. Y es que como en Baby Jane, estamos ante un drama femenino psicológico. Aunque la historia llega en determinados momentos a ser bastante desagradable, es imposible dejar de verla, por lo bien narrada que esta la historia que cuenta. El trabajo de las actrices es formidable. Es un filme valiente por atreverse a contar lo que contaba en una época en la que todo lo relacionado con el aspecto sexual era tema tabú, y más lo referente a la homosexualidad. El único reproche que cabe hacerle a la película es la imagen estereotipada de las lesbianas en la escena del club semiclandestino, pues parecen todas chicos. Y habrá lesbianas femeninas, digo yo. Pero, teniendo en cuanta la época y la poca información disponible entonces sobre el tema, se le perdona.

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La banda de los Grissom (1.971) está inspirada en el Clan Barker, una familia de gansters psicópatas de principios de los años 30. La historia, tremendamente violenta, muestra la infinita amoralidad del ser humano al tiempo que nos precipita por un guión vertiginoso que recoge las mejores enseñanzas del cine negro. La película tiene partes y secuencias de una dureza extrema, que siguen impactando a pesar del tiempo transcurrido desde que se rodó. Es de agradecer que Aldrich no descuidase el mostrar con eficacia los retratos psicológicos, pues contribuyen de manera notable a dar mayor coherencia y fuerza al relato. El filme, narrativamente funciona a la perfección, pues no sobra nada de lo que se cuenta. Sin embargo, el público de la época no estaba preparado todavía para una obra de estas características, y la película fracasó en taquilla. Como dato curioso, señalar que el año anterior había sido realizada otra película sobre el Clan Barker: Mama sangrienta (1.970), de Roger Corman.

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En El emperador del Norte (1.973), un argumento en teoría tan endeble como el enfrentamiento entre un vagabundo sin ley y un conductor de tren, se convierte en un formidable guión en el que la acción no decae en ningún momento y nos engancha desde el principio. De nuevo, un enfrentamiento entre psicologías contrapuestas, un ritmo endiablado y un gran aprovechamiento de los espacios naturales. La escena del combate  final a muerte entre los dos protagonistas es de antología, pues está rodada de manera soberbia.

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Robert Aldrich.

Para una apropiada y exhaustiva información sobre este director:

Jaime Iglesias Gamboa. Robert Aldrich. Ed. Cátedra. Signo e Imagen/Cineastas. Nº 76 de la colección.

 
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Publicado por en julio 9, 2017 en Cine

 

Recomendaciones cinematográficas de esta semana: Cautiva (Brillante Mendoza, 2.012) y Comanchería (David McKenzie, 2.016).

He disfrutado este fin de semana de dos películas con bastante tensión y acción. Dos películas muy bien hilvanadas de principio a fin, que demuestran que se pueden combinar perfectamente los buenos diálogos, escenas de acción bien realizadas y situaciones tensas e incluso angustiosas. Se trata de Cautiva, del director filipino Brillante Mendoza, y Comanchería, del escocés afincado en Estados Unidos, David McKenzie.

En Cautiva, coproducción entre Filipinas, Francia, Reino Unido y Alemania, nos cuentan un dramático hecho real acaecido a comienzos de los 2.000. Un grupo de habitantes locales, trabajadores sociales de ONG y turistas fueron secuestrados por el grupo guerrillero y terrorista filipino Abu Sayaf. Esta organización es de carácter separatista e islamista. Pretende conseguir la independencia de la isla de Mindanao, para instaurar allí una dictadura islamista. Lleva ya unos cuantos años enfrentándose al Estado filipino. La película nos muestra la angustia y desazón de los rehenes, cuyas vidas dejan de ser lo que habían sido hasta el momento. Lo pierden todo: sus trabajos, sus familias, sus amistades, sus propiedades. Una vez que estas en manos de otros-, y en el caso de los turistas, en un lejano país-, todo lo que ha sido tu vida anterior deja de tener sentido. Ya no tienes ni libertad de movimientos, y tu prioridad absoluta es terminar cada día con vida. A los abusos perpetrados por los captores se unen la deshidratación, las enfermedades, las alimañas de la selva y las duras condiciones de esta. Por si eso no fuera poco, se verán envueltos en el fuego cruzado de la guerrilla que les tiene presos y el ejército filipino.

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La película es muy emocionante, las secuencias de acción están perfectamente filmadas, la violencia nunca resulta gratuita y las relaciones humanas que se muestran a lo largo de la cinta son didácticas y profundas. La sensación que se transmite al espectador es de un absoluto realismo. Casi como si estuviésemos viendo un documental. No hay trampas ni artificios por ningún lado. Mendoza maneja muy bien los tiempos, y las dos horas y dos minutos que dura el filme no se hacen cansinas en ningún momento. Además, nos premia con el protagonismo de esa insuperable actriz, prolífica donde las haya que es Isabelle Huppert, cuya película más recordada es La pianista, de Michael Haneke. Ella sola se come la pantalla, aunque también es de justicia reconocer que el resto del desconocido reparto, tampoco actúa nada mal. En definitiva, unos hechos históricos muy bien contados y que nos llegan muy hondo a los espectadores, por el dramatismo e intensidad que tienen.

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En cuanto a Comanchería, como bien había leído anteriormente en alguna reseña es un filme policíaco muy en la línea de los de los Coen, especialmente Fargo,- que me pareció muy lograda-, y No es país para viejos,- cuyo desarrollo era notable, pero cuyo final me decepcionó enormemente-, y como aquellas retrata a la perfección el ambiente de la Norteamérica profunda y nos muestra a un sheriff enfrentado a psicópatas. Comanchería recupera lo mejor del relato policíaco y sus escenarios tradicionales: pueblos de mala muerte del interior de Estados Unidos, moteles de carretera, casinos, y cafeterías donde se pueden escuchar planes delictivos o conversaciones absurdas y delirantes. Tiene un sabor viejo que la hace agradable, pero al mismo tiempo la cinta demuestra que ha sabido adaptarse a la renovación del género. Quizás esa aparente contradicción se deba a que retrata lugares y personajes que nunca cambian. Tiene bastante de ambigüedad moral, porque aunque unos personajes sean los defensores de la ley, y otros, sus quebrantadores, todos están retratados de una manera que nos resulten antipáticos, lo cual impide que podamos tomar un claro partido por unos u otros. Todos los personajes parecen estar a la deriva, mientras tratan de conseguir cada uno su objetivo (la jubilación, pagar la deuda al banco, huir de todo,…) Comanchería nos muestra un mundo sin héroes, un mundo crepuscular, donde quizás el mayor botín que puedan conseguir los personajes en su vida sea el bienestar personal. Que no es poco. Desde el primer momento, la historia te atrapa y no puedes dejar de verla. Y eso demuestra que tras el desconocido David McKenzie hay un maestro. Siga así, Sr. McKenzie.

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Publicado por en julio 4, 2017 en Cine

 

Canino (Yorgos Lanthimos, 2.009). Una originalísima reflexión sobre la idiotización de las mentes.

Si hay una película que podemos calificar al mismo tiempo de radicalmente original, extraña y muy entretenida,-tres adjetivos dificiles de hacer coincidir en lo que a cine se refiere-, esa es Canino, del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Esta cinta nos muestra la absurda cotideanidad de una familia regida por un déspota que obliga a sus hijos,- y en menor medida a su esposa-, a vivir una existencia absurda y alejada del mundo real. La tergiversación de los significados de las palabras de la que somos testigos desde la primera escena, los juegos arbitrarios y sin lógica aparente que impone el cabeza de familia, la falta de referencias básicas como la distinción entre el bien y el mal, o el significado del sexo en los hijos, o la incapacidad de tener un código de comunicación natural y espontáneo, en lugar de  mecánico y deshumanizado, nos muestran un universo totalitario y surrealista, cruel y absurdo.  Que estemos hablando de un filme tremendamente original ( y genial), no impide que haya referencias a importantes cineastas europeos ya clásicos, desde el Buñuel del Ángel exterminador al Pasolini de Sálo o los 120 días de Sodoma, sin olvidar la trilogía de la incomunicación de Antonioni. El gran logro de Lanthimos es que consigue hacer que nos interesemos por la historia desde la primera escena hasta la última. Porque realmente queremos saber todo el tiempo el origen de esa absurda e injusta situación que condena a unos jóvenes hermanos a la idiotización y la animalización. Unos seres convertidos en autómatas aislados de un mundo que ni conocen ni comprenden y del que tienen una visión totalmente distorsionada. Puede que haya gente a la que se le haga difícil de ver, porque desde luego no es un blockbuster hollywoodiense, pero no es ningún momento aburrida. Lo que si es, es rayante. Una paranoia mental convertida en imágenes, pero llevada en todo momento con muchísima habilidad. Además, los intérpretes resultan creíbles en todo momento, especialmente la malograda Mary Tsoni, quién desafortunadamente fue encontrada muerta en su apartamento el pasado mes de mayo, al parecer de una sobredosis de barbitúricos.  En fin, que viendo esta película, uno se da cuenta, de que cuando hay imaginación y originalidad, siempre hay lugar para el talento y la genialidad. Por último, comentar que esta película obtuvo cinco premios, entre ellos el del Festival de Sitges, el de Sección Oficial de Largometrajes a Concurso y el de Cannes , el Premio Una Mirada Incierta. También estuvo nominada a los Oscar como Mejor Película de Habla No Inglesa.

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Publicado por en junio 30, 2017 en Cine

 

5 Películas de temática LGTB recomendables.

Coincidiendo con la celebración del Orgullo, se me ha ocurrido recomendar una serie de películas de temática LGTB (en realidad, sólo LG), que he ido viendo en el transcurso de los años y me han parecido entretenidas e inteligentes. Además. fueron arriesgadas y valientes, porque ahora está muy de moda el tema LGTB, y en ciertos sectores, bien visto, pero en el momento en que se realizaron estas películas, no lo estaba tanto, y además, seguía siendo un tema bastante tabú. Recuerdo que en mi infancia, este era un tema que se invisibilizaba hasta tal punto que, en determinados ambientes de gente mayor y tradicionalista, se llegaba a negar su existencia. De la homosexualidad masculina, si teníamos alguna referencia, normalmente imágenes estereotipadas que ridiculizaban al homosexual presentándolo siempre como una locaza travestida y sin dignidad, pero ni siquiera sabíamos si existían realmente o eran sólo una hipótesis de como serían si existiesen los hombres homosexuales. Y de la femenina, ni oír hablar. Antes se vivía en un ambiente donde no se podía decir nada favorable de las personas homosexuales. Estoy hablando de hace, por ejemplo, veinte años, diecisiete, una cosa así. Hoy, hemos pasado al otro extremo. No se puede hacer la menor crítica al colectivo LGTB, porque entonces parece que eres un integrista, un facha, o un nazi, término este último del que suele abusar hasta el infinito, cuando se trata de denigrar a alguien.O te vienen con la eterna cantinela de que si les criticas, eres un homosexual reprimido, triste argumento de consolación y autoengaño propio de quienes les gustaría que su tendencia minoritaria se convirtiese en mayoritaria.Y es que desafortunadamente, hoy día vivimos en la dictadura de lo politicamente correcto, donde la libertad de expresión y la diversidad de opiniones están siendo aniquiladas a pasos agigantados. En cualquier caso, hay que valorar una serie de películas que han tratado el tema homosexual de una manera inteligente, imparcial y serena, sin caer en los estereotipos homófobos por un lado, ni en el panfleto militante,ni en el victimismo, por otro. Y estas son mis recomendaciones de esta semana.

Priest (Antonia Bird, 1.994).

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Esta película ya la mencioné en mi post 7 Películas que la Iglesia Católica no quiere que veas. 7 Películas que muestran los aspectos más oscuros de esta institución. Es muy interesante por los tres temas que aborda: la homosexualidad dentro del clero católico, los abusos sexuales a menores,-aunque esta vez no por parte de sacerdotes-, y lo conflictivo a nivel moral que puede ser en determinadas circunstancias, el secreto de confesión. Un relato muy ameno, aunque en ocasiones, duro, que demuestra el buen estado de forma del cine independiente británico.

Fucking Amal (Lukas Moodyson,1.998).

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Película sueca, bastante original en su momento, sobre una adolescente marginada por sus compañeros de instituto, que busca su propio lugar en el mundo, entre otras cosas, tratando de poder expresar su sexualidad, tarea nada fácil en una pequeña localidad dominada por la mediocridad y los prejuicios, sobre todo de los más jóvenes. A mí me gusto bastante. El único pero, que le pongo, es que deja el final demasiado abierto. Pero, en cualquier caso, está muy bien, y llegas a sentir empatía con la protagonista, que es lo realmente importante.

La virgen de los sicarios (Barbet Schroeder, 2.000).

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Una película dogma (carece por completo de decorados) en la que el hollywoodiense Barbet Schroeder, (El misterio Von Bulow, Mujer soltera blanca busca…) cambia por completo de registro trasladándonos a Colombia para contarnos una reflexión sobre la homosexualidad, el desencanto y la violencia. Esta adaptación de la novela homónima de Fernando Vallejo, también resulta muy original. Es un filme naturalista, pues nos muestra la realidad sin aditivos, tal como es. Y nos muestra la necesidad de ser amado de un hombre inteligente y culto dentro de un país descompuesto moral y socialmente.

Boys don´t cry (Kimberly Peirce, 1.999).

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Una historia de lo más truculenta donde una chica se tendrá que travestir de chico para conquistar a la chica que le gusta, creándose una falsa identidad con la que tendrá que vivir constantemente. Todo eso en un entorno hostil de la Norteamérica más cazurra y violenta. Grandes interpretaciones de las siempre formidables Hillary Swank y Chloe Sevigny. Y es que es muy difícil que el cine independiente estadounidense defraude.

La mala educación (Pedro Almodóvar, 2.004).

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Una muy conseguida película donde se confunden realidad y ficción, por lo que se ha de estar muy atento para no perderse. Es un filme muy valioso en tanto que es de los pocos que se atreven a abordar el tema de los abusos de niños por parte de sacerdotes, la impunidad en que quedaban estos hechos y el trauma que originaban en las víctimas. Uno de los mejores trabajos del irregular Almodóvar, un director que vistos sus últimos filmes, debería ir pensando ya en una digna retirada a tiempo.

 
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Publicado por en junio 28, 2017 en Cine

 

Noche en la ciudad (Jules Dassin, 1.950). Una ágil producción que nos muestra los entresijos del lumpen londinense.

Me ha encantado ver Noche en la ciudad, película del siempre interesante y ágil narrador Jules Dassin. Esta película nos muestra un mundo oculto y desconocido: el del lumpen londinense. Una gente que sale a delinquir cuando llega la noche. En él se dan cita toda clase de personajes marginales y de malhechores. Y solamente se puede sobrevivir y triunfar en ese mundo siendo uno de ellos, y actuando como ellos. El personaje principal, Harry Fabian, harto de fracasar en todo lo que emprende y de considerarse a sí mismo un perdedor, intentará salir adelante y enriquecerse dentro de ese mundo, siendo tan arribista, cínico y despreciable como el resto de fauna nocturna con la que se mueve. La arriesgada apuesta, para él, merece la pena, porque está convencido de que triunfará con facilidad. Ese es el punto de partida de este filme a medio camino entre el policíaco y el drama, donde se nos muestra a unos seres tan crueles como patéticos que deambulan por un sórdido universo del que se saben incapaces de escapar. La historia es ágil, nerviosa, dinámica, excitante. La acción y la tensión no decaen en ningún momento, al tiempo que somos testigos de un Londres sucio y corrompido que nunca aparecerá en las guías turísticas.

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La razón por la que la acción transcurre en Londres es que el director de la película, Jules Dassin (1.911-2.008), fue obligado a exiliarse en Europa por la caza de brujas emprendida por el Macartismo contra cualquier personalidad del mundo del cine del que se sospechase tuviese mentalidad liberal o progresista. Cualquier persona con esa orientación política era tachada de comunista, perseguida, encarcelada o se le impedía volver a trabajar en el cine. Pero, Dassin pudo sobreponerse y siguió rodando maravillas en Europa como la que nos ocupa, o como el policíaco Rififi (1.955) o la peculiar comedia Topkapi (1.964).

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En Noche en la ciudad, podemos notar un estilo expresionista, heredero de cineastas como Fritz Lang o Serge Eisenstein. Al tiempo que el filme recibió esas influencias,-muy marcadas en su tramo final-, también influyó en el estilo y ambientación de filmes posteriores, igualmente magistrales. Estoy pensando como ejemplo en Sed de mal (Orson Welles, 1.958).  La película es grandiosa en todos los aspectos y constituye la mejor prueba de que el buen cine, como los buenos vinos, no se estropea con el paso de los años, sino que resiste el paso del tiempo e incluso, mejora.

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Publicado por en abril 28, 2017 en Cine

 

Ha muerto Jonathan Demme, director de entre otras, El silencio de los corderos y Philadelhia. Una breve reseña de sus películas más destacadas.

Me acabó de enterar con gran sorpresa y cierta lástima del fallecimiento ayer del director de cine estadounidense Jonathan Demme (nacido en 1.944), a causa de un cáncer de esófago. Nunca fui un gran seguidor de su obra, pues la verdad es que he visto pocas películas suyas. Pero, al haber realizado obras tan relevantes como El silencio de los corderos, si considero obligado, escribir, aunque sea de manera breve sobre él y algunas de sus películas, las pocas que vi suyas. Creo que una de las cosas buenas de Demme fue que otorgó papeles de importancia a las mujeres en sus películas. Las protagonistas de sus películas son mujeres fuertes, valientes y decididas. Pocas veces he visto un director que ya en los años 80 entregara el peso de una película a una mujer en la forma en que lo hizo él. Hablo de una época, los 80, donde el feminismo no estaba muy de moda, como no lo estaba ninguna clase de igualitarismo, pues en el cine imperaban la comercialidad, los relatos de aventuras,- a menudo protagonizados por adolescentes-, y el patriotismo reaganiano. Cuando hablo de las heroínas de Demme me estoy refiriendo a los personajes principales de Algo salvaje (1.987), Casada con todos (1.988) y El silencio de los corderos (1.991). Son tres obras bastante sólidas y se cuentan entre las mejores interpretaciones de Melanie Griffith, Michelle Phfeiffer y Jodie Foster. Esto demuestra que Demme era también un gran director de actrices.

En su obra, incluso en las comedias no falta la violencia. Pero esta no es gratuita, pues siempre esta bien insertada en el guión. Posteriormente a estos tres brillantes títulos, realizó Philadelphia (1.993), filme que obtuvo un gran éxito y que contaba con una buena banda sonora, en la que colaboró el mismísimo Bruce Springteen. Pero que es una obra que no me gusta, pues me parece diseñada exclusivamente para manipular emocionalmente al espectador, cosa que me molesta especialmente. Además, si mal no recuerdo, Philadelphia plagiaba una escena de otra película rodada unos meses antes, Fresa y chocolate , de Tomás Gutiérrez Alea. Una escena en la que el homosexual protagonista llora de emoción al escuchar a María Callas. No niego que en su momento no fuese una película valiente por tocar los temas entonces tabúes de la homosexualidad y el VIH, pero a día de hoy con la evolución experimentada por la sociedad resulta un filme bienpensante e incluso ñoño. Hay que valorar positivamente, eso sí, la muy acertada interpretación de Tom Hanks, que por aquella época empezaba a demostrarnos que valía para algo más que para tontas comedias juveniles. Años después Demme realizó The manchurian candidate, remake de un filme del mismo título de John Frankenheimer, de 1.962. Sin llegar al carácter magistral del original, el filme le salió bastante bien, siendo uno de los pocos remakes dignos que he visto en los últimos años. Demme supo imprimirle a esta nueva versión su sello propio, actualizando el relato al orden actual post-guerra fría y sustituyendo a los comunistas por las multinacionales en el papel de villanos. Además, volvió a sacar muy buenas interpretaciones de sus actores y demostró que todavía se podían rodar thrillers con un guión inteligente y con fundamento, más allá de las escenas de acción espectaculares y los efectos especiales y digitales.

En fin, esta es mi pequeña aportación a lo que he visto de Jonathan Demme, que como veis, a diferencia de otros directores, es bastante limitado. He tratado de ser lo más riguroso posible al acercarme a la obra de un director con trabajos sólidos y de calidad, pero que quizás no tuvo la oportunidad de desarrollar una carrera tan brillante y regular como la de otros de su generación(Scorsese,Spielberg,Stone,etc) no pudiendo adquirir el prestigio y renombre de estos.

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Algo salvaje (1.987). Melanie Griffith y Jeff Daniels.

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Casada con todos (1.988). Mathew Modine y Michelle Phfeiffer.

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El silencio de los corderos (1.991). Jodie Foster y Anthony Hopkins.

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Philadelphia (1.993). Tom Hanks y Denzel Washington.

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The Manchurian Candidate (El mensajero del miedo, 2.004). Meryl Streep y Liev Schreiber.

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Jonathan Demme (1.944-2.017).

 
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Publicado por en abril 27, 2017 en Cine

 

Francis Ford Coppola (1.939). Un director con una filmografía de películas fascinantes y poco conocidas, más allá de la trilogía del Padrino y Apocalipsis Now.

Hace mucho que quería escribir sobre Francis Ford Coppola,(Detroit,1.939) uno de los mejores cineastas de lo que en su día se llamó el Nuevo Ho.llywood Siempre me pareció  uno de los directores más completos y sobresalientes, y creo que he visto todas sus películas. Por eso, creo llegado el momento de hablar de aquellas que más me han gustado o me han parecido tremendamente originales. No están todas sus películas, porque algunas no me convencieron, pero sí la mayoría. Es una lástima que la mayoría de la gente sólo lo conozca por la trilogía de El Padrino y por Apocalipsis Now, porque tiene otras películas, si no tan ambiciosas, si igualmente magistrales. No hablaré ni de la trilogía del Padrino ni de Apocalipsis Now, porque considero que ya son sobradamente conocidas y han sido estudiadas y analizadas de manera exhaustiva en las últimas décadas. Aquí muestro el Coppola más desconocido, pero también el más creativo y sorprendente.

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Dementia 13. (1.963).

Su primer largometraje fue esta deliciosa película de terror donde se notaba lo que el joven Coppola había aprendido de las narraciones góticas y del cine de terror clásico, sobre todo de la entonces reciente Psicosis (Alfred Hitchkcok,1.960).

 

El valle del arcoiris (1.968).

Un musical con una estupenda puesta en escena, sobre todo en las secuencias nocturnas, que resultan perfectas. A pesar de su tono cursi e ingenuo, tan típico del género, esconde una fuerte carga social, pues es un alegato antiracista, rodado precisamente en plena lucha del movimiento por los derechos civiles y el mismo año del Mayo francés, y de los asesinatos de Robert Kennedy y Martin Luther King. Es una de las películas más originales y sorprendentes que he visto.

 

La conversación (1.974).

Un filme rodado en un estilo que parece muchísimo más europeo que estadounidense, que nos aborda el tema de lo que fácil que les resulta a los poderosos tenernos vigilados por medio de los avances tecnológicos. Además, el atormentado personaje principal,- interpretado por un Gene Hackman que nunca ha estado mejor-, tiene una un interesante discurso existencial. Como anécdota, comentar que ese año (1.974), Coppola compitió en los Oscars contra sí mismo, pues dos de las cinco nominadas eran suyas ,La conversación vs El padrino II.

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Corazonada (1.980).

Un musical original como ninguno. Una obra maestra del ingenio, del uso de las luces y los colores y con números insuperables. Pero, el público no la entendió, y fue uno de los mayores fracasos comerciales de la Historia del Cine. Hasta tal punto que llevó a la quiebra a la productora de Coppola, Zoetrope.

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Rebeldes (1.983).

Adaptación de una novela de S.E.Hinton, sobre bandas juveniles con ribetes de lucha de clases, donde se toma claro partido por los pobres y marginales, frente a unos pijos demasiado odiosos para que el espectador pueda sentir ninguna empatía por ellos. Junto con La ley de la calle, constituye un díptico de altísima calidad sobre la marginación y la violencia. La escena de la pelea nocturna entre bandas bajo la lluvia es de lo mejor que se ha rodado en muchos lustros. Igual que en el caso de Los siete magníficos,(John Sturges,1.960) está película reunió a siete actores,-entonces desconocidos-, que poco después se convertirían en estrellas de cine de los 80, si bien la mayoría han ido cayendo en el olvido. Hoy sólo se mantienen Tom Cruise y Matt Dillon. En la imagen, de izquierda a derecha, Tom Cruise, Rob Lowe, C.Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Emilio Estevez y Patrick Swayze (que falleció de cancér de páncreas en 2.009).

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La ley de la calle (1.983).

Otra adaptación de S.E. Hinton, rodada inmediatamente después que Rebeldes, nos introduce también en un universo marginal, pero en esta ocasión también atemporal y hasta cierto punto, surrealista. El blanco y negro y la imprecisión del lugar donde transcurre la acción, acentúan la sensación de claustrofobia en que se mueven unos personajes cuyas vidas se mueven sin dirección concreta.

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Cotton Club (1.984).

Uno de los mejores relatos de gangsters que se hallan rodado. Todo funciona a la perfección. Hasta el habitualmente muy limitado Richard Gere resulta convincente. La recreación del Nueva York de los años 30 es inmejorable. Pero, no se sabe porqué fue un tremendo fracaso comercial. En fin, al público, hay veces que es difícil entenderlo.

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Drácula de Bram Stoker (1.992).

He aquí una obra maestra incontestable. Una película perfecta en todos los aspectos,- fotografía, uso del color, ambientación, guión, interpretaciones-, que en mi opinión es la mejor adaptación de la novela de  Bram Stoker y la más fiel a esta. Desde luego, la perspectiva desde la que está contada la historia es muy diferente de todas las anteriores películas sobre Drácula.

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El hombre sin edad (2.007).

Después de muchos años sin dirigir y cuando ya le creíamos definitivamente retirado, Coppola nos dio la alegría de volver y con este peliculón que habla de un modo científico y realista sobre la reencarnación. Fabulosa adaptación de una novela de Mircea Elíade. Me gustó tanto que le dedique un post .https://elblogdemiguelfernandez.wordpress.com/wp-admin/post.php?post=8520&action=edit

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Twixt (2.011).

Una película de fantasmas totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados, y donde incluso con encontramos con un famoso escritor…Me resulto un filme bastante gratificante. La lástima es que sea una obra tan poco conocida.

 
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Publicado por en abril 26, 2017 en Cine